徐晨阳2011年在工作室创作

　　在徐晨阳的艺术生涯中，日本是绕不开的主题，他在日本学习、创作十三年，于2006年回到北京。在不断地文化的碰撞中，他一直在寻找自己的方式。8月3日，“绘画的态度”徐晨阳油画作品展在美丽道展出。关于展览的名字“绘画的态度”，是他近两年思考的总结，在他看来，绘画就是画家对于世界的一种态度。他认为：“绘画重要的不是艺术，而是态度。”

　　“绘画的态度”

　　雅昌艺术网：徐老师介绍一下这次展览的创作和准备的情况?

　　徐老师：我的创作实际上都是阶段性的，每个时期都会有不同的想法。做展览就是把这个时期的思考具体化，通过思考、创作把思考在画面中呈现出来。其实，做展览一方面是给别人看，也是给自己看。这个展览的题目是“绘画的态度”，为什么要取这个作为题目呢?有人曾经说过“重要的不是艺术”，我觉得这个话题其实很有意思，也同意绘画重要的不是艺术，也不应该是观念，因为观念往往是别人的，那么到底重要的是什么?我一直在考虑这个事情，目前我认为“重要的是态度”。

　　为什么这么说?因为我觉得人的态度是由他的世界观、人生观所决定的，一旦形成看法，会在不知不觉间表现出自己的态度，这是下意识的。我觉得态度是一个很本质的立场。比如说在创作中，采用手法是玩世、调侃的，还是郑重、严肃的;包括颜料，是堆积还是覆盖;我的绘画是堆积型的，就是通过颜料层层堆积来组织画面，使上下的颜色相互交融。而传统的油画，颜料是相互覆盖的。另外，画面效果是精巧的，还是朴拙的;在画面中体现的精神是西方的还是东方的?我觉得这些都是你在绘画中的态度的体现。

　　对于我来说，绘画其实是我目前的生存状态的体现，同时也是我对于这个世界、社会的态度，所以我把“绘画的态度”作为画展的题目。

　　这次画展应该说从决定、组织到最后的展览时间虽然非常短，其实我的思考已经持续了两三年，有这样的沉淀在里边，所以可以在短期内里边准备好这个个展，其实本身它也是积淀、积累的过程。

　　雅昌艺术网：您为什么觉得颜料的堆积或覆盖，体现了某种态度呢?

　　徐老师：中国的绘画，它的颜色其实是通过层层印染，是一种堆积的，上面的颜色不把下面的盖住，颜色之间相互交融、相互影响;而西方的绘画比如像油画，包括以前的坦培拉，它的色彩很多是不透明的，它是通过反复覆盖来调整、塑造形体以取得画面。

　　我为什么说是覆盖还是堆积这两种技法里有一个态度在里边的呢?从表面上来看，这是一个技术性的问题，但他们背后还有更深层次的含意。比如堆积，它是一种积累，让上层的颜色和下层的颜色去交混，共同作用去支撑画面。它对之前的颜色是不否定的。西方的绘画中覆盖是一种否定，就是把前边的调整或者覆盖掉，重新再去不断地修正。

　　这个是和人生态度有一种关联的。我觉得东方人的文化就是一种堆积、积累的文化，比如说中国的艺术史、文化史，从古到今延续下来，后人对前人的艺术成就或者艺术方法很少去完全否定，而是不断地在加入自己的成份，这就和堆积是很接近的。山水画从宋元到后来的明朝或者是清朝的绘画有很大的差异，但是这条线还是很清晰的，是一种继承的东西，不断地在添加自己的东西，使其融合渐变，这是中国的一种特点;而西方的绘画是在不断地改变，尤其到了近代，一种画派的出现往往是以否定之前的画派而确定下来的，这和覆盖是很接近的方式。所以说，从艺术史、文化史大的角度来看，其实堆积和覆盖它是两种完全不同的，有不同内涵的两种行为。

　　我的绘画更接近于中国的纵深的晕染的效果，由于下面做了肌理，上面的颜色画上去以后不会把下面颜色完全覆盖掉，从最上面的颜色到最下面的颜色，有时候都是可以看出来的，这也是我当时来尝试选择这种技法的重要原因。虽然用的是油画颜色，但我想让我的绘画不是限定于油画范畴，它就是一种绘画，使用的材料是一种综合的，同时我也希望自己的绘画能够更接近于东方的艺术的传统，不仅是材料上的，通过色彩的堆积造成一种纵向的效果，因为是形成的点点，远处看像晕染的感觉，有点儿像是岩画。通过这种形式，另外包括画面中的造型、色彩的处理方式，还有勾线等等，这些都是以我的方式在接近中国的艺术传统。

　　雅昌艺术网：你对于绘画持一个什么样的态度?

