过去，人们常把深圳比喻为文化的沙漠，如今，随着深圳的城市建设的不断推进，文化建设的不断发展，深圳文化窗口的地位亦逐渐凸显，而在这片热土上成长起来的一批优秀的本土艺术家也经过了岁月反复的浇灌，开花结果，展现风采。他们来自于祖国的各地，他们师承于不同的艺术传统，而到了深圳后，他们结合时代的特点和精神，探索出了自身的发展方向。宋承德、宋玉明、邹明、潘喜良四位艺术家均为早期来深的艺术家，他们与这座城市一同成长，在深圳这片热土辛勤耕耘多年，在不断的实践中，形成了自己富有个性和特色的艺术风格。宋承德主攻花鸟画，他的作品题材简单，笔墨简洁到位，画风雅致，文人气息十足；宋玉明主攻山水，他的作品布局新颖而不奇突，用笔爽劲而不轻浮，设色清丽而不媚俗，具有中国文人传统的幽雅情怀；邹明主攻都市水墨，其作品表现视角独特，笔墨多变且富有鲜明的个性色彩，西画的原理与中国画的情调在他的画中有机地结合在一起；潘喜良主攻人物画，他的作品题材多样，笔墨新颖，充满现代气息和时代特色。
        总的来说，在创作中，四位艺术家分别用水墨形式表现出丰富的人生感受和精妙的艺术之思，他们在创作中并不拘泥于物象的形似，而是通过画笔抒发主观意趣，表现出植根传统、紧贴时代的艺术风貌。由于四位艺术家在创作上专攻于不同的领域，并取得了不同的艺术成就，那么下面我们将对四位艺术家逐一进行探讨和研究。
     笔墨清润，宁静自然——宋承德花鸟画解读
     1. 幼承家学，取法多方宋承德是深圳画院的花鸟画家。他幼承家学，嗜好丹青，勤奋好学，1986 年，考入中央美术学院，在中国画系专攻花鸟。在求学的过程中，无论是水墨写意，还是工笔重彩，他都认真研究、细心琢磨，在传统方面打下了坚实的基础。在深圳画院工作期间，宋承德心无旁骛，埋首于画，尤致力
于传统与西方融会贯通，经过不断的探索和创新，形成了一种轻盈、婉约、宁静、深邃的艺术风格。总的来说，他注重笔墨形式，但更注重画面的整体意境。他笔下的花鸟，朴实而自然，没有怪异的造型，没有奇险的构图，清逸而不露寒俭，艳丽而不失典雅。他以元人的笔墨，营宋人的境界，又润之以西画的色彩，画面呈现一种中国式的诗意，而这种诗意仿佛又是那么的幽远绵长，给人以一种“如怨如慕，如泣如诉，余音袅袅，不绝如缕”的感觉。
      2. 笔墨清润，宁静自然　中国花鸟画在长期的历史发展中，适应中国人的社会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归依的传统。表现在造型上，宋承德继承了中国花鸟画重视形似而不拘泥于形似，甚至追求“不似之似”与“似与不似之间”，借以实现对象的神采与作者的情意，所以他笔下的花卉禽鸟都有一种笔外之意和不可言传的神韵。在构图上，他的作品以折技花卉为主，主体突出，善于剪裁，讲究虚实对比与顾盼呼应，画面中他将发挥画意的诗歌题句，用与画风相协调的书法在适当的位置书写出来，辅以印章，文人意趣十足。在画法上，精细、考究，因景、因情而绘之，笔墨简练老到，他结合西法，设色则具有一定的写实色彩或带有一定的装饰意味。在表现形式上，宋承德的画作构图简约疏朗，用笔纵逸跌宕，赋色清新素雅，画中不见惊人之笔，却颇具脱俗的气象，这种风格是画家恬淡聪颖的禀性、深厚的艺术功力
