摄影技术是一项伟大的发明，它是在迎向未来，还是在迎向灵光消逝的年代?

　　如果说“光”和“形”是摄影艺术一直在探讨的两个核心，那么在二十世纪初，“抽象”这一词汇与摄影艺术的交融就再未曾停止过。

　　正在伦敦泰特现代美术馆展出的“光之形：100年来的摄影与抽象艺术展”(Shape of Light: 100 Years of Photography and Abstract Art)是由泰特摄影部现任主任西蒙·贝克 ( Simon Baker ) 策展的。

　　* 西蒙·贝克是泰特的第一位摄影策展人，也是巴黎著名摄影中心MaisonEuropéennedela Photographie(MEP)的主任。

　　在此次展览中，策展人不仅选择了像是曼•雷(Man Ray)、阿尔文•兰登•科伯恩(Alvin Langdon Coburn)及奥托·施泰纳特(Otto Steinert)这样的大师们是如何在他们如实验室般的暗房及工作室内改造现实的，同时还展示了很多优秀的当代摄影师如芭芭拉•卡斯滕(Barbara Kasten)、横田大辅(Daisuke Yokota)等人为展览而创作的新作品。

　　本次展览展出了超过300件艺术作品，涵盖100多位艺术家与摄影师，从1910年代到现在，跨越了一个世纪的摄影作品，观众们可以追寻着时间的脚步，慢慢去领略通过镜头记录“摄影艺术”与“抽象艺术”两者的互相促进与影响。

　　在现代视觉文化中，摄影艺术与抽象艺术都是极具探讨意义的存在。而在摄影艺术当中，从20世纪起初的摄影实验到后来的超现实主义，时至今日的数字化显示，这两个艺术概念始终在不断的对话，相互为其存在而注入新的探索契机。　

　　这次从展览从时间的维度将诸多的作品分散在12个展厅之中，涉及的摄影师之多，所以也无法逐一详细解读。

　　因此，在每个部分都选取了具有代表性的摄影师或者艺术家，让大家对于这一百年在抽象艺术的语境中的摄影发展，有一个历史性的回顾。

　　抽象领域的初试

　　1-5展厅(1910– 1940)

　　展览第一部分回顾了20世纪早期，摄影转向抽象领域的最开始的尝试。这段时间大致与两次世界大战之间的时间段相重叠。展出包括了阿尔文•兰登•科伯恩(Alvin Langdon Coburn)、拉兹洛•莫霍利•纳吉(Laszlo Moholy-Nagy)在内的大量早期抽象摄影的尝试作品。

　　抽象摄影流派追求超视觉、超常态效果，主张通过摄影手法将具体的对象转换成点、线、面等抽象的形态。

　　在转换成抽象形态的过程中，被摄对象既可被辨识，也可与现实对象毫无任何相似之处。其作品往往会引起人们抽象的美感联想或情绪上的某些反应。

　　像是本次展览中的阿尔文•兰登•科伯恩的“旋涡照片”(Vortographs)便呈现出光影模糊、集合排列的特点。通过操纵光线和化学物质产生，以此来扭曲或分割现实世界。这样的结果恰恰是媒介、纪录片及抽象艺术三者间的一种镜像历史。

　　所谓的“漩涡照片”就是最早的一种纯抽象照片，它是通过安装成三角形的三片镜子来拍摄物体，从而得到千变万化重复的图象。

　　“漩涡照片”也是早期摄影对抽象手法向不同方向探索的重要结果。

　　这一名字来源于科伯恩对于当时的艺术运动漩涡主义(Vorticism)的痴迷，也正是科伯恩在伦敦邂逅埃兹拉•庞德(Ezra Pound)时，被带入了这场由艺术家兼作家温德姆•路易斯(Wyndham Lewis)开启的短暂英国先锋派现代主义运动，科伯恩随即感受到了几何形状和立体派碎片的漩涡画派动力的解放潜力。

　　而另一位包豪斯构成主义大师拉兹洛•莫霍利•纳吉的作品也在这一部分被大量展出，包括了他的抽象摄影照片、几何布面油画创作以及他最著名的物影照片(Photograms)系列。

　　莫霍利早年并没有接受过正规的艺术培训，从一开始就很少有拘泥于写实的作品。这也正使得他的绘画及平面设计作品大部分都非常抽象，并且特别注重表现画面的空间感。像是这幅他的绘画作品“KVII”便是极简抽象派艺术的那种线条和色块的排列。　

　　所以通过观察莫霍利同时在绘画与摄影的相互影响，我们便可以发现在20世纪中期时便有了多媒介的同时探索，这便是摄影艺术在抽象领域的诸多的实验性尝试。

　　抽象的深入探索

　　6-9展厅(1940- 1960)

　　在本次展览中，第9展厅也是作为展览的重要节点，主要是展示的是1960年MoMA举办的名为“抽象的感知”的摄影展，这一展览在当时肯定并梳理了摄影在抽象领域做出的探索，并奠定了一些关键艺术家的地位，其中代表人物便是曼•雷(Man Ray)。

　　与其拍摄一个东西，不如拍摄一个意念;与其拍摄一个意念，不如拍摄一个幻梦。

　　——曼•雷

　　在这间展厅里，便可以感知到曼•雷那永那不停歇的创新想象力，作为二十世纪最具影响力，且最全方位的艺术家之一，又以摄影作品最为人称道。　

　　他挑战并扩张摄影的本质，使用中途曝光(Solarization)、实物投影法(Rayograph)等暗房技巧与实验手法，让摄影成为一种艺术表达形式。

　　深受达达派和超现实主义绘画思想影响的曼•雷，具有强烈的反传统意识，他宁可去创造一个个充满幻境的世界，也不会拘泥于对客观对象的简单重复。

　　达达与超现实主义被普遍认为是20世纪最具神秘色彩又最富影响力的先锋艺术运动。

　　达达与超现实主义摄影家们采用高超的暗房制作技术，通过使用大量的道具或运用特殊的摄影技法，如多次曝光、摄影蒙太奇、透明底片夹印和多底叠放等，创造出超现实主义的效果。

