人类对于星空的好奇和探索从来没停止过，因为每当仰望它的时候就能感受到未知力量带给已知生活的触动。意大利艺术家乔瓦尼·欧祖拉也是一样。在“彗星论”中，他用各种影像、装置去营造和重建了自然与历史之间的无序关系。如艺术家所说，彗星稍纵即逝，却总会看得人们豁然开朗。文李谦

　　一段危险的星际旅途

　　一百多年前，“飞上天”还是一个看起来遥不可及的梦，如今人类却已经把可以到达的范围触及到了太空。探索的触角不断升级，科技似乎让一部分人可以率先揭开太空神秘的面纱，而对大多数人来说，这点到为止的揭秘，却只是让一切变得更神秘一点。宇宙星河，又或者历史、科技，这些带给人们的是什么呢?这也是意大利艺术家乔瓦尼·欧祖拉这次的展览“彗星论”想探讨的。

　　这是欧祖拉在北京常青画廊的首次个展，展览展出了艺术家摄影、装置、雕塑与影像等作品。整个展览的体量非常大，几十件作品占领了整个空间。展览以舒缓的方式进行着，进入展厅首先要穿过一扇半开的门，慢慢进入黑暗的状态。穿过入口，循着明暗不一、星体般的灯光，首先看到的是一幅巨大的铜板装置作品《伤痕》，这件作品是由98张明亮的金色铜板构成，艺术家采用古老的雕刻技术，将历史中哥伦布、达伽马、麦哲伦、郑和等航海家的数次航线嵌入铜板。

　　说起这些作品，乔瓦尼的好朋友、意大利艺术评论家皮耶尔·路易吉·塔吉介绍说，“航海家、天文学家、地理学家，出于对未知知识的渴望，以及自身冒险精神的驱使，直面恐惧做出了很多毅然决然的决定。”这些毫无点缀的波浪状航线在无尽的海面上漂荡，没有地标，仿佛困囿于雾霾与黑暗之中。而从作品的名字上看，“伤痕”既是人类在探索未知自然过程中所遭受的，也是自然在被探索过程中所承受的。

　　在主展厅内，三屏影像《车库-沙漠-音景》占据了墙面的大部分空间，荒凉的大漠在影像中无限延展，配合它的则是车库卷门粗重的卷动声与沉闷的钟声，时间被无限地放大，每一个独立的个体在此之下都显得如彗星一般稍纵即逝。正如塔吉所言，“我们希望生命中那些唤起我们情感的时刻及当时的人和事都会保持不变，但是它们总会改变，而时间它飞逝的本质只是证明了事物都在不断向前演变。”

　　影像的N种可能性

　　意大利文艺复兴时期的建筑理论家莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂曾在他的著述《绘画论》中说，“图像可以被看作是向世界打开的视窗，人们在这视窗中向他人展示某些内容;但这扇视窗又将人们与真实世界分隔开来，因为视窗中展示的内容与真实世界并不完全相同。”如果细看欧祖拉的作品，不难发现他对于影像的独特认知和运用与阿尔贝蒂的理论不谋而合，在这次的个展“彗星论”更可以说是他对影像掌控的一次全面展现。

　　说起影像的可能性，大多数人可能考虑到的影像本身的呈现方式，而欧祖拉则通过多种方式捕捉影像以及影像与人之间的关系。当图像作为一个物体元素呈现时，他更加注重的是这件图像与展览中其余物体元素之间的关系，这从“彗星论”的布展就可见一二。影像作品《车库-沙漠-音景》覆盖了整个墙面，而在影像前，还有一条老旧的黄麻绳索挂在墙上，麻绳被摆置成了数学中的无限符号，展现了生命、时间的轮回与永恒。

　　而艺术家更喜欢运用的是另一种图像表现方式，如同对老友作品相当熟悉的塔吉所说，“他喜欢把图像作为他视觉的呈现。每个图像都是一个瞬间视觉的实体化和固着，他总是捕捉一个正在经过的瞬间，并强调着它短暂和转瞬即逝的本质，还有它那种注定要立即消散的命运。”展厅二层以船舶为主体的作品，将这一点展露得尤为明显：一艘老旧的木船搁置在地面上，船舱里满是干枯的落叶，船体内有一串霓虹灯，翻译成中文是这件作品的名字“岁寒然后知松柏之后凋也”。这些看似不相搭的元素实际上都是艺术家某些视觉碎片的拼贴和重建。

　　然而无论图像以何种方式呈现，艺术家更加看重的显然是面对这些图像时，观众的内心如何与自己对话，正如艺术家为展览的名字“彗星论”做阐述时所说， “一切都是稍纵即逝的”，即便是看似神秘甚至神圣的星体，也正因此人们或许可以看清它带来的烦恼。当然，或许也可以减少一些盲目的愉悦。

　　作品介绍：

　　《灰尘——钟》：从天顶一直悬挂到地面的一组老旧铜钟，这组钟总是敲着同样的调子，钟体上刻着一些纪念幸存者的文字，这些是艺术家记忆中的语句。钟声反复响起，而在不同的时间里，它所带来的也是完全不同的感触。

　　《螺旋桨》：在展厅中这是一组相对的作品，螺旋桨挂置在雪白无一物的墙面上，古旧的金属色让它看起来就历尽沧桑，这也象征着运动、能量不会因为暂时的休憩而停止。

　　《光——历史——悲怆》：这组作品或许是最贴近星体的，悬挂着的透明玻璃球体远远看去像极了一颗颗行星，玻璃球内还有许多不规则缠绕着的铁丝线，它们散发出的光会映射在房间的各个角落，在墙壁、天花板、地板上形成古怪的线路。