我注意到经历漫漫15年旅英生涯后又返国居于北京“炫特区”的海归画家刘海明，是在读了其笔下的《游子吟》之时：“路难行/处处不见故人/饥食世态炎凉/渴饮儿女孤泪/忍漂泊/糊涂冷酒独饮/江中潮水已退/唯见游子不醒/空怀谷/拳拳赤胆忠心/如若天无黑白/来世绝不做人”。　　这是何等令人震撼的孤独!一个来自东方的画家，到了多少人向往的西方后，竟会衍生出这样一种心境，这对于未曾经历过异国他乡漂泊的人们来说，实在是不可想象。　　然而，孤独产生美，孤独中的艺术更有魅力。　　版画、油画、书法、诗、散文、随感……海明的作品有一种超然的宁静。这种宁静绝非死寂，透过它们读者可以触摸到海明对生活的解构、沉思、感悟、诠释、灰色幽默乃至叛逆。这里没有虚张声势的呐喊，抑或借酒壮胆的咆哮发泄，拒绝假面具，喷泻真情感，创作的欲望在异邦无眠的夜晚尽情地燃烧。审视、筛选、剪裁、磨砺，不俗套，不造作，一切都是从生命内核中流淌出来的，鲜活而又生动，抽象而又具象，最终归结为一种人文精神。否则，是画匠而非画家，是赝品而非精品。　　一件好的作品，不仅能净化心灵，而且可以给人以生活的热情。艺术是从身体到灵魂的生命表达。在孤独中，海明认定：艺术家是追求精神世界客观世界完美统一的一族。客观世界是不可能如意的，也会使完美主义者产生孤独。艺术家本质上的孤独是注定了的，心灵中注定锲而不舍地寻寻觅觅，哪怕是浪迹海角天涯。没有孤独就没有艺术，就没有品格，没有膂力，没有个性。孤独让艺术家历练良心与良知，不趋炎附势，不人画亦画，不随波逐流，不因循守旧，孤独是艺术家生命和智慧的土地。在这一时期，海明的作品创下诸多“第一”的记录：第一个当代中国版画家作品被大英博物馆收藏;第一个中国画家个展由英国首相(梅杰)剪彩开幕;第一个中国画家作品被英国著名画廊(Redfem Gallery)终生代理，该画廊曾因成功代理毕加索、马蒂斯、亨利摩尔等国际大师的作品而名闻遐迩。他先后共举办21次个展，作品被世界七大博物馆收藏。海明对我说：创作这些作品的灵感，仿佛是上帝给他的一束光。艺术是一种精神的构成，是人的品质的外化。艺术家所承受的孤独和痛苦，往往是非个人、超个人的。艺术家应该忘掉大师去创造，不去重复别人。把别人带入由你创造的天地，而不是其他大师的境界。　　纵观海明的代表作《佳人》、《源头》、《生命》、《林间的黄昏》等，似乎见证了中西文化碰撞和交流的全新过程，展示出面对不同文化背景和语境艺术将如何作为的可能性。同时，这又为人们思考和解开海明这样的海归画家文化身份认同和民族国家定位的焦虑，提供更加具体、更加鲜活的实例。　　海明说：“我在海外时所面临的最大困惑就是如何在融入西方社会时能够保持自己的文化价值取向。”若把他的《红裙子》、《村妮》、《枫树》、《母与子》、《古船》、《走向圣地》、《少女的祈祷》好好品鉴一番，就会感到差异性其实是画家的重要呈现方式，差异性并非文化价值认同的障碍，关键在于它是否准确有效地反映了一个国家、一个民族当下的文化状态。海明的归来，正是在于他追寻着一种具有归属感的当代文化和艺术。它不可能再是自上而下的强行灌输，而只能是开放和动态的研讨与探索。它的每一次展开和深化，就像海归画家的走出与归来一样，都是过去的结束和未来的开始，既是中转站，又是抛锚地。　　如果还要追溯的话，海明出生于中国的票号发源地山西平遥，当过农民与煤矿工，上世纪80年代初毕业于中央美术学院，曾受教于版画家古元、王琦、李桦和油画家詹建俊、庞涛、罗尔纯等大家。他的农民出身和平民经历，使他与社会最底层的普罗大众保持着一种血脉相通的紧密维系，使他的创作题材更多地打上了平民烙印。于是他表白：“文化人是社会的良心”;于是他感叹：“只有用真情创作，才让我觉得生命的惊喜与意义”;于是他呼唤：“有的人是用心说话，有的人是用嘴说话，有的人嘴和心都不会说话”。　　虽然在海外生活了那么长时间，但海明内心深处缠绕的是解不开的故国情结。海明认为，从世界美术史的角度看，由于众所周知的原因，中国已丧失了20世纪的美术话语权，我们不应该再放弃或错失21世纪的美术话语权。文化在综合国力竞争中的地位及作用日益突出，打造美术“国家形象”，提升国家软实力以增强国际影响力，这是美术同仁不可推卸的责任。海明说：“美术的交流无论请什么进来，拿什么出去，都应秉持以我为主、对我有益、和而不同的理念，以展示精品经典，弘扬国家文化形象。”结合回国后感受和艺术实践的体验，海明在欣喜中又不无忧虑，这就是国内美术领域民族文化自信心的缺失、价值理念的混乱、审美取向的迷茫以及创作观念上的盲从躁动，还有鄙薄民族文化传统、疏离生活、拜金主义、矫情自用，甚至为追求感官刺激不惜挑战道德底线的所谓“创新”等等。谈到这些，海明顺手拎起笤帚做了一个“扫”的动作，一切尽在不言之中，难得他一个“海归”竟有如此的心怀!　　这正是：“海归画家”归去来，神州故里可久待;中西合璧丹心谱，油彩泼向菊花台。