人们是否需要学习如何在真正意义上观看摄影?

　　我们生活在一个被浸透着各种观念的图像狂轰滥炸的社会里，因此甚至产生了对图像阅读的免疫力，尤其是摄影。我们希望有能力马上理解一张照片说些什么。于是对于画廊的挑战就在于，如何让挂在墙上的照片能够更多地吸引观众的注意力。让他们考虑为什么图像是以这样的顺序排列的，为什么它们是整个系列的组成部分，思考摄影家究竟想对我们说些什么。环境背景和说明文字也是至关重要的，成为整个展览的组成部分。

　　你欢迎摄影家的作品目录吗?

　　尽管我们是一个非常小的团队，但是我们一直在看作品。因为这是一个巨大的空间，要么希望成为一个展览，要么希望听到对作品的反馈。每个月我大约平均依次看六位艺术家的作品。如果在画廊接待，每次大约一个小时，如果是在他们的工作室，时间则更长。我几乎看周边所有的画廊展览，以及能够到手的出版物和杂志。我还有花大量的时间研究国际和国内的展览。在展览的间隙我要和选出的和被推荐的艺术家交流。一开始我们有一个开放的展览程序，但是后来发现难以对付艺术家的各种要求，因此不得不中止，避免大量无效的工作。

　　我们正在建立一个更为合理可靠的机制，以便让我们和艺术家的沟通更为直接有效。一方面艺术家更容易明白我们的要求，另一方面我们也有可能邀请到更多优秀的艺术家。

　　最近一两年有哪些让你感到兴奋的发现?

　　哥伦比亚摄影家Pippa Oldfield。还有一些一见钟情的：Bettina von Zwehl 、Adam Broomberg、Oliver Chanarin等。我不是说发现了什么，但确实是一些首次在画廊举办重要个展的年轻摄影家。Bettina的作品之所以让我惊讶，是因为她挑战了传统的肖像摄影模式，既探索了公众的肖像外在表现力，又揭示了内心的思考瞬间。Adam Broomberg和Oliver Chanarin的作品都具有非常有趣的方式，同时运用了方法论的原理，聚焦于社会隔离的环境，如监狱和精神病院。如今他们的作品更深入地聚焦于以色列历史层面和政治动荡因素。

　　在展览之前你能预计到观众的反应吗?

　　我以为如果同时展示有趣的当代和历史的作品，将会是不错的选择，公众更容易接受。如果我尝试和选择一些具有潜在公众市场的作品，我就要看公众的脸色了。这就像需要一个最低的分母，作品的质量也是不可降低的。

　　如果你将18个月到两年作为一段工作进程，那么你是如何把握时代脉搏的?

　　随着工作环境的改善，我们可以让展览的转换变得更为灵活，从而可以为更年轻的艺术家下赌注——这些艺术家往往有一些很优秀的影像，但是没有形成整个系列。

　　你对希望进入画廊的年轻艺术家有什么建议?

　　早一点和其他摄影家一起讨论作品是有用的，尤其是在将作品递交给画廊管理者、摄影编辑或出版商之前。你可以听到更多不同的意见。在作品完全成熟和形成系列之前不妨先拿出来，其中一定有很多有趣的东西。

　　为什么影像需要一些相互关联的成分?

　　我想参观画廊的人需要在一个空间里得到一些定位的因素。如果缺少这样的定位他们的阅读就会变的困难。但是你只需要提供一些简洁的线索，让他们有多样化的开放式理解空间。比如Ori Gersht的展出，他的作品有两种对话。一种是个人的历史和隐藏在背后的故事，另外一种他的作品是如何让观众体验的。面对他的作品我遇到的相同问题就是：“它们是绘画吗?”因为它们看上去很像绘画。于是我不得不在文本中写到这一点，包括哪些画家对他所产生的影响。

　　你对数码摄影的观点如何?

　　只要选择合适的媒介准确地表达你的想法，就是好的。比如你可以选择大画幅相机拍摄肖像和风景。数码技术如今已经可以达到很优秀的地步，尤其是输出部分，因此可以完全信任。所有当今的摄影家更多地选择数码输出，而非直接用数码拍摄。但是这样的状态迟早都会发生变化。

　　你是如何考虑摄影展示空间的走向的?

　　一种趋势是随着空间的增加，照片的尺幅会做得越来越大，但是也不排斥尺寸更小的极端。我们还注意到有一种回归黑白的趋向。谁也无法准确预测。

　　什么时候一些东西可以被称之为艺术?

　　这要取决于整个艺术史的背景，很多情况下还取决于观众。如果你认为这是艺术，就是艺术。但是人们往往需要你贴上一个标签。作为策展人或画廊策划者，你的工作就是尽可能挖掘出作品背后的价值。一个优秀策划的展览，会大大刺激想象力，提出许多需要回答的问题。