阿信的专访一直到午夜11点42分才真正开始，“其实到了这个点大家头脑比较清醒”，听到我这句话他笑了起来。午夜适合“凶铃”，适合讲鬼故事，而我想谈的话题却是梦想。因为交谈的对象，是一个曾经梦想做画家，却被父亲带到西门町街头画家摊前，发现画家常常吃不饱饭的人。那一幕发生在他成为拥有500多万微博粉丝、现场超过百万人次演唱会到场记录的“五月天阿信”之前。

　　2010年的MoCA上海当代艺术馆“纯真年代”展览，阿信首次以“音乐、视觉跨界创作者”身份，正式发表个人的多媒体创作。他在Dear Ball与Dear Box两件作品中，延伸五月天演唱会中的视频精华，融入于几何雕塑，以结合光学精密投影与大型空间雕塑来作互动呈现。其实最初策展人陆蓉之找到阿信时，他有点不相信这件事真能达成。他觉得 MoCA上海当代艺术馆的标准很严格，而他又还不曾把自己看作职业的艺术创作者。展览最终办成了，他挺意外。

　　之后的阿信从上海MoCA上海当代艺术馆一路前进到威尼斯双年展，去年还在台北华山1914文创园区参与到《无声的乐章.有声的书法 ——董阳孜、阿信联展》中。

　　小时候阿信曾认为自己是可以唱歌的，老师听过他的试唱之后却把他归类为“音痴”，这条路看来不大可行。他也曾想过做画家，结果父亲把画家常会吃不饱饭这么一个现实实摊到他面前。在被认为唱不好歌的音乐人与饥饿艺术家之间，阿信达成自己梦想的方式像走回旋楼梯。

　　创新过程如投石湖中

　　“万人有声书法”，是阿信在 去年年底《无声的乐章.有声的书法 ——董阳孜、阿信联展》中参与的环节。阿信从小学习书法，别的孩子可以出去玩，他却要在笔墨纸砚前努力体会老师“想像笔下有一个钢珠，要用力按下去却又不能太用力”的书法境界。他发现现在的年轻人已经不太接触书法这种传统艺术形式，于是希望在展览现场能让大家通过肢体动作、声音的喊叫来完成属于自己的书法。到场参与者的即兴行为被随机采样，与大屏幕上的九宫格结合，完成了”有声书法”的构想。

　　在那次展览的演讲交流环节，阿信谈起过自己创意的达成方式。那就像往湖泊中丢石头：你经年累月地投石湖中，每次都只听到“扑通”一声，好像什么都不曾获得。但有一天，某颗石头扔下却不再下沉水底，因为你过往丢下的石头终于填满了那个湖。这些石头是否有它们具体的名字?阿信花了点时间去回忆。“我自己比较少从单一的作品里面得到灵感， 大家可能会以为看到一部电影或者一本书就突然产生想法，其实需要蛮长时间的沉淀和消化，那个时刻才会突然蹦出来。”

　　从音乐人到艺术创作者，阿信觉得这个转换是自然而然发生的。 从台北师大附中美术班，到实践大学室内设计系，他回忆说:“有关创作的事情我觉得都会有一些呼应和相关的地方。当初其实没有想到会把领域拓宽成这么多不同的项目，不过因为我们在大学里面主要一堂课就是创作概论，有一整年都在讨论有关基本创作这样一个大的题目，所以当时受到的训练算蛮扎实。”他还不经意地提到，上海的“纯真年代”和台北的“一克拉的梦想”突破了某些艺术展的纪录。将过去未必有到艺术场馆看展的人吸引过来，这可以被看作是阿信艺术尝试的收获之一。 他把小时候的书法课、大学时代的基本创作练习看作必须的功课，投入之后获得的东西远远超过预期，因为“当时觉得有些乏味，但是后来的际遇让我觉得幸好当时有熬过那些枯燥的阶段”。

