赵无极《1.5.70》 估价待询

　　在即将于5月中旬举行的2012春拍中，将集结七件赵无极重点作品，作品创于时间从1940年代跨越至2000年，将“全景”呈现赵无极的艺术探索之路。其中，最为重要的作品――创作于1970年的油画《1.5.70》，更是画家抽象山水的巅峰之作，目前此幅作品估价待询。

　　赵无极是第一位享誉国际画坛的中国现代画家，也是第一位在世界现代美术史上占有一席重要地位的华人艺术家。自1948年赵无极奔赴法国起，他的作品风格从未停滞不前，而是发生着紧凑而环环相扣的递变：由50年代初保罗·克利影响的自然风景系列、50年代中期的甲骨文系列，向60年代中期的抽象山水系列过渡，至70年代凸显磅礴之气，再至90年代臻至写意空灵。他植根于中国传统文化，在西方的抽象表现主义中寻求最佳平衡点的尝试中，历经了一条由具象、半具象、至符号化与完全抽象的创作道路。

　　70年代，赵无极风格愈加雄伟蓬勃。在“师古人不如师造化，师造化不如师心源”(北宋范宽)的感召下，他以书法式的大笔触挥洒，带速度的敏锐线条，以及铺陈壮丽的色彩表现其个人的精神状态，以及一种中国人特有的宇宙观。其在抽象绘画上追求的元素得以全部实现：独特的色彩运用、多变的笔式探索此时达到炉火纯青的境界;从东方哲思中提炼出的虚静作为，使他的作品曾现出“万物静观皆自得”的极致画面，同时也使得其令人激赏的抒情抽象绘画的发展进入了艺术水准的巅峰期。

　　《1.5.70》典型的表现了他这个鼎盛时期的绘画特征。

　　《1.5.70》格调向上，明亮的色彩好像辐射的光般闪耀，大片的黄色色彩上，漂浮着点点黑色，同时，流动而无定向的白色及绿色穿插其中，相映成趣。暖热的炭黑色的运用使得画面不显沉闷，而是朦胧的具有一种超自然的感情。右下角的一抹赭红如同夕阳，于活泼中更添宁静之感。整个画面升华到一种神圣的、柔情脉脉的境界。使人感到灵魂摇撼、悠悠然入其境。

　　《1.5.70》画面中，赵无极将塑造形象及氛围的重点置于笔触之上，而非通常的色彩切割与冲突，使得画面结合了书法的奇崛与图画的柔美。底色不再像以前那样融化笔触，而是明显受到笔势的压盖。画面中部的一些细线并非勾勒或描画而出，而是用画笔的木柄端刮掉颜料而成，与厚重或者轻薄的粗旷笔触并置后，有效丰富了笔触的材质感和美感。可见勾勒、可见涂刷、甚至可见皴檫，各种笔法转换自然，随意、流畅的运用也使得情感的表述更加肆意、生动。

　　《1.5.70》在画面空间的结构方面，赵无极借用了中国绘画的传统技法，如俯瞰、远眺、平行线结构的同时，兼顾西方现代绘画的空间感及层次感的塑造。他利用丰富而几近于微妙的笔势变化以及色彩的颤动，借此表现出空间的深度——大气雄浑而不失细节上的紧凑与协调。就此点而言，可以与汉斯·哈同于1960年代初的探索相提并论;另一方面而言，这种在粗旷中感受到的细致，也是中国传统所特有的。这种由细节累积而成的厚重宏伟，在传统中国绘画中屡见不鲜。如北宋范宽(活跃于1023-1031年)所做的《溪山行旅图》(藏于台北故宫博物馆)，在此画中，比例恰到好处的细节，以及无数纤细的笔触，形成了几乎令人生畏的凛然磅礴的气势。

　　画家马纳西埃这样评价赵无极在贯通中西上所做出的努力：“通过你，恍然间范宽和伦勃朗笔势相通，塞尚和米芾、倪瓒光彩与共。”西方现代绘画对自然描写的不拘形式和处理色彩的自由变调，反而使赵无极体会到中国山水画中“意在笔先，画尽意在”(唐代张彦远)的写意妙处。中国书画擅长以特有的“虚实结合”的手法，创造出以少胜多、以简胜繁的深远意境。这种手法在《1.5.70》中有所体现及演进。画面上方升腾的雾气与山岩、树木虚实相错;画面下方则水波粼粼，掩映倒影——这巧妙的对画面进行了区域的分割。这种分割，部分是因为西方绘画规则里刻意的美感考量，部分是因为中国传统绘画此种思维潜移默化的影响。在中国山水中，“虚”占据着相当重要的地位。中国画里的“虚”可以是天空、水或者提示的空间。此件作品中氤氲的雾气和水波便是“虚”，画面中心的风景则为“实”，虚实互为表里、相互补足。在画面无限悠远的意境之中，仿佛感受到的中国传统文化中一直强调的来无影去无踪而又无处不在的“气”的存在。那云集的、耀动的无可名状的形象，那芒忽恣纵的画面质感，虽不经任何实景，却传达出一种老庄哲学的美学境界。

　　如若按照古人之赏画标准，此件作品无疑可列入“妙品”：其情韵颇令人念及明人之写意，以至宋人之趣味也。