展览海报

　　上世纪80年代，艺术学在西方由于“视觉文化研究”(Visual Culture Studies)领域的丰硕成果早就成为“显学”。中国的艺术学却从属于“文学”，难与国际惯例所匹配，2011年艺术学终于成为第13个学科门类。而艺术学中的视觉艺术学科，既是研究成果最丰富的一个，也是最早孕育出独立意识的学科——19世纪后期，德国哲学家康拉德•费德勒(Konrad Fiedler)正是从绘画和雕塑中注意到艺术语言的纯可视性(pure visibility)意义，开始强调视觉语言的独立地位。1906年，德国美学家德苏瓦尔进一步划清美学和艺术学的界限，指出艺术学研究更注重艺术的特质和价值，艺术不仅给予人们审美的愉悦，还给予人们认知、教育等其他的功用，绝非限于审美。当代国际视觉文化的研究，更是形成了一种跨文化、多元化的态势，并不囿于形式分析与风格演变等艺术本体的研究方法，而是广泛进入了社会学、人类学、亚文化研究、现代性反思等诸多领域。

　　中国的艺术院校，一直是学术研究与创作实践的实验室与发生地。近年，各大艺术院校的基础建设与硬件设备都有质的变化，而学科建设的打造却非一朝一夕之事。即使国家大力发展所谓“文化产业”，除却诸多外部条件，归根到底还是取决于艺术人才的原创性和生命力。而艺术人才培养的重点又在于教育，不同的教育机制培养了不同的人才，也创造了相应的艺术现状。高等艺术教育是整个艺术教育结构与体系的顶端，它的面貌是整个艺术教育系统的集中体现。青年教师是整个教育体系的未来中坚，他们的表现将直接决定未来中国高等艺术教育的水平。

　　院校既是青年艺术家默默耕耘的三分地，也是调查取样的试验田、设施齐备的实验室。作为大学美术馆，南京艺术学院美术馆责无旁贷地肩负使命与责任，南艺美术馆以青年教师的实践与探索为突破口，在创作生发阶段的土壤和试验田中取样分析。全国范围内的专业艺术学院以及综合大学的艺术学院，共同构成了本次展览调研的对象。《时•区——当代高校青年教师的创作与探索》 的策展出发点是寻找在全国同类专业内及其所在院校内最具代表性、独特性和实验精神的艺术家。核心思路围绕各院校近年的教学实验与改革、新教学法的探索、创作方法论的更新、创作型人才的培养模式等进行。也探讨了传媒时代艺术家们知识的集散与再生、创作经验的传达、社会学关照与形式实验等面向。

　　当下很多艺术项目和展览往往具有定向的主题，并预设了推导结论的路径与线索——而线性的路径往往带有目的论的弊端。本次项目尝试更为开放与客观的采集方式：首先对艺术界各领域专家、学者、策展人、艺术家进行咨询，再根据全国各地区艺术生态及教学的特点，对各大片区的艺术院校进行一次大规模的“田野考察”，根据考察结果进行系统性调查研究报告，最终以展览的方式作为本次项目的视觉呈现。

　　策展人团队经由10个月的跋涉，综合考察全国三十多所院校，数百个艺术家工作室，最终挑选了来自不同地域和院系背景最具代表性的28位青年艺术家，参展作品包含绘画、雕塑、装置、行为、影像、摄影等所有类别。表面呈现各个艺术类别的对话，实质是广阔的时空维度中多元艺术观念的共同发声。策展人亦希望借助这次呈现，引发公众与专业人士针砭时弊的声音，展开对艺术教育的深层次探讨。

　　而高校当代艺术的实践，不仅仅受到地缘及历史的单向度影响，同时催化于国际当代艺术信息流的互动启发。当代中国院校间及国际间艺术人才的交流互换，艺术行业人员分工的不断细化与流动，因特网的普及与信息化教学建设，艺术界与哲学社会学等领域的持续对话… 都汇成了艺术界信息革命的洪流。当代的艺术从业者得以实现个性化的自我教育与自我开发。所以，从目前中国艺术创作教学的现象看来，不单以地理跨度(区域性艺术的总体面貌)为分割依据的“时区”概念受到了挑战，以美术学不同种类(如油画与国画)评判学科优劣的精英观念也受到挑战。而设立某些区域或学院为“标准时”的中心主义，更是受到质疑。