和艺术修养的自然流露。宋承德喜画山花烂漫、春江水暖，也爱画荷塘逸趣、潇湘烟雨。画面几株新篁或几杆老梅，寥寥数笔，叫人玩味无穷。在他的作品中，勒杜鹃一直都是他表现的对象，在深圳市政府贵宾厅、广州国际会议中心的深圳厅等政府重要的会客厅，我们都可以看到宋承德创作的大幅的有关勒杜鹃的作品。如在作品《朝霞》中，整件作品，用色艳丽而不俗套，构图饱满而不死板，既有中国花鸟的笔墨情趣，也有西方绘画中的透视层次的表现，一眼望去，数不尽的勒杜鹃争相开放，幽幽花香仿佛扑鼻而来。从宋承德的折枝花鸟画中，我们可以看到充分体现东方智慧的以小见大，以少见多，以一当十的艺术表现，这种趣味与传统中国文学，特别是传统诗词的审美趣味交相辉映。所以他的花鸟画作品往往空灵、清简，笔墨清润，宁静自然，物小而韵长，寥寥几笔则澄静的心志全现。
      3. 文人笔意，天人合一
     当代花鸟画正处于由古典形态向现代形态转换的进程之中。探索之路多种多样，但真正意义上的转换，应当是现代意味与传统神韵的交融。在创作上，宋承德一直没有停止探索与追求，他热爱生活，关注生命，创作思路继承了传统花鸟画“天人合一”的观念，但又灌注了自己新的精神旨向，他的作品不仅散发着幽雅清逸的生活情趣，也展现着恬淡舒展的文人情怀。如在《山谷幽兰》、《水仙花》、《木芙蓉花》等作品中，文人气十足，构图简约，节奏明快，用笔师法传统又大胆创新，枯润应适，刚柔相济，气象空幽肃穆，显见宗教禅境，净逸出尘，道法本心。应该说，宋承德的花鸟画走出了传统的笔墨程式，突破了原有的笔法、笔墨的规范，既不是倪云林“逸笔草草，不求形似”的文人画笔调，也不是徐文长笔走龙蛇，放纵不羁的大写意画风；既不是宋代院体画勾勒填彩的严谨细致的描绘，也不是恽南田没骨花鸟落墨为格、点厾成形的用笔，而是融合和借鉴多种艺术表现技法，不断探索新的水墨语言和表现技法，而他这种对新笔墨的
尝试，并未削弱中国画笔墨的丰富性，反而使他的花鸟画在传统语言的基础上呈现出多姿多彩的现代意味。总的来说，宋承德的花鸟画相对于传统笔墨有两个方面的特点：一方面他将前人的优秀传统融会于自己的绘画当中，笔墨温纯厚雅，意趣清新而富有生机；另一方面他又适度吸收其他艺术表现手法。吸收传统是其作品于法度之中，他笔下花卉的根、干、枝条，放笔纵横，强调线涩的韵味，叶片、花卉讲究水墨漫漶的效果，满枝的花朵和果实，穿插有序、繁而不乱。吸收其他艺术表现手段，则充分地展现了其中国画的水墨韵味，将虚与实、张与弛、对立与统一，生动有致地展现于纸端。中国画之美，不仅反映在物象和笔墨变化之美中，而且透过笔墨之美，使我们能体察到画家主观的意象之美与外在客观物状的互相结合，达到“万物与我合一”的艺术最高境界。我觉得，他的作品有两种特质，一是画中表现出来的生机灵动，即用笔用墨的丰富、点和线的虚实、笔墨的节奏，在笔的起落之间自然流露，造型与笔墨互相照应，达到了无内无外的境地。其二是画面发散出的气息和品格，萧散清逸，其间还蕴涵着昂扬的精神。这两种特质汇聚于作品中，承载着中国文人精英一脉相传的古典情怀。清新雅致，爽净清丽——宋玉明的城市山水与重彩山水
     1. 工整细致——注重景观的真实再现
     宋玉明现为深圳美术馆的馆长，主要从事城市山水和重彩山水的创作，其家学深厚，幼年时便浸淫于中国古代名家的传世精品之中，他在艺术上不断探索与钻研，经过多年的积累，得天独厚的家学渊源以及对众家之长的广泛吸收，为他打下了深厚的传统基础。在广纳博取中国传统文化的精华之后，而立之年他厚积薄发，形成了工整细致的画风。青年时期，他十分注重观察生活和写生，他一面“搜尽奇峰打草稿”，一面以自己的视角选择具有感受力的题材进行创作，注重自然景观的真实再现。在技法上，从学习阶段开始就没有局限于某家某法，而是根据自己的喜好性情不仅有取舍地学习古法，而且在大量的实践中积极改造旧法，寻找适合表现的新的艺术表现手段。宋玉明的山水画，视角独特，笔墨严谨，一草一木，一山一石，无一不显现其传统绘画功力的深厚。从整体来看，他的作品气韵生动，清新雅致，爽净清丽，充分展现了我国壮丽山川的瑰丽多姿。