　　徐老师：我们平时跟朋友聊天、讨论时，常常会谈到中国当前社会处于一种焦虑状态，因为它有很多问题，比如说社会道德准则的缺失、人和人之间关系的物质化和利益化，包括修养的欠缺。我觉得现在的社会问题相当严重。在这样的时代，作为一个画家，可以做些什么呢?我唯一能做的就是通过画笔给这个社会带来一些有益的、正面的东西，因为我觉得这个社会虽然有很多问题，但是它不仅需要解构和批判，它其实更需要的是一种确立。

　　在加速飞奔的时代，我觉得回归是很重要的，这就是我从事绘画最根本的一个态度，我想绘画能够给人这样的一种感受，它是宁静的、宽和的、博大的、优雅的，这些都是我们这个社会、这个时代所急需，这也是举办此次画展的初衷，也是“绘画的态度”的由来。

　　我希望我的画能给人以震撼

　　雅昌艺术网：这次展览展出哪些作品，具体地介绍一下。

　　徐老师：这次展览，当初考虑能够尽量全面地展示，因为它的空间也够，所以以今年和去年的创作为主，同时也包括我之前的一些创作的比较重要的作品。

　　雅昌艺术网：我看到您的作品中，女孩和花是一个重要的题材，对女孩和花是有一种特殊的感觉?

　　徐老师：其实，女孩和花这个主题是一个非常古老的主题，在美术史上有很多人都创作过类似题材，最主要的还是通过这个主题，你想表达什么?其实对我来说，画男人或女人没太大的区别。之所以选择画女性，其实有很多造型上的考虑，因为比如说女性可以让她穿各种服装。基本上我画面中的女性都是穿裙子，这样会很整体，长头发可以披着、挽着或扎成一个鬏。男性就很难处理，我画的男性中唯一能够表现的就是平头，如果是三七开或其他发型就很难入画。

　　当然，我是一个男人，女性对我始终有种神秘感，在创作中需要这种东西。而且我觉得女性的形是非常好的，所以说可能在我的创作中女性的比例相对要高很多。

　　花的形象是我几年一直持续的主题，对我来说花就像是生命中的一次美丽绽放，很短暂的，有点儿像禅宗里的顿悟。我觉得在自然界美好的东西非常多，比如风景、树木、花草等，反而在人类社会里美好的东西相对少一些。所以我觉得花的绽放本身就是一个惊喜，比如一个女性在青春时像花一样，其实是社会的一个亮点、惊喜。

　　其实我画女性并不是说为了本身她的美，虽然很多人都这么觉得，这是一个误解。就像达芬奇画《蒙娜丽莎》只是为了表现蒙娜丽莎的美吗?我觉得不尽然，他可能是想通过这样的形象，传达他对人性的思考。蒙娜丽莎很端庄，具体是怎么美，很难去判断，但是有一点很肯定，她的这张脸让人看了之后一种震撼，你会久久地凝望她，被她的眼神、笑容、表情给吸引住，我觉得就是一种人性的力量，达芬奇在这张面孔上体现了他的思考，所以才会让人感到那个形象有那么丰富的内涵。

　　我也希望我表现的形体有这种力量，让人看了以后感到震撼，觉得有一种说不出来的感受，让人去思考。至于表现的是什么每个人有自己的理解，但必须有某种令人或安静、或震撼的东西，就像中国传统艺术里观音的形象，她到底是美的还是不美的，这不是问题，她的造型、线条、神态让你感觉到一种人性的东西，很博大、宽厚、包容、慈祥、典雅。

　　雅昌艺术网：你作品中人物的情绪最吸引人，彭锋老师在给您写的评论文章里说，你表现的不是快乐，更多的是一种愁绪或者是惆怅，你怎么认为?

　　徐老师：在这个时代里，文化一直在受到破坏。我们似乎一直在建立、创造新东西，但我觉得建立得越多，其实损坏得越多，这并不是一个令人愉快的状况。包括我们一直讲科学进步、社会的进步和发展，文化它其实不需要发展那么快，文化是需要慢慢沉淀，所以说社会目前的状况是令人忧郁的。我的画面也很难有那种特别阳光、愉悦的东西，但有一点是肯定的，就是我想通过画面去确立一种端正、美好的东西，让人可以暂时忘记纷乱嘈杂的世界和社会，得到一个片刻的宁静，这是我的一个愿望。

　　留学日本十三年

　　雅昌艺术网：我们也了解到您从九十年代开始在日本留学，您的创作思路跟留学经历有关吗?

