由于火山喷发我困于上海，身边充斥着电影和装饰精美的机场小说。出于某些原因，广重的富士山景组成了此时我心里图景的背景，当我在这展开的世界剧本中成为另一个例外。每个地方，人们等待时，总是试图填满——而不是抹杀——时间。

　　我不知道有多少艺术家的旅行笔记的开始和结尾都是这样的图画，机场等候的人们面朝登机口或是埋头打手机?当然，一支0.5粗细的笔和一本手掌大小的便签本就是我满意的护照伙伴，一个个使用电话和手提电脑交流的图案在我的素描本上堆积起晕映图案。

　　一丛丛黑色线条最终不能变成图画。而这些图案比我的完成品画作更接近我自身;因为它们即刻成为充实这时刻的方式，填补空缺，留住了转瞬之间的思想。这些探索性的线条图案和我的绘画方式的连接是我不变的考量，用绘画作为一种定位形态的方式。

　　在上海美术馆，著名画家陈逸飞的回顾展展示了对于西方油画的洋为中用，但是任微音画中静谧的更为沉静的本质更吸引了我的注意力。他曾经历“再教育”，被下放去当鞋匠，他的油画体现出中国式的线性绘画和西方式的注重色调和颜色关系绘画的矛盾。

　　任微音认为：西方的油画方法是先用稀薄的调和许多松节油的原色来作最初的粗略着色，然后在粗略着色上覆盖厚厚的颜料完成绘画。由于油的挥发性强、颜料很快干了。这个方法让画家在他的脑海里掌控所有事，并慢慢创作。绘画的第一步中的稀薄颜料在覆盖厚颜料后消失了。然而中国的绘画中，画作的第一步则要记录新鲜的未经润色的画家的感触，这在中国画作中具有很高的价值——我们称之为 “画的灵魂”。我那些来自法国、俄罗斯和西班牙的老师们……却对这种 “灵魂”不屑一顾。

　　在中国的六天中，我深入地体会了“有灵魂的线条”——我接受了邀请，访问了两位上海艺术家的工作室。两位艺术家以不同的方式使用线条。其中的一位，杨晓健将传统的墨水书法与抽象的实用表现主义成分示意线条联系起来，创造了动态的黑白 “标记痕迹”(我用的词)。另一位，王维新将旅行日志中随性创作的粉笔画转化为大幅的流淌的水彩画，犹如薄水层挂在由充满生命力的线条组成的一张流动的网上。

　　两位画家的作品都结合了创意与自然。我见到他们成堆的沾满颜料的刷子，五颜六色的调色盘和纸张，我满意了! yang将他的风格比作中国狂野西部的灵魂——某种“牛仔的书法”。于是次日，我便去寻找这种厚重的圆形的，手柄适合我拳头的中国画笔。

　　我不禁想起不久前，当我准备离开我在朱家角开的水彩画展时，我向清洁工借了拖把，在古色古香的院子里的石铺地板上用水签我的中文名字。在一些困惑的旁观者的注释中，我感到一种英雄主义的骄傲，在签名化作尘埃之前，它保持了一会。在我穿上外套，拿起我的行李，离开之前，我觉得我像是艺术世界的独行侠，即使没有我的伙伴。