　　我的作品都不太艰深

　　“梦想是颗钻石，但是是一颗血钻石”，在台北与不二良等朋友共同经历过“一克拉的梦想”展后，阿信把梦想具化为这么一个句子。“很多人有梦想，但又都会觉得梦想是很难达成的。然而我觉得实现梦想的过程中一定会有很多的磨练和苦难，就让我想到《血钻石》那部电影。大家为了开采钻石牺牲很多汗水、生命和努力。其实每一颗钻石的成形就要牺牲那么多的青春和岁月，我觉得这样形容梦想是蛮贴切的。”

　　他觉得自己的经历很幸运，因为追求永恒的梦想“其实是很不人性跟人道的”，而在追寻过程中，能够跟朋友一起合作，产生可以令人享受工作的乐趣，阿信觉得这个是自己能坚持一路走下来的重要原因。所以如果世界末日在当下发生，他宁愿先把梦想丢开，好好享受当下，和朋友去吃一顿麻辣锅。

　　“一克拉的梦想”就像阿信回归艺术专业交出的答卷，而威尼斯双年展上的“地球”延续着同样的概念。他的作品之一，是重达200公斤的“地球扭蛋”。机器里其他的扭蛋都是白色，代表地球的那颗却是纯净独特的蓝色。“人类最后的纯真年代”是阿信那个系列的灵感来源。 这种纯真在他看来就如同童年在手里握着仅有的几个硬币，跑去杂货铺转扭蛋机。因为常常不能转到想要的那个玩具，于是他说“我要造一个扭蛋机”。如果说“地球”系列作品在诠释的概念很多人一看就能明白，那也并不意外。

　　“我觉得我的工作是一个跳板的角色，希望大家通过我的作品大家能够有更简单的角度去欣赏艺术品，所以我的作品都不太艰深，但又有一定特别的含义。借这个跳板，能够让大家认识他们之前没有了解的东西。”阿信带着自己在艺术相关领域颇有成就的伙伴加入，希望他们能够得到更多关注，让伙伴们的梦想也能变得更大。

　　B=《外滩画报》

　　Shin=阿信

　　B：你最近和蜷川实花合作了一本影像书，英文名《Stairway To Heaven》， 除了出镜之外还有什么部分是你参与的?这个名字对你来说是否有什么特别的意义?

　　Shin：这次的工作就是被拍摄，我从来没有想过自己有生之年会推出一本自己的写真书，不过觉得机会很难得所以就去拍了。我有在里面加上我写的微小说。

　　在拍摄过程中，蜷川实花安排了几个我和女主角往上楼梯的场景，拍完以后突然觉得，爱情就是不断攀向天堂的过程。也就是如此，当时在讨论书名时，就让我想起了源自1970年代经典乐团齐柏林飞船(Led Zeppelin) 的摇滚圣歌“Stairway To Heaven”，这也是我非常喜欢的一首歌曲(里面的歌词编曲都很棒)。它暗喻着每个人也许都在找寻通往天堂的阶梯吧。影像书也以“Love, the only way to Heaven”贯穿全书主轴，在影像作品上也运用前后呼应主题的方式作呈现。而我认为的天堂就是能作想作的事情。

　　B： 从你开始接触音乐的那刻起，有那种单看封面就让你觉得“嗯，这个很棒”的么?

　　Shin：我蛮喜欢the Beatles在1969年的Abbey Road唱片封面，至今来看仍是经典。

　　B：你的大学专业和设计有关，这些年也有一些和品牌合作，以及做自己品牌的设计师工作，你觉得做视觉艺术方面的设计，和创作音乐有怎样的区别和共同点?

　　Shin：我觉得透过不同的媒体介质都会产生出不同的创意，写词、写文章大部分是单打独斗的。视觉与艺术经常需要一个团队共同协力完成。中间过程都很艰辛，但每每看见成果后一切很值得。

　　B:“我们正处在越来越视觉化的时代”，从上世纪八九十年代的MTV引领视觉感官流行，到如今潮流文化、时尚文化对年轻人越来越有影响力的局面来看，你是否同意这样的观点?

　　Shin：“可视化”是种只会不断前进，不会在往后退的一条路了。当然在这过程中，一定会有人持反对或是赞同的意见。我倒是认为既然这是一条只能往前走的路，那就好好地往前走，而保留大量值得被珍藏的历史扉页。我相信视觉、文字与文化都是相辅相成的，无法任意地舍弃任一部分。

　　B：威尼斯双年展上的“地球”系列是你迄今为止最满意的作品么?能谈下你对这个作品的看法么?