　　徐老师：肯定是有关系的。因为我在日本从二十几岁到四十岁这个阶段，有十几年的时间。这个阶段对一个人来说是从吸收到沉淀，然后再到发挥的阶段。二十多岁，我们还要去进一步的深造学习，慢慢消化，然后通过自己的实践把自己一些想法体现出来。

　　我最初到日本其实有两个原因：一，当时日本政府给了我一个奖学金，不需要在经济方面有所考虑，完全可以保证生活，当时对我来说，这是一个非常具有诱惑性的条件;二，我一直觉得日本的文化，它源于中国，之后它又和欧洲走得比较近，其实是一个比较早结合东西文化的范例。我觉得应该到日本去看一看，因为我觉得中国以后走的也许也是这么一条道路。当然其中既有好的东西，也可能有不好的东西，我觉得有点像东方的“试验田”，在东方的土地上边施着西方的肥料，将会长出什么来呢?

　　我到日本后，非常系统地了解了日本的美术发展演变，比如对独立展、二纪展等重要的公募展历届参展作品做一个梳理和比较，通过这些我可以大体的把握日本近百十年来美术发展演变。我觉得我们可以借鉴好的地方，回避失败的地方，当时我也是这么想，以我个人微不足道的力量，为咱们国家的艺术发展做一点小事情，所以选择去日本留学，然后在那儿生活了十二、三年。

　　从中国看日本

　　雅昌艺术网：您去到日本后，觉得日本和国内的艺术教育有什么区别?

　　徐老师：在日本我最初在筑波大学，后来又在东京艺术大学。在东京艺术大学，它的油画专业，画画的人非常少，真正做架上绘画的可能1/10都不到，大家都在做一些装置等。

　　学校之间也会有所不同。筑波大学相对来说比较注重架上绘画，但是在教学中和中国的教学理念有不同的地方。打个比方，在日本每个学期有几次评画，老师坐在那一张张评画，有一次我发现一个学生的画非常成熟，从画面的构思、绘画语言到最后的形成应该说非常好的。如果在中国这个学生肯定会受到表扬，也许马上会有画廊找他，跟他合作等等。

　　但是这个学生受到了很大的批评。为什么呢?后来我知道了原因，因为导师组从他的画面里边看到别人的东西，虽然说他很成熟，但是他的东西是从别人那儿借鉴过来的，不完全是他的原创。这就是一个教育方式的不同，他们觉得你哪怕不成熟、很幼稚，但必须有自己的东西，是这样一个态度。

　　雅昌艺术网：日本更强调原创。

　　徐老师：一个是原创方面;另外因为我到日本以后系统地研究了他们公募展的作品，发觉很多画家甚至十几年画一样的东西，只是构图改变一下，基本色调、颜色、造型不变，当时我觉得很不可思议，这种画个几张就可以了，没有必要重复。

　　后来我也觉得他有他的道理，这个道理可不可取是仁者见仁、智者见智的事情。在中国来说，可能大家比较反对重复自己。在日本几十年画同样作品的人不在少数，这就是一个问题、现象，为什么会产生这种现象?后来我觉得可能有这样的考虑：一是可以不断地深化语言，比如他采用一种自己的表达方式，通过不断重复画去完善、深化这个语言，这样可以把这个表现的语言提炼到最精准;二，还有体制的问题。因为他们的公募展是这样，你参加过多少次以后能够成为会友，获几次奖后可能被推选成为会员，到了会员基本上在美术界有一定地位了，他是这样一种体系，画家一般来说不太敢轻易地改变画风，因为他一旦改变等于前边的努力一下子就放弃了，所以必须要达到一定程度才敢改变。

　　雅昌艺术网：我们也了解到您在日本也作为一个职业画家，在您了解日本的收藏状况是怎样的?

　　徐老师：在日本应该说画家过的不会像中国这样有激情。中国的画家这几年，因为整个社会对艺术这一块还是比较重视，所以说可能对艺术家来说这种变化很大，比如说经济上或社会地位上。在日本，画家就是一个职业，跟其他行业一样，不可能给你带来突然的变化，它很平稳、平静，在这种情况下边日本的画家心境相对来说比较平稳一些。

　　在日本，几乎每个家庭都有收藏艺术品的习惯，不管是行画还是大家的作品，家里必须要挂画，所以说这个社会有一个相当广泛的收藏基础。日本的收藏群体跟中国还不太一样，它相对稳定，也许不可能一下子买很多;中国主要是高端的多一点，普遍的民众进行收藏的还需要一些时日。

　　雅昌艺术网：日本的收藏体系可能更为成熟一些?

　　徐老师：成熟一点，当然成熟的同时往往变化会比较小，相对来说可能会沉闷一些，但是他一直是会支持绘画。

　　艺术家在日本地位比较高

　　雅昌艺术网：日本的艺术家会挂靠一些单位吗?