　　像是这幅曼雷的代表作之一“泪珠”，两只美丽的大眼睛，伤感的眼神，几滴发亮的泪珠，会引起我们无尽地联想。但曼雷为了取得所追求的艺术效果，并没有真地拍摄眼泪，而是用几个玻璃珠代替眼泪，这也正符合超现实主义的创作理念。

　　而曼•雷的好友达利更是宣称：

　　“使整个真实世界成为不可相信的东西。”

　　在那个时代的摄影的影像还普遍具有真实性，照片却可以开始慢慢的控制和改变现实，于是乎，摄影艺术就成为改变人们所坚持的关于事物“真实性”看法的最佳手段，也是抽象艺术被超现实主义摄影家普遍关注的原因。

　　摄影先锋派的实验

　　10-11展厅(1960- 1980)

　　在上个世纪下半叶的摄影实践开始展现出更为先锋性的特点，摄影的媒介也开始多样化，边界也逐渐变得模糊起来。例如在第10展厅中侧面墙上展出了大量的以“光学效果”为探索方向的作品。

　　贝拉•科拉罗娃(Bela Kolarova)的作品，通过在暗房里控制光和相纸的移动，进而完全摒弃了摄影此前一直被预设的对物质的依赖，极大拓展了摄影这一媒介的边界。

　　以布拉格为创作基地的艺术家贝拉在20世纪60年代早期就开始利用摄影技术进行实验，创作的黑影照片及X光相片，延续了包豪斯学派将摄影看作是一种抽象媒介的传统。

　　因此，在一系列黑影照片中，通过将自然材料压挤到软石蜡、并利用它们来完成照相纸的曝光，她创作了一些微型的“人工底片”。

　　贝拉的作品在形式上与先锋派的实验法相似，而MoMA在2015年出版的《Photographyin MoMA: 1960-Now》中也认可了她对当代摄影的重要影响。

　　第11展厅中展出了约翰·希利亚德(John Hilliard)、芭芭拉•卡斯滕(Barbara Kasten)等人的作品。希利亚德的探索更多地在再现(Representation)与抽象的摄影本体论层面上，探讨景框、色彩等特定主题。

　　希利亚德曾经做过一场关于摄影跟“真实”和“现实”的关系的拷问实验，从照片结构、光圈数值、快门速度、拍摄角度、焦距、焦点、色调、方向等技术层面，剖析摄影对“真实”和“现实”的调侃与背叛。

　　而芭芭拉则显示出对三维与二维形体之间的相互影响的关注、对展示及支撑物扮演的角色的兴趣、对抽象主义与物质性的新的处理方式，这都与当前的艺术时刻密切相关。

　　曾经在宾夕法尼亚大学当代艺术研究中心的个展“舞台(Stages)”也正说明了这一点。

　　从上世纪70年代其早期的实验性作品到80年代色彩明艳的摄影室结构，再到一件新创作的特定场域的装置作品，也着重表现了芭芭拉对光、形状以及阴影的兴趣。

　　数字化抽象的变革

　　12展厅(1980- NOW)

　　展览的最后呈现的便是在数码技术浪潮中，摄影艺术所呈现出的不同方向的拓展，可以说也是摄影实践的彷徨期，即是对包括对暗房、相纸、化学反应等在内的物质性的再度强调，又是利用数码技术对摄影中物质性的进一步消解。

　　不管是摄影大师玛雅•若查特(Maya Rochat)，还是摄影新秀横田大辅(Daisuke Yokota)同样的运用了强烈的、几乎具有破坏性的变革技术，如使用化学制品、加热、油漆并将图像不断重照、转载和重新扫描。

　　他们方法的内在本质既降低亦提高了摄影图像，并进一步提高摄影作为记录媒介的想法。最终的结果是，图像是类似于即兴音乐的过程与痕迹，让人们再一次感受到媒介非凡的可能性，不仅仅是为了反映真实，更是为了将其转化为另一种抽象艺术。

　　1983年出生的摄影师横田大辅被视为日本摄影界新星，自2008年起获多个奖项，并于早前赢得由著名的荷兰摄影杂志《Foam Magazine》所举办的第10届 Foam Paul Huf Award大奖。

　　横田大辅常常将摄影作品做为创作材料来利用，加以各种唯一性的原创手工后期，呈现出极其与众不同的视觉效果。

　　首先以黑白胶片翻拍彩色数码，然后在自家洗手间进行各种漏光，刻意用过热的药水冲晒胶片，泼酸水，撒铁粉，加上灰尘和刮痕，用不一样的方式和过程来制作最终图像，翻拍这些图像多达十次。

　　故而他的创作，都是在唤起时间的轨迹，最终形成的图像是回忆、梦境的合成体，以及一段自己创作的心路历程。

　　经过了这么多年，好像又回到了曼•雷当初一开始说的那句对于摄影的感悟。

　　梳理完上世纪的摄影艺术在抽象探索之路，不禁有些期冀未来的摄影艺术又会为我们呈现一个怎样充满惊喜的世界呢?

　　光之形：100年来的摄影与抽象艺术展

　　展至2018年10月14日

　　地址：英国泰特现代美术馆(Tate Modern, Bankside, London SE1 9TG)

　　费用：£18，会员免费