     2. 城市山水——新题材新形式的探索
    艺术源于生活，特定的历史进程，会给人们带来与以往不同的生存体验，20 世纪80 年代以后，伴随着我国改革开放发展经济的步伐，中国各大城市也不断加快了城市的建设，一座座现代化的城市给人们带来了前所未有的视觉享受和生存体验。1988 年，宋玉明到了深圳，亲身经历了这座城市的建设与崛起，所以当时非常自然地把山水画的创作题材引向了一个全新的领域：城市山水。这个时期，宋玉明在深圳画院工作，他与画院的同事们一起开始了城市山水画的探索与创作，这使得中国画在当代文化语境和视觉艺术中有了新的发展空间。其实，中国自古就有表现城市题材的艺术作品，如《货郎图》、《城市繁华图》、《园林雅集图》等，而城市山水不同于传统绘画的是它转向对当代个体生活体验、个人观念的注重，它转向的是对个人
艺术趣味和艺术风格的追求，实现的是艺术对生活真实与人性真实的价值回归，从而使得艺术创作不再局限于某一种单一的形式，真正意义上地走向了多元化。宋玉明从现实生活出发，用丹青描绘了都市生活的多姿，描绘了新的城市景观，从艺术史的角度来说，这种题材的作品无疑为我们展示了一定历史时期的社会发展和艺术家的精神面貌。提起这个阶段宋玉明的代表作，那就不得不说《深圳小梅沙夏日》这件作品，这件作品是他一系列都市题材作品的代表作之一。作品描绘的是深圳著名旅游胜地小梅沙海滩，作品水墨设色，清丽典雅，构图以平远法处理透视关系及空间关系，尽显假日海滩热闹非凡的景象。值得一提的是，由于当时著名科学家钱学森在《人民日报》看到了《深圳小梅沙夏日》，便专门撰文评论了城市山水画的作品，文章在《美术》杂志发表后引起了广泛的关注。也正是这个时候，宋玉明的绘画在风格上开始有了自己的个性风貌。以中国山水画的形式来表现异域，是20 世纪中国画发展进程中一个崭新的课题，由于这类题材可参
照的作品并不多，因此写生就显得尤为重要。为了创作出好的都市题材的作品，宋玉明远赴突尼斯小镇、日本富士山、俄罗斯火车站、巴黎大街、新加坡广场、德国教堂等地进行写生，用中国传统的笔墨描绘出一幅幅具有异国情调和时代气息的艺术作品。在创作中，他尝试着打破传统的视觉习惯和表现方法，融各家之长，不拘泥于某一种表现形式，无论是创作还是写生既有传统笔墨的韵味，又有新的时代气息，不同的城市在宋玉明笔下表现出不同的气息，浓墨重彩相得益彰。应该说，都市题材的水墨画从人们的实际生活经验出发，不仅拓宽了以往的中国画的创作题材，而且为了配合表现对象，艺术家大胆地进行创新并借鉴来自各个艺术门类的手段，无论从题材还是从表现手法看，都为中国山水画在新的历史时期开拓了新的发展空间，因此，新时期宋玉明等艺术家在城市山水上的探索必将在中国艺术史上留下光辉的一页。
      3. 彩墨江山——个人风格的形成和发展
        中国传统山水画博大精深，青绿山水和水墨山水是中国传统山水画最早的两种门类。随着社会的发展，水墨山水渐渐地成为社会主流，相对的，青绿山水的发展却慢慢滞后了。然而就是在水墨山水的大主流之中，宋玉明大胆地将色彩赋予传统山水画以新的面貌，重新开始延续青绿山水的创作，并在此基础上进行创新，这对于延续中国传统绘画是有重大意义的。总的来说，他的重彩山水画，强化了传统绘画的色彩表现力，色彩浓艳而不张扬，画法来自传统，但在传统的基础上又有所突破，并在不断的实践中形成了个人独
