“前一段时间有报道说，观众到美术馆去看画展，黄宾虹、吴冠中的展览看不懂，要求有人导读。我想请问大家，电影《阿凡达》看得懂吗?没有人提这个问题!今天，当人们的视觉越来越满足于奇观和刺激，中国画如何生存和发展?”这是中国美术学院院长许江抛出的犀利观点，也是摆在中国画界面前迫切需要解答的一道难题。

　　2011年的第一天，首届杭州中国画双年展在浙江省美术馆开幕，数百位艺术家汇聚杭州，直击了中国画创作所面临的痛楚：要眼球效应还是坚守传统?

　　极度追求眼球效应，写意精神失落

　　曾有人说中国画已经穷途末路，这论调虽然悲观，但此次双年展上记者发现，中国画的发展的确面临某些问题。中国美术家协会权威人士在双年展上接受记者采访时坦言，在极度追求眼球效应的创作风潮中，被看作“中国画骨髓”的“写意精神”正在失落。

　　中国画是几千年中国文化积淀所形成的古老而独立的绘画体系。它的独特性不仅仅体现在使用毛笔、宣纸这些民族色彩浓厚的工具，还在于它独有的写意精神内涵。千百年来，中国画讲究写其意不写其形。比如竹子，在现实生活中是绿色的，呈现在宣纸上却是黑色的，这是以科学观为先导的西方绘画所不能理解的，但恰恰是中国画的意象美所在。

　　然而，在当代中国画创作中，这种意境美正在迅速淡化，取而代之的是画家们越来越追逐光影、色彩和画面的细致。大家不遗余力地仔细刻画，甚至描摹照片。“你细，我比你更细”，似乎只有这样才能证明自己的绘画能力。尤其是工笔画，干脆当油画来表现，画中人物的头发根根分明，就连脸上的汗毛孔、青春痘印迹和血管都清晰可见。并不是说中国画不可以吸收融汇外来艺术。不可否认，西方绘画的许多技法，解决了中国画在造型和色彩上的不足。比如近代海派画家的代表人物任伯年，他善于学习西洋水彩、素描的技法。他的画作，笔触精细，但又不失中国画的韵味，将工笔与写意完美结合。而我们很多艺术家的作品，精致的描摹下乍看是很吸引眼球，但离中国画所应有的写意精神太远。难怪有专家大声疾呼：是时候唤起当代中国画画家的危机感了!

　　结缘双年展，中国画发出自己的声音

　　首届杭州中国画双年展发出了属于中国画自己的声音。本次展览将主题定为“意之大者”主题，期望通过不同年龄层次艺术家的不同风格作品的同台展示，引发人们对中国画在现代化语境中如何继承与创新的思考，同时唤起画家对中国画写意精神的重视。

　　值得一提的是，这次展览引入了双年展这一国际通行的现代美术交流模式，参展画家是通过画家个人推荐、艺委会集体评选的方式产生的，最终共有29位中国画画家的330余件作品获得参展资格。

　　在这些画家中，既有陈佩秋、朱颖人、曾宓、孔仲起、潘公凯等诸多名家，也有“60后”、“70后”的中生代画家。他们中，年龄最长的是上海女画家陈佩秋，生于1923年，而最年轻的则是中国美术学院的女博士生罗颖，生于1973年，她们的年龄相差了半个世纪。

　　参展作品则包括了花鸟、山水、人物等多个中国画的传统题材，也有一些先锋色彩颇浓的探索作品，比如画家谷文达就展出了一套十二生肖生墨字，而字幅中嵌有液晶屏，播放生肖动漫。

　　中国美术学院副院长王赞还提醒大家关注画展的展陈方式，即每位入选者都有30米展线和一篇2000字的学术自述。王赞说，以往的大型美术展览，往往只给每位画家两米宽的展线，如此狭窄的空间内，想要吸引眼球，画家只能往细里画。“30米的展线，给予画家表达内心世界的足够宽度，画家拿出多幅自己满意的作品，展示他们的真实水平。”

　　不过，王赞也指出，本届双年展缺少对当代生活、当代人深刻描绘与表现的作品，这主要是因为画家洞察力与独立思想的贫乏。此外，展览中还是有一些大尺幅的作品，“我们主题‘意之大者’中的大是指大写意，而不是大尺幅。希望以后的作品能文雅一些，不要那么张扬。”