青花，白地蓝花瓷器的专称，又名“釉下蓝”、“釉里青”、“白釉蓝花”,瓷器釉下彩装饰手法之一。青花瓷器起始于唐宋，但到了元代，景德镇青花瓷器的制作已经逐渐成熟，而后在明清两代，青花瓷成为中国瓷器生产的主流。中国各朝代的青花瓷有其自身的特点。总的说来，官窑器制作严谨、精致;民窑器则随意、画面写意性强。从明晚期开始，青花瓷的绘画逐步吸收了一些中国画绘画技法的元素，成为一种自然、淡雅、洒脱，富于文人情趣的艺术风格。如今随着陶瓷技术工艺的发展和普及，吸引了许多画家能够参与进来，丰富了青花瓷的表现。

　　近年我尝试在青花瓷做些创作实践，青花瓷艺术与绘画同为视觉艺术，无论是从艺术本质、特征，还是从表现手段来看，都有共通之外。但是在材质、制作过程与构思角度还是有些许不同。

　　瓷器表面的采绘虽然也是二维空间，但上下左右四个方向都有一定的弧度，而且还要对瓷器作通体的构思。一般按照一个圆柱体来看，我们可以把它分成三个可观的完整的面，以一面为主，二面为副，或二面为主，一面为副，也可以不分主次。而通体的慨念是既是一个整体，又在不同的角度观赏面也应有相对的独立性。立体的瓷器除了考虑环周之外，构图的上下位置也相当的重要，一般采绘重点应该在瓷器臌出来的部位，这是我们的视觉规律决定的。

　　传统绘画艺术有"墨分五彩"、是指在单一的墨色中表现出丰富的深浅层次来，青花也一样，只是青花料在未烧成时都显黑色，并不能在绘制时直接看出效果来，其浓淡干湿要靠画家自己的经验来把握，所以在构思阶段就应该把浓、淡、灰三个基本调子确定下来，下笔展开之后不至于陷入层次混乱缺乏整体感之中，当然，能够在以上三个调子再分出次浓、次淡来，那表现就能更加细腻。

　　在绘画中讲究"骨法用笔"，青花的创作更是这样，因为在绘制时的笔触只能够清晰完本的保留在瓷面上，无从掩饰。在瓷胚上绘画，跟通常用的宣纸在吸水性和摩擦力感觉相近，但不会像宣纸一样能让原料渾散，而且水分太多会形成流痕，驻笔处有明显的驻笔痕。所以用笔的或纵或收、或枯或润、或粗或细、或刚或柔都要有很好的把握运用。

　　最终评价作品的好坏除了工艺上的完美之外，首先要看彩绘是否与瓷器的造型结合得整体和谐，材质与采绘是否相得益彰，再者就要看画功、画面能否达到绘画理论上所说的“气韵生动”。“气韵生动”与上面提到的“骨法用笔”都是南齐美术评论家谢赫所提出的中国画“六法”其中二法。“骨法用笔”是指运笔法在绘画上也称笔触。“气韵生动”是指整体气息。按现代的直观表达就是把平面三要素的点、线、面是否组合成具有节奏感和韵律感的画面，或者说配置成有意味的画面，当然用笔、构图、造型是一个不可分割的整体。对一个作品能从技术上分析出好坏长短并不是太难，而对作品中传递出那种气息特质那就需要我们用心去感受与体验，要分析出个原由来那是另外一个更深的层面了。

　　青花的创作，除了应有的绘画修养外，对瓷器的材质与制作工艺的深入理解是必不可少的，在青花的创作实践让我有更多新的体验，开阔了思路，她那种单纯、宁静、高贵的特质永远吸引着我继续探索。