2010年10月17日，“对应的语境”——中国当代艺术主题交流展在华夏环线空间开幕，谭平携四位学生进行了首次联展。在看到作品之前，我预期这是一次抽象艺术的展览，但是到现场观看这二十几幅作品的时候，实际并不全然如此。虽然称为“师生联展”，但这并非是一次教学观摩展，他们之间的关系或者应超越师生之外，更多地表现出独立艺术家之间的一次交流和对话。10月30日，在空间总监巴力的协助之下，我们进行了一次座谈，艺术家们陈述了各自的创作状态和思考。

　　主流与非主流的话题，来自谭平和康剑飞的说法。正如康剑飞所说，作为美术学院的教师，大家对他们的艺术风格是有预设想象的，从这个意义上来说，也就不难理解康剑飞所说的，“我不是典型的学院派艺术家”。其实关于主流与非主流的问题说起来很复杂，以体制作为参考系，还是以当下拍场的指数为标准?而且在这两种标准之下的主流时常会发生错位，市场价位最高的并不一定在所有的场合或者“圈子”中被认定为主流艺术。在中国特殊的体制之下尤其如此，似乎一提当代艺术必然是游离于学院之外，甚至官方美术馆之外的艺术。这其中就有一个问题，当艺术受制于体制、社会、市场这些因素的时候，所谓主流与非主流的划分很多时候只是富有迷惑性的幻象。从艺术史的经验来看，曾经看似红火的运动会瞬间如泡沫般烟消云散，那些不被认可的“非主流”甚至“不入流”的艺术也会在特定的历史时期中得以凸显。在艺术逐渐圈子化的今天，每一个圈子拥有自己的一套审美法则、评判标准，甚至生存规则。主流与否的问题不绝对甚至并不重要，问题在于，艺术家的创作和实践创造了怎样的价值?

　　华夏环线空间负责人，也是此次展览的策展人巴力说到，这次展览的意义在于起到一种导向作用。当然我们不能自信满满地说，这个小型的展览会掀起一场如何大的波澜。况且艺术家们还相当年轻，这个展览只是对于他们现阶段思考和认知的呈现和展示。但是这确实是一个具有“整体感”的展览(谭平语)。这种整体感在于艺术家们对自我价值的肯定和回归。目前他们都强调一件事：自己找到了最舒服的创作状态。艺术市场的介入和火爆，国外藏家的热捧，艺术家很多时候或许是不那么舒服地进行创作或者生产，选择在言不由衷的纠结中跟进或者坦然地远离和回到自我?这都需要勇气和代价。

　　在当代艺术令人目不暇接地表演中，现实的躁动悉数反映在作品中，艺术仿佛成了比拼社会事件的舞台，往往这种转换又来得如此简单和直白，似乎艺术的深度与否要借助于事件本身的“惨烈”或“滑稽”程度，艺术的“发酵过程”难道仅此而已?如何与身处其中的现实达到内心的和谐，这恐怕是艺术家们始终需要考虑的问题，而我们更需要一些安静和内省的艺术。

　　观看这些艺术家的作品，他们不将现实以某种直白生硬的形式来表现，而是经过长时间的发酵酝酿之后呈现出了一个结果，立足点始终在内心。此时，有意保持距离便成为一种姿态和立场，幸运的是，他们各自找到了适合自己观看的位置。于是他们重新赋予了艺术清新和单纯的气质，这就是实践的价值。

　　艺术家讨论纪要：

　　谭平：这些作品中有很单纯的一点：不管题材、艺术形式，画面语言怎么复杂，都是尽量把无关的东西去掉，找自己要表达的东西。学版画的人处理画面很不一样，他们这四个人的作品更像一种平面的叙事，这也是共性。所以这是一个非常有整体感的展览。今天我们看到的这几个人，应该说是主动的和社会保持一些距离，冷静地来看待社会的发展。这么多年他们一直在找自己需要的东西，可能和社会相对比较疏远，或者说主动保持一种距离。这个特征是否符合今天的需要?我们先不做评价。