特的艺术风格。作品中宋玉明采用的是没骨的表现手法，大面积的色彩一开始就为作品定下了基调，而随后运用的色彩也与其十分自然地融合在一起，丝毫没有杂乱的感觉。因为他强化了颜色的处理，所以他的作品给人带来的是一种强烈的视觉冲击。无论是江南烟雨、临水垂钓，还是闹市幽居、郊外田园，在他笔下都是清新秀润，爽净清丽，令人耳目一新。《暖气浮春》、《红树丹山》、《积雪浮云端》、《晴云积翠》等都是他为人称道的泼彩水墨作品。而在他众多的泼彩作品中，“小泼彩”的形式最为精彩，色彩浓艳而稳重，
笔墨与泼彩骨肉相连而毫无疏离之感。从继承上说，宋玉明的重彩山水画与古代青绿山水是不同的，他的山水画更具现代感和时代气息，他的作品构图饱满、层次分明，用色用墨高度概括，经过巧思而将墨、水、色、线融于一体，作品中墨彩交相辉映。如《红树丹山》这件作品，采用的就是没骨山水画法，画面描绘了蜀江秋天的晨景，在这幅画中画家没有用漫山的红叶来表现秋色，而是用了大块的酞青蓝和墨青色来表现山的主体，只是在山脚光线充足处点缀了一些红叶。从整体上来看，这样的手法使得高山显得格外醒目和伟，
冷色的山给人一种秋天的苍凉感，而山下的红叶、红屋顶又带给人一种温暖和心灵的归宿。在技法上，此画并没有局限于传统的表现方法，画家根据作画的需要，广泛地吸收不同门类艺术中的可取之处。而作为西方艺术冲击下的一批中国画家，他并没有简单地运用西方的绘画方法去改造传统的青绿山水的艺术程式，而是有意识地通过色彩和水墨的组合使画面带有浓重的装饰意味。作品中房屋、树木、船舶等细腻之处让你不得不赞叹大自然的精妙之处，而画面中粗狂的大色域泼彩又会使人产生无限的遐想，这就是宋玉明重彩山水画的精妙之处。简而言之，宋玉明在重彩山水画这方面收获颇丰，成绩突出，他既继承了唐宋时期青绿山水的优良传统，又融入了西方现代绘画对色彩与光影的研究成果，作品中充满现代气息并传达出一种新的理念与时代感悟。

    新水墨 新形式 新意境——邹明的水墨实践和个人特色
    1. 大印象、大感觉、大意境的彩墨创作
    邹明现为深圳大学艺术设计学院副院长、硕士生导师，他长期致力于城市雕塑、陶艺、彩墨、水墨的探索，在艺术实践的道路上，他不断探索，不断创新，为业内人士所称道。中国画发展的一个新的创作现象就是现代彩墨画的出现，应当说，彩墨画体现了画家对拓宽中国画表现领域的追求，它把中国画的界域做了极大的拓展，它使得中国画的创作有了更广阔的视觉表现空间。彩墨画突出的表现形式是以笔墨为依托，强化色彩的表现力，把色彩提升到与中国画中的线条、笔墨、造型一样重要的位置。当下现代彩墨画拥有了广泛的实践群体，邹明就是其中之一。20 世纪80 年代以来，他有感于城市化进程给人带来的生活经验的改变，将视角转向民居老屋的表现，通过对这些充满历史记忆的老屋的描绘，表达出岁月的沧桑和时空的变迁。明
在他的现代彩墨中追寻的是一种具有东方情调、现代意韵的艺术道路。在创作中，他将中西传统融合，追求
富有个性的绘画语言，推出颇具创意的视觉图式，相对于传统的笔墨表现，他所开辟的领域无疑是充满强烈个性和新颖的。在作品中，他并不是简单地对物象进行描绘，而是将其符号化地隐匿在有趣的形式背后，用抽象的形式来进行生活经验的表述，用一种新的“叙事”方式，将绘画的意义传达出来。在具体的创作中，
画家在纸本画面中运用多种材料表现。为追求视觉效果的力量感和厚重感，他综合东方工笔重彩和西洋油画技巧，用粉质颜料反复铺陈渲染，甚至用油画刮刀抹上锯沫与乳胶的混合物，制造墙面的肌理，使之具有丰富的视觉效果。总之，他将生活中的物象化为心中的意象，创作中不局限于具体表现的内容，而注重气韵、意境以及一种“大象无形”的绘画精神。
     2. 从彩墨到水墨水乡