　　“区时”的概念，由加拿大铁路工程师伏列明在1879年提出，也象征现代人类以科技和理性为工具对世界时空的一种线性分割与标准化过程。20世纪以来科学的发展又提出混沌理论的非线性时间以及多空间理论，不断丰富甚至突破着人类现有的时空观念。中国辽阔的地理跨度存在于不同“时间”和“空间”之中，时空的分割与气候水土的差异曾经孕育了极富差异的历史、文化、艺术。而且，区域历史文化对当下艺术的发展仍起着不可忽视的作用。所以说，当代中国的艺术院校不仅存在于不同的地理空间，还存在于不同的历史文化的“时空”之中，从而造就不同特点的艺术人才，成就了一片区域、一所院校、一种学科的整体面貌与气质的基调。区域的艺术院校是区域性历史钩沉与学术研究的堡垒，将对院校的考察串联起来，便勾勒出了一份基于“院校地缘”的谱系图。

　　本次展览分为4个单元，分别是：“惯性翻转”、“形式发问”、“媒介冷暖”、“智性之桥”。

　　“形式发问”

　　上世纪初肇始于欧洲的现代艺术运动，其逻辑是以不断打破和消解艺术史的上一个环节为目标，而目标的完成即意味着新建立的模式又将面临自我解体。齐格蒙特•鲍曼将其称为“前卫的悖论”。这个过程常常伴随对“形式新奇”的不断追求，然而正如阿兰•巴迪欧指出：这实际上并不是对资本主义的批判立场，因为资本主义自身就是对新奇新颖的迷恋，就是形式的持久革新。

　　中国当代艺术面临的最大问题，就是在资本逐渐渗透的过程中，“革命”与“批判”作为程序化的策略出现。艺术家求新求变的意向往往出自利益的诱惑与市场风向标的引导。“新奇”的形式不断被生产，却往往流于“同语反复”;追求“异常”的风格与效果，却往往流于“趋同”。本单元的艺术家以形式语言的突破为切入点，却意在揭示和批判当下现实，传达他们对社会机制及艺术体制的问题意识。

　　“惯性翻转”

　　如同身处不同时区的生物机体，有其固有的循环节律与生理周期。艺术创作者在跨越不同艺术生态“时区”的过程中，身体以及感觉经验所依赖的惯性遭遇了突变，如生物钟原有的“地方时”被重新拨动与调节，生理机能不得不作出抗拒以及调整。

　　经济的发展决定了“游学”模式的普遍化，这里艺术生态“时区”的跨越，既指新一代艺术家在求学方式上的更多选择与自由，可以在不同国度、城市和学院间迁徙;也指艺术家面对亚文化的生活方式，导致的心理变动与艺术风格嬗变。本单元探讨了面对“时差”与陌生文化体系，艺术家如何处理自身固有视觉经验与心理经验。

　　“媒介冷暖”

　　中国早期当代艺术的先行者们浮出水面并获得国际声誉以后，一部分人仍然致力于当代艺术教学和方法论的建构，持续培养和启发着青年艺术家。“跨媒体艺术”、“综合艺术”、“实验艺术”专业的开设在全国范围内兴起，其教学理念的核心则强调突破传统艺术类别所造成的局限性，而对媒介的研究与重视被提上了新的高度。

　　艺术的当代呈现方式当然有必要不受类别限制，但是如果仅仅将艺术形式的杂烩视为艺术“当代性”的体现则流于空洞肤浅。本单元提出如何在不同媒介材质、特别是传统材质中创造多重感官、多重层次的对话机制，建立起“如人饮水、冷暖自知”的表达方式。

　　“智性之桥”

　　中国当代艺术发展至今，不缺姿态上的激进与感性，也不缺乏学术与理论层面上的逻辑推演，然而艺术与社会的有效性连接仍然存在巨大鸿沟。康德认为德国古典哲学中Verstand ——即“知性”一词代表的是介于“感性”与“理性”之间的一种认知能力，而古老的东方哲学，如禅宗等思想更是超越二元对立、强调了心性的体悟与乍现。在本单元的展览设计中，我们呼唤一种充满灵性的艺术实践方式。抽象理论只有经过个体生命的深刻体悟，创作观念才能与作者的生命体验融合。“艺术”这一超越语言和文字的沟通方式，才可能真正进入大众语境与公共空间，以智慧的桥梁抹平艺术与世俗生活之间的鸿沟。

　　此次项目命名为“时•区”，正是为了从艺术创作的发生阶段就鼓励一种“自在”与“自为”的姿态。倡导多元论、去中心主义、跨学科、超越主义之争、超越技术思维。从充满个性的人的本体出发，以方案和作品共同发声。 “时•区”的汇集，将使本次项目本身成为基于“院校地缘”，又超越了“院校地缘” 的，一个多样生态共时展现的崭新时空。华莱士•史蒂文斯在《观赏黑鸟的十三种方式》中写道：“黑鸟飞出视线，它画出了，许多圆圈之一的边缘。”如果把本次参展的28位艺术家都比作黑鸟，他们将画出无数个独立又相互交集的圆弧，这些黑鸟盘旋的轨迹交织出未来“时区”的景象，他们的身体也将成为未来的“时代之躯”。