　　至于是否抽象艺术，这涉及到我们对这个概念的理解。我比较赞同“非具象”这种说法，它可能更准确一些。1986年左右，我就开始在铜版画尝试鱼、鸟这些题材，后面几年用线、残破的边缘这些方式进行抽象语言的摸索，当时在绘画上还没有那么成熟，我当时的困惑在于不能将两个东西合拢，只是在版画和油画各自的语言系统中找到了自己的一种方式。到德国以后的经历使我真正改变了对所谓“抽象”的理解，抽象艺术不是一个形式，也不简单是一个批判，抽象艺术那么自然并且恰如其分地反映着他们的生活环境、思考方式。在他们的观念中并没有抽象与具象的对立，比如我要用抽象的眼光看抽象，或者用具象的眼光去看具象。我们的思维方式也应该更为宽泛一些。如果有了这样的角度，再创作的时候就不一定就必须是所谓的抽象。很多时候面对同样的事物，如果改变一个距离和角度，最后的结果会完全不一样。包括我的很多作品，大家觉得是很抽象的点、线这些无法识别的形象，但是对我来讲，它又非常具象。为什么选择这种方式?我觉得非具象艺术最自由。正因为我觉得原来那种写实不自由，才一点点脱离它。这也是我个人的抽象艺术经历的一个重要过程。

　　我们都活在各种社会关系当中，每个人的圈子都不一样，同时承载着不同的社会身份。也许大家会发现，我们对艺术的主动选择也许并不符合身份所属的主流形态，我们都在用边缘的方式呈现着自己的艺术。

　　康剑飞： 从某种角度讲，版画和油画造成了我的双重性格。版画能调动我理性的一面，绘画则给了我表达感性一面的机会，我可能也需要这两种完全冲突、矛盾的东西。版画和油画是两种性质不同的艺术表现方式，但是这两种方式总会藉由一个问题而发生交叉，目前这一两年，我觉得自己可能恰恰要接近这个最基本、最重要的问题了。现在对我来讲，做版画还是画油画，甚至画什么，怎么画其实都不太重要，归结到一点是你为什么要去做它。

　　从美院附中到今天的展览大概有16年的时间。我在这期间大概经历了六、七个阶段风格的变化，我们都在探索过程当中研究一个东西。我个人认为，我们这个展览如果说有相似的东西，更多的是背后的探索方式和精神上的相似。什么叫学院性呢?它表现为一种实验性的、探索性的，是研究性的，绝不是应对社会的一种手段。今天一个艺术家的风格的成立是跟社会不断碰撞产生的结果。他们是非常认真的，没有具体要什么，只是站在个人的角度去表达自己的观点。恰恰这个东西可能在近几年属于新兴。

　　王强：15年来我们一直在探索。我们心里总有自己的一个尺度和对艺术的认定，然后我们不断地来做这些东西，一直坚持下去。

　　我去德国留学的时候看到了更多艺术新的形式，我自己仍然选择了绘画这种方式，就是画油画。我在德国的老师对于极简的东西很感兴趣，但是现在我想来，版画这种艺术形式跟极简语言也有天然联系，版画也是要概括、简化。可能从某种角度来说，我们的画面跟美院以往的创作有所不同，语言上更概括和简练，这也可能归结于版画对我们的影响。我一直不间断地思考和琢磨自己的绘画形式。比如油画为什么一定要画厚，为什么不能用薄颜色?或者为什么又要薄，薄有什么好处?因为这些思考，我尝试用极少的色彩去表达更丰富的形式和画面，我觉得这种方式非常现代。

　　文中言：我们的艺术面貌是对自身的一个对应，他不是某个策展人、评论家或者其他外力下的产物，而是在经历了学院教育的背景之后，各自对于内心审美需求的表达。就像谭老师之前讲到的，“当你自己去发现喜欢或者想画的东西的时候，你才能够真正进入绘画状态。”这一点对影响最大。我现在的阶段处于比较正常的状态，以前画画有点较劲，感觉一定要把这个画面表现出来，或者一定要把版画的语言强化成什么样，现在至少说稍微放松一点。

　　拿这次展览的作品来讲，这个题材比较合适我。我就住在故宫后面，所以我对北京的古老和现代都有比较直接的体会，我就用认定的一个工业符号表达这种环境和周围的冲突，我先用写实的方法画出来，然后通过一层一层地包围、覆盖来产生这种类似迷离的感觉。这就是不可回避的现实状况，我欣赏而不是去批判它。

　　刘文涛：我从上学的时候学的是铜版画，从那时候就开始做尝试，我觉得版画中的线非常重要，尤其是铜版技法做出来的线，那是别的材料，别的艺术形式没有办法达到的。当然对线是莫名其妙，开始做一些线的尝试，当时没有什么太多的理论知识，完全凭着直觉做的。和现在的作品其实很接近，还是比较轻狂的那种，比较躁动的那种。其实到现在来说，其实对我个人而言，找到一个更适合我自己性格的一个工作方式，更符合我的性格。