     邹明的江南水乡系列水墨作品，笔墨不拘一格，富有时代气息，显现出他特有的潜质和孜孜不倦的追求。其实水墨西塘系列作品缘起于一次采风活动，2002 年，邹明随中国美协组织的写生团到西塘采风，从此他的创作便与西塘结缘，古镇的长街曲巷、黛瓦粉墙、飞檐漏窗，在他的笔下，被赋予了新的生命。他用极具艺术化的水墨构图，极富特色的形象选择，符号般地将西塘各种景致排列与组合，通过微妙的墨色变化，将江南水乡那种温润清雅、烟水迷离的感觉与情韵表现得淋漓尽致，造就出一种图式般的“诗意美”。其实，水墨水乡一直是画家邹明关注的题材，对江南水乡灵动的表现，已形成了邹明一个时期的绘画特色。他巧妙地运笔和施墨，使画面中雄健的廊棚结构与秀丽的水乡景致形成了明快的对比，在虚实、疏淡的变
化中，表现出超脱都市浮躁的江南情韵。西塘的廊棚是众多江南水乡中独一无二的建筑，也是古镇中一道最独特的风景。邹明经常去西塘采风，老屋、石桥、河道、廊桥、祠堂⋯⋯每次去都有不一样的感受，正像他所说的那样，“水墨水乡，表达了我自身的一种浓烈的家园情结”。当代，用水墨的方式表现江南水乡的艺术家很多，表现的手法也是多种多样，邹明笔下的江南水墨水乡，刚柔并济，作品中他并没有沉浸于对物象的客观描绘，而是敏锐地捕捉到廊棚来表现西塘的特点，使笔力雄健的廊棚结构与秀丽的水乡景致形成了明快的对比，在虚实、疏淡的变化中，表现出江南水乡的神韵，使阴柔典雅的水乡在画面上呈现出大的气象。水乡特有的丰厚历史人文气息和水墨的氤氲感在邹明的画里得到了完美的结合，观者从中可以感受到水乡
古朴、清新的生活气息，以及画家追求新意、着重表现的独特感悟。这些动静皆具、虚实有情的作品将会唤起去过水乡的观赏者凝结在脑海深处的记忆。
       3. 从都市水墨到综合材料
      艺术源于生活，特定的历史进程，会给人们带来与以往不同的生存体验，伴随着我国改革开放发展经济的步伐，都市化是中国社会走向现代化的表征之一，新时代全新的城市景观和多样的都市生活，引起了无数画家的创作冲动，再加之创新一直被认为是艺术发展的本质和动力，因此，在这样的前提下，中国画坛逐步涌现出一批描绘都市风情的艺术作品，这使得水墨画在当代文化语境和视觉艺术中有了新的发展空间。在长期的水墨实践中，特别是在深圳这座快速发展的城市中，都市的种种生活经验，为艺术家提供了丰富的表现主题，所以大量展现都市生活与都市建设成果的水墨作品出现在大家的视野中。邹明在都市水墨创作上，往往运用笔墨表现出一个个繁华浮躁的都市众生相，既是对于现实的感受，也是对于现实的思考和反思。在进行都市水墨创作的同时，近几年邹明又开始综合材料艺术的探索和实践。对于综合材料绘画，他认为并非是多种材料的简单堆砌，而是利用材料的某一特性，赋予画作以新的形式和内涵，使其产生新的视觉效果，并传递某种文化内涵。如在邹明的《土地的呼吸》系列中，邹明探讨了土地与现代建筑的关系，表达了都市人的精神状态。他希望通过作品呼吁人们为土地减压，让土地更少“负重”地自由呼吸。综合材料绘画作为一种绘画形式，在媒介材料、技法风格上趋于自由、跨界、不拘一格；而作为一种艺术思维，在绘画观念、创
作意识上则表现出多元化与人性化的文化趋势。如果追溯这种艺术表现源起的话，从20 世纪初的毕加索、布拉克的绘画语言中可发现端倪。近百年来，绘画艺术在观念、形式、语言与媒介材料上产生了多样的变化。西方的美术教育早已不存在诸如油画、版画等分类学科，而以“绘画”统一冠之，表现出对各种形式绘画的包容，成为一个时代美术的特征。综合材料绘画冲破传统绘画的束缚，带来更开放的绘画观念，提供了自由创作的选择，画家可以通过不同材料来表达绘画愿望以及绘画意图。正是因为如此，邹明才在一系列的水墨探索后，又转向了综合材料绘画的创作，并创作了一批优秀的作品，
