我认为：笔墨是中国画的生命线；　　水是中国画的灵魂；　　写生是画家与生活的“对话”；　　画家也要有“与时俱进”的精神。　　中国花鸟画自二十世纪八十年代以来，从表现上看己达到了空前的繁荣。特别是各地老年大学的兴办，花鸟画又是一种既能陶冶情操又是一种易于入门之画种，因而上至离退休耄耄长者，下至童稚少年，学画花鸟画之风气之盛，“梅、兰、竹、菊”、“牡丹”、“荷花”皆遍地开花，为历代所少见。然而真正画得好的，颇具深厚功力和个性的却寥若晨星，这是当前花鸟画坛的一个基本现状。可见要画好一幅既见深厚传统功力又独具自己强烈面貌、时出新意之花鸟画是何等之不易。近年来我在多次担任中国美协组织的一些全国性大展的评选过程中，如在“第二届全国花鸟画展”北京评画的时候，我就注意和发现到一个问题，即现在的写意画特别是大写意，画得好的越来越少，其数量明显少于工笔画，而工笔画却明显多于写意画，而且画之尺寸越画越大，多偏重于大场面，大制作。''为出效果，洒盐、倒牛奶、加肥皂粉等等己到了不择手段之地步。笔墨不讲究“写”之成份却大大忽略。为什么会出现重工笔而轻写意，重制作而轻笔墨呢?　　我认为：一是相对而言工笔容易出效果。画工笔因为是画在熟宣上，主要是靠勾线来表现，用笔比较单纯相对容易掌握，勾线后(有的干脆用铅笔勾)主要靠色彩喧染，靠制作，一张画起稿时可以反复修改，二、三个月一层一层磨。同时为了达到视觉冲击效果，所谓“起眼”作品越画越大。工笔画画大场面容易出效果，比较讨巧。而大写意要画好则较难，大写意表现之手段跟工笔不一样，要使画面有冲击力，主要靠笔墨功力来体现。靠笔墨的"气韵生动"才能产生出扑面而来的强烈的艺术感染力，即所谓的视觉冲击力，而这需要靠画家做几十年的学问和不断地在笔墨上锤炼、积累才有可能厚积而薄发。　　我这样说，并不是说工笔画就不难，工笔画画得好也难，但是相比较而言，大写意要难得多，另外小写意与大写意比较起来亦要容易些，兼工带写笔头比较小，只要有工笔的基础有一定的造型和传统功力，还是比较容易掌握，大写意画看起来擦擦几笔谁都能来几下，但要笔酣墨饱，既浑扑又苍茫，既厚重中见灵动，下笔信手拈来，所谓 “当其下手风雨快，笔所未到气己吞”能达如此境界，难矣。　　那应该如何来提高中国花鸟画之水平呢？照我来看，首先要强调中国画笔墨之重要性。张仃先生讲笔墨是中国画的底线，我则认为笔墨是中国画的生命线。中国画如果离开笔墨那就无法谈起，笔墨不是一朝一夕能得到的，它要在正确的万法下干锤百炼才能炼就。笔墨还包含着一个人之修养，作者见地之高，眼力之高，笔墨才能高。我们看一幅画时，为什么有的画耐看，有的画一看就生动，就有一股强烈的艺术感染力，其关键是笔墨到位；笔墨“松动”。即便是工笔画或兼工带写亦要强调笔墨。我看两宋花鸟画，虽然是工笔，但线条很松动，很有笔趣，不呆板，所以显得很大气。大气不是大写意画之专长，工笔画、兼工带写都存在一个大气的问题。　　其次，要注意用水。用笔用墨之关键是用水，水是中国画之灵魂。 “枯笔取气，湿笔取韵”，用不好水，韵就即无气韵，苟无气韵，即无生命。而笔墨只有靠水的充分运用、妙用，才能使作品达到出神入化之奇妙境界。　　再者，要注意深入生活，写意画主要是表现一种意境，一种境界，意境何以产生？我认为要从生活中来，从生活中去吸取，古人说“行万里路，读万卷书”即是这个道理。这就要求画家要不断到生活中去发掘，去发现。一个画家要在生活中有所发现，就要有一种悟性，自然会丘壑内营；一个画家能在生活中有所发现，观察时就会达到“物我两忘”之境地。写生是画家与生活的“对话”，只有带着感情去看就会发现其中之美，从中发现前人未能发现的东西，所谓见多识广。我们今天的视野比前人开阔得多，现在随着科技的进步，各种花卉新品种层出不穷，真是千姿百态，随着国门的敞开，外来花卉日益见多，所以，我们不能局限于传统的几种题材。花鸟花在题材上只亦有所创新，要在前人的基础上有所发现，有所发掘，有所发展。　　花鸟画之创新，没有传统不行，但我们所说的传统，不是要死抱传统。我们要学习传统，要继承传统，要研究传统，但学习和研究只是手段，不是目的，目的是发展传统，发扬传统，要推陈出新，要借古而开今。我们现在的时代跟古人不一样，我们现在正处在一个新世纪的伟大时代，这是一个“基因”的世纪，好多发生的事件是古人不可想象的，画家只要有“与时俱进”的精神。在这点上，我很佩服石涛，他在明末清初时就大胆提出“笔墨当随时代”。　　总之，我们要用以现代人之思维，现代人之思想去观察，研究生活，再用深厚的传统功力去表现我们对于生活的感受，不断地体察，不断地锤炼，只有这样，才能创作出无愧于时代的优秀作品来。