　　徐老师：基本上需要挂靠单位，其实在日本职业艺术家是非常少的，基本上画家都会去另外从事一个职业，最好的就是教师，相对来说有一定自己的时间，同时非常稳定，我在日本的很多同学，他们毕业后如果继续想从事艺术创作，他们往往会一边打工，一边画画。但当然这种情况维持不了多长时间，因为慢慢岁数大了会有其他方面的压力，比如成家、经济方面的压力。很多人去找一个工作，也许工作过以后同时还在画画，或者不画画了。在日本基本上大多数画家都会有职业。

　　雅昌艺术网：职业艺术家在日本阶层里边地位是怎样的?

　　徐老师：地位是比较高的，因为在日本有几种人是别人会称他“先生”，艺术家就是其中一种。“先生”这个词在日本是比较尊重的词，主要用于几类人：一种是议员，所谓的“政治家：二是医生，因为医生基本上都是博士，学历很高，另在日本的社会阶层是比较高的地位;三是老师，先生本身就有老师的意思;艺术家也被称为先生，画廊、媒体、藏家也会这样称呼的，社会地位还是比较高的。

　　十三年后再回国

　　雅昌艺术网：您在日本留学十二年，什么时候开始回中国的?

　　徐老师：我是06年回国的。我在出国之际，就已经决定肯定会回来，这个没有疑问，因为我觉得从事艺术创作可能对文化的认同会关注度更大一点，只是说什么时机回国的问题。2006年，我在结束自己的学业结束后做了一段时间职业艺术家，当时正好是上升很快的阶段。我做出回国决定时，跟我合作的艺术机构也很吃惊，我跟他说我回来要读一个油画博士，可能读完以后还会回来。我的孩子那年已经3岁，正好是需要开始受教育的阶段，我还是想让孩子接受中国教育，因为孩子出生在日本，如果再在日本接受教育就可能会和中国有一种文化隔阂，多种考虑，就回国了。

　　雅昌艺术网：您回国之后，有什么不适应的地方吗?

　　徐老师：基本上没有什么不适应。如果说有一点不适应的地方可能是北京的热闹。我在日本住的地方叫筑波，离东京五十公里的小城市，是日本的科研和大学基地，是非常平静、安逸的城市。回国以后来到北京，就感觉到了一个大熔炉中，很热闹，变化很快，觉得有点不适应。刚刚回来时，我睡眠一直不太好，很容易醒，醒后很难入睡，也许是被外面的一些声音给吵到了，但是这个阶段很快就过去。

　　雅昌艺术网：您在回国之后的创作有没有因为创作环境的改变而有一些变化?

　　徐老师：变化还是比较大。基本的创作方法、方式基本没变，但是画面的构成、色彩变化很大，如果看过我以前作品的人看我现在作品会比较吃惊。色彩跟深、重一些，调子上更灰一点，可能受环境潜移默化影响。

　　在日本和在中国的感受是完全不一样的，中国是一个疆土辽阔的国家，有一个广袤的内陆，和日本岛国的感觉是不一样的，这种变化肯定会在我的画面中体现出来。

　　在日本，我与画廊是口头协议

　　雅昌艺术网：你之前也做过很多展览，你觉得日本和在中国的展览机制有什么不同吗?

　　徐老师：从机制上没太大的区别，中国和日本画廊都是借鉴西方的运营模式。可能中国跟画廊的合作比较注重合同。在日本我合作的一个艺术机构，规模在日本应该算是最大的，工作人员有七十多个，每年举办几百个画展。我跟他的合作很简单，就是口头上达成一个共识就合作，一直合作了很多年，合作得也非常愉快，没有出现任何问题。我回到中国后也希望找到这样的一种艺术机构，能够长期、愉快地合作。

　　雅昌艺术网：在日本的艺术界口头协议的情况多吗?

　　徐老师：其他人的情况我不太了解，但是我没跟他们签任何合同，包括比如说办完画展后，利润的分成、作品的明细、销售账单，他们都会很正规地给我明细，他们有一个人专门管我这一块，别人有什么事情通过他来跟我联系。

　　雅昌艺术网：您接下来有什么创作计划吗?

　　徐老师：说实在，还不太知道，我觉得画家是比较感性的状态，很难说预想要做什么事情，也许慢慢我的思考会转变，关注到另外一个问题，画面就会出现变化，但是在这个画面出现之前我自己也很难想象。打个比方去年我画的《紫色》系列，当时有些朋友看了以后觉得非常好，觉得应该可以再深入地画一批出来，突然今年我的画就变了，变成他们称之为《红色》系列的东西，我自己也没有意料，但是在画的过程当中自然就出现了，也许因为我关注的点在移动，下面会有什么新的展开，也许到明年、到后年才能知道。

　　雅昌艺术网：你是一个感性的人吗?

　　徐老师：我是一个很感性的人，也许看我的样子是那种不善言笑的，其实我生活中也是相对来说随意的人，创作中也不是特别刻意的。但有一种东西我要坚持，就是一个我自己的立场和态度，这个东西我会一直有。

　　雅昌艺术网：谢谢!