被业界所称道。
     时代人物精神的追求者——品味潘喜良的人物画
    1. 高原组画——展现高原春光下的劳动人民
   潘喜良现为深圳大学艺术与设计学院副教授、深圳大学壁画艺术研究所所长。在中国画的创作中，他最初承继了徐悲鸿的艺术传统，努力将传统笔墨与写实的造型相结合，随后在具体的创作中他又十分强调对生活的体验，然后再从中升华出高于现实的画面。上个世纪60 年代，傅抱石、亚明等艺术家则把人物画的旧有范式，从明清时注重人物神态、情怀的尚意的意境表现，转化为对现实生活中人物思想的表现。当下，都市化进程的不断加快、都市经验的表现和个体生活的展现，成为人物画家常常表现的方面，他们以自己笔下那充满情感的“人物”与时代对话，与时代俱进，潘喜良就是这其中有代表性的一位画家。他的《高原之春》、《老东门墟市图》、《假日大梅沙》、《热土》、《西林谷》等作品，不同的表现形式和风格特点，展现了他不同时期的探索和追求，而他的高原组画系列作品是最早被人熟知和称赞的作品。应当说藏民生活一直是潘喜良作品的重要题材，无论在什么时期，均有优秀的作品问世，2004 年创作的《高原之春》就入围了第十届全国美展。为了创作，他常去藏族地区采风写生，2004 年就前后进藏三次。高原的风土人情激发了他的满腔热血，在藏区他如饥似渴地画了大量的速写，收集拍摄了丰富的素材，回到深圳后陆续画了一
批反映藏族地区题材的优秀作品。作品《高原之春》，取材于正在劳作的藏族妇女，采用现实主义的水墨创作方式，表现了高原春光下藏族人民劳动的景象。画中高原阳光温暖地洒向大地，远处，积雪初融；近处，两名身穿红衣和蓝衣的藏族妇女正弯腰劳作，色彩鲜明。在表现手法上他运用大块墨色没骨方法，结合精练的墨线穿插渗透，虚实相生，面线相应，人物刻画结实又不拘于简单素描关系，既展现了水墨画的本质要素，又具有强烈的光色质感。整件作品主题鲜明，形象生动，构思巧妙，通过藏民平凡的生活揭示出优美而耐人寻味的意境。再如《朝山节》、《岁月留痕》、《秋草深深》等作品，虽然每幅作品的创作切入点不
同，表现手法各异，但是他却从不同角度表现了藏族地区的人文精神和生活风貌，既保持了中国画水墨线条的表现力，又具有强烈的时代气息。他的这批作品一经展示，就得到了美术界人士的普遍关注和赞许。
      2. 艺术的多面手——全国美展独占三元
     潘喜良早年毕业于吉林艺术学院美术系中国画专业，其间曾进修于中央美术学院连环画专业，在其他
艺术创作领域，他亦有一些作品被人们所熟知，可谓艺术创作上的多面手。正因为他长期以来在各领域都有所建树，所以在2009 年第十一届全国美展上“独占三元”——壁画展区的《中华生育文化演绎图》，动漫与综合作品展区的连环画《西林谷》和中国画展区的《假日大梅沙》同时入围。连环画《西林谷》得到了评委们的高度评价，并在尺寸超标的情况下被破格录取。此件作品取材自潘喜良熟悉的生活，以北方马背民族为背景，讲述了军人间的兄弟情义。在创作中，他用独创的空心线画在日本的金卡宣纸上，将北方人的皮肤肌理和羊皮袄的质感表现得丝丝入扣，画面体现出北方冬天的粗犷萧瑟的同时，也蕴藏了画家的情感和智慧。壁画《中华生育文化演绎图》高2.5 米，长28 米，是迄今为止国内最大的以生育文化为主题的铸铜浮雕壁画，画面精美而其致幽远，是一件具有很高艺术水准的佳作。而成功入围中国画展区的是《假日大梅沙》这件国画作品。潘喜良认为，一个画家对自己生活的城市应该有责任感，在创作中他致力于把深圳这座城市的时代精神和地域特征展现出来。所以在作品中他将视线聚焦在沙滩，描绘了几位深圳年轻人坐在沙滩上眺望海面的场景，彰显了深圳这座海滨城市的青春活力。