　　Shin：去年很荣幸地受邀前往威尼斯双年展，全新的“地球”系列的雕塑，是我对于现今地球的感受，以地球为中心思想，希望人类再次用不同的观点来看待自己所居住的地球，与省思回到最纯净的当下。每一次的创作都是投入很多心血的作品，每个创作都代表着我对世界的一个想法，所以个人是蛮喜欢这系列的作品。

　　B：在上万乐迷面前现场演出，和用艺术作品来表现自己，哪种方式对你而言更自如? Shin：这是两种完全不同的方式，一种是团队的演出、一种是纯粹个人概念的表现。在艺术创作上，我个人反而喜欢不那么直接表现，因此在颜色或形体上以抽象居多，让观看的人对于每件作品都能有不同的想象，这样所产生的互动会非常有趣。

　　B：你和“一克拉的梦想”的参展伙伴不二良是高中同学，如今也在设计领域也不少的合作，你怎么评价这个熟悉的朋友?

　　Shin： 不二良是我第一天认识的第一位高中同学，所以缘份很深。他和我就像stereo(立体声)，掌管品牌左右声道，二人的个性与喜好既是相同又是互补。我们平时都忙碌于工作，不过都会不定期抽出一大段时间，长谈讨论分享彼此的想法以及经营、设计等的沟通。我和他偏好的设计或艺术的题材并非完全相同，从我们二人创作的作品中应该就能看见不同的端倪了。

　　B：对蜷川实花你怎么评价?

　　Shin：我非常欣赏她的作品，经过这次的合作更佩服老师的专业以及亲切的态度。这次包含影像书拍摄、同名写真展与联名商品等，老师全程亲力亲为为这次的合作注入非常多的心血，非常感谢。在拍摄过程中，快狠准的拍照风格，也是相当令人激赏。如果说为老师配上我曾写过的歌曲，应该是《星空》吧! 听说老师非常喜欢星星，事务所的名字也叫做“Lucky star”，我想实在再符合不过了。如果要为她的照片配上乐器的话，我也许会选电吉他，强烈的重拍节奏，无论是solo或是合奏，都得是具有爆发力的音色。

　　B：如果让你拿起照相机拍照，你会想拍什么题材?

　　Shin：我也很喜欢摄影，大部分拍摄“物与景”居多。因为经常出国巡演，我会随手纪录当地的风景与当下的心情，我喜欢所有美的事物。对我来说摄影与文字都是创作的一种方式。

　　B：你曾说过希望自己的设计能够永存，因为这个比名气更不朽，这是否也算是梦想之一?

　　Shin： 我比较不是认为自己是职业的创作人，我希望自己的创作不是某种生活中的消耗品。大家总是会希望自己的生活中会有新的东西出现，我希望自己做出来的音乐是耐听的，虽然未必是经典，但是希望大家在一生中有遇到喜怒哀乐会愿意去听它们。不朽算是一个非常遥远的目标，我到现在尽量做，到有生之年应该都无法定论，在我死去的那天可能可以来检视自己说过的这句话。

　　去追求一些永恒的梦想其实是很不人性跟不人道的，对我来讲有时候在追寻这个东西的过程，能跟朋友一起合作，由此产生出乐趣，是我很享受这个工作的一个很重要的原因。

　　B：从一次次的艺术创作项目中，你获得了什么?

　　Shin：我觉得自己的收获远远超过预期，当然其中经历过一些必须的功课，例如小时候要练书法，大学时代要去练习基础创作的你西。当时觉得有些乏味，但是后来的际遇让我觉得幸好当时有熬过那些枯燥枯燥的阶段。从前年的“纯真年代”，直到去年的“一克拉的梦想”展，我带着着艺术相关领域颇有自己成就的伙伴来加入。我希望有更多人来关注这些艺术家，以后也希望能跟内地的艺术家来合作办展，让更多人认识他们。