在技法上，中国人物画传统的表现方法，往往勾勒赋彩，而在《假日大梅沙》中他运用了独创的笔法，即勾线和上墨一笔完成，再融入了西画中的光线和色彩元素，将人脸和身上的肌肉明暗交界线均表现出来，质感和立体感极强，具有强烈的视觉冲击力。古往今来，无论中外，优秀的人物画的作品无不具有鲜明的思想性、社会性和时代性，无不反映着画家的深刻认识与理解。人物画的本质特征就是它有着与人和社会、时代密不可分的关系，这种特征表现到人物画上称之为“时代气息”。各个时代的人物画有着各个时代各自不同的“时代气息”，反映着它们各自不同的时代精神与社会背景。当代是一个多元化的时代，作为现代人在认识上必须要转换思维方式，在创作上需要不断开拓创新，在不断地吸收传统精髓的基础上，结合现代人的审美理念与当代多元化的因素，用切合表现主题的艺术手法，创作出具有强烈时代气息的中国人物画作品。在潘喜良的作品中，我们就可以真切地感觉到，他在努力通过笔墨的语言将这种“时代气息”表现出来，他的作品不仅仅是对现实生活的简单描绘，而且是对时代精神的艺术化呈现。值得一提的是，潘喜良创作的国画作品《热土》，在中国美术馆“纪念改革开放３０周年美术作品展”上展出后，被中国美术馆永久收藏，并成为中国美术馆收藏的最大的一幅人物国画。
      3. 人在旅途——用作品体悟生活和反思人生
     中国当代人物画的创作，在多元审美需求的背景下，呈现出多样化的艺术表现。潘喜良的作品之所以成功，我觉得就在于他在技法上的创新和贴近生活的题材表现。在题材上，艺术家常从自己的生命体验出发，通过对现实生活图像化的艺术呈现，展现人们当下的生活和精神面貌。如2009 年他去法国举办展览，在旅途中他进行了一系列水墨人物的创作，无论是《罗马街头》、《巴黎机场》，还是《塞纳河上的早餐》、《普瓦提画家德柯》，这些作品将画家对于欧洲文化的认知和理解，以及对东西方文化差异的感受，艺术化地表现出来，给我们带来艺术享受的同时，也给我们带来了文化上的思考。再如近期他创作的一系列禅意小品，尽管他笔下的“人物”身着古装，但却传达了艺术家个体对于自身文化传统的一种图像表达。他通过实的造型能力和娴熟的笔墨技能，绘出充满情感的时代精神。在技法上，一方面他在传统笔墨表现的基础上，不断创新，不论是严谨的写实勾勒、潇洒的写意泼墨，还是情感交融的群体描绘，画中他结合西画的光影表现和其他画种的表现手法，大胆运用色彩，使人物性格的凸显更富有时代气息，更适应新时代的造型需要，特别是对当代人精神意蕴的寻绎、探讨，成为他区别于其他同代艺术家的风格特点，并在传统技艺中拓展现代中国画的艺术样式。另一方面，他则注重水墨韵味的表现，在“传统”之中追求一种优雅人文情怀的笔墨语言。他用独创的笔墨技法，使传统中国画“线”的形态更具变化，使线墨本身在描写人物形象的同时，更能自由地发挥画家的想象力和创造性，从而产生了充满抒写意味的笔墨情趣。潘喜良的创作在传统中又出新意，从题材到绘画语言的不断创新，达到了一定的高度，令人耳目一新，并用作品体悟生活与反思人生。他不仅是深圳本土人物画家的杰出代表，也是中国当代画家中具有思想和鲜明风格的优秀代表。宋承德、宋玉明、邹明、潘喜良作为深圳本土的四位优秀的中国画家，他们在各自的艺术实践中，形成了自身独特的艺术风格，此次“深圳四家中国画邀请展”是他们的艺术成就的集中展示。在创作中，四位艺术家分别用水墨形式表现出丰富的人生感受和精妙的艺术之思，他们在创作中并不拘泥于物象的形似，而是通过画笔抒发主观意趣，表现出植根传统、紧贴时代的艺术风貌，他们在创作中展现出卓越的艺术才华，取得了令人瞩目的成就，深得国内同行好评。