陶艺《新雨》 朱乐耕 作

    Kensington Jeju Hotel坐落于韩国济州岛的海岸边，面朝大海，朱乐耕最新创作的大型陶艺壁画装置艺术《生命的绽放》(280平米)和《天水之镜象》(85平米)两件作品，就在这里落成。成千上万白色花朵，一朵紧挨一朵，铺满整个画面，形成强大的视觉冲击力。花朵大小、高低、疏密形成空间上的起伏感，仿佛微风吹过，花儿低伏，蓬勃的生命力自然在此彰显。而暗金、浅绿、淡黄的色带，打破了整幅画面的平静与单一，成为不断蓄积的内在的力量，支撑起一幅近300平米的大型壁画，冲破建筑的束缚，与远处的海浪交相应和回响。《天水之镜象》则以大面积红色作为底色，以高浮雕方式安置大大小小乳白、浅黄、淡粉、新绿的云朵，地面则是一条五色鹅卵石铺就的道路，与天空的云朵遥相呼应。强烈的色彩与灰白黑的现代建筑形成巨大的对比，完成了陶瓷艺术与建筑空间的对话，也使西方建筑具备了东方特有的情韵。毫无疑问，这两件陶瓷艺术作品的再一次成功，又一次获得了中韩两国艺术界与理论界的高度评价，也成为邵大箴先生对朱乐耕作为“现代陶瓷空间艺术的开拓者”的注脚。

　　所谓开拓，即是在前人没有走过的地方闯出一条新路。朱乐耕几十年对陶瓷艺术的追索，都体现在他不断探索创新，从陶瓷的器形、语言、功能、表现形式，再到建筑空间里的巨大陶瓷壁画、雕塑、装置，每一个阶段的创作都有出人意料的成果，并最终突破了陶瓷仅限于瓶瓶罐罐或充其量瓷板画的固有观念，拓展了陶瓷材料在当代建筑空间里的运用，从而拓展、丰富并开创了当代陶艺的发展途径。传统与创新，是一句常说常新的老话。任何一位有成就的艺术家，都必须在自己的艺术道路上有所创新。而要有创新，就必须深入传统。真理往往是最朴素的话语。这些老生常谈的道理，如今常常被滥用于评价艺术的套话，泛滥而贬值，事实的真相是，在一个领域，一个时代也常常见不到几位既有深厚传统，又有独特创新的艺术家。但从朱乐耕的艺术创作中，从他不同时期的作品当中，你可以清晰地看到创新与传承的深刻关系，他将技与道融二为一，摆脱了陶瓷作为工艺的局限与匠气，将精神内涵贯注其中，并因此使他成为一位具有时代意义的当代中国艺术家。

　　出生于景德镇的朱乐耕，父亲也是一位陶艺家。幼承家学，在景德镇具有千年历史的陶瓷文化的浸染之下，朱乐耕掌握了从炼泥、拉坯到施釉、入窑甚至烧窑等陶瓷技艺的每一个工序。学习传统、学习民间，成为朱乐耕的本能与习惯。或者说，他就在传统与民间生长，陶瓷传统与民间艺术的滋养，早已深入骨髓，而他的天赋，也在每天同土与火的交道中逐步显露出来。如果就这样走下去，朱乐耕会是一位优秀的陶瓷艺人，或者成为民间工艺大师，走在景德镇传统陶瓷艺术的路上。但朱乐耕从陶瓷作坊，直接考上了景德镇陶瓷学院美术系研究生，开始系统接受学院教育。这几年的学习对朱乐耕而言，意义是重大的。

　　以最大的功力打进去，还需要以最大的勇气打出来。朱乐耕尝试着传统陶艺的各种器形与色彩，红绿彩，五彩，影青瓷，同时也流连于云冈、麦积山，从传统壁画中汲取养料。与此同时，深谙传统的朱乐耕从来没有止步于传统，而是从传统出发，开始了创新的脚步。他尽己所能尝试各种材料、器形。上苍赋予的天资与常年辛勤的劳作，使得朱乐耕很快在陶瓷艺术上崭露头角，自创风格。上世纪90年代初，朱乐耕的陶瓷创作屡屡获奖，他的《苗家风情》、《中国戏剧人物》、《采莲》、《牧歌》等作品，从传统、从民间挖掘具有中国符号意味的题材，既着意突出中国民间趣味，又大大增强了现代审美意识，令人耳目一新。

　　早在1997年，朱乐耕在美术馆的第一次个展，就让评论家、收藏家对他刮目相看，也吸引了日本、韩国众多的艺术机构。朱乐耕早期的许多作品，被收藏在韩国麦粒美术馆等日韩艺术机构中。从那时的一件件陶盆、梅瓶、瓷板画、日用品中，可以看到朱乐耕创新的起步：朱乐耕在自己的陶瓷器皿中尝试了不同陶瓷材质的拼接、半坡图形与古文字的拼接，以向传统、向西方致敬;在传统梅瓶的器形与图案上，朱乐耕拉长了原有的瓶子形状，并将梅花的装饰向几何形靠近，使得梅瓶在视觉上呈现出变化后的新意。朱乐耕的瓷板画，既得益于他的中国画功底，又归因于他全面的陶瓷技能。对于传统陶瓷艺人而言，观念的突破是不容易的。更重要的是，题材的突破，带来的是新的题材与陶瓷材料二者统一的难题。陶瓷发展到今天，分工更加细致，陶瓷艺术家常常是等着瓷板做好之后在上面画画，画面固然精致，却限制了陶瓷材料本身的意趣。陶瓷艺术不仅仅是人工的艺术，也是天工的过程。从泥土化为瓷，要经历水淘泥和、自然晾干、窑火烧造等一系列过程，最后的结果并不完全由人控制。朱乐耕不是仅仅在瓷板上作画，而是从瓷板制作开始，加入材料、肌理的变化，并亲自购买、配制釉料，不断在釉料、火候上反复实践，最终获得理想的色彩效果。正因为朱乐耕能够发挥陶瓷材料最大的特色，因此他的瓷板画与众不同，画面高低厚薄凸显立体效果，釉色变化丰富，与瓷土、釉料的肌理相映成趣，再加上天工造化，使得一件瓷板画可供欣赏的细节变化无穷，引人遐思。这些创新的意念，经由随后二三十年的功夫，似音乐的母题不断盘旋往复，而不断呈现出更新的面貌，终至构成朱乐耕独特的个人风貌。

　　从那时起，朱乐耕获得了创作与市场的双重收获。喜爱朱乐耕的不仅有上海、北京的众多拥趸，也有日本韩国的艺术机构。朱乐耕没有陶醉于市场的青睐，再一次从中抽身而出。他敏锐地感觉到当代陶艺的发展方向，也深深体会到景德镇作为千年瓷都必须面向当代而凤凰涅槃。他需要更大的舞台，需要更开阔的眼界，也需要更多样的艺术刺激。2003年，朱乐耕从景德镇调至中国艺术研究院，随后担任艺术创作院院长、博士生导师。从这里，他不仅与日韩艺术界交流，更走向世界，参加中欧、中美论坛，应邀赴美国加拿大多所大学讲学，并在德国举办展览，多次在中国美术馆、上海美术馆举办个人展览。他的红绿彩瓷板画《奔马图》、《莲戏图》，高温颜色釉《新雨》、《乡村系列》，陶艺雕塑《风》及反映农耕时代的牛、马雕塑，影青釉系列雕塑《马》，写意人物雕塑《禅意》、《空》，以及生肖系列等等，以其创新的艺术理念与纯熟的技术手法，大获好评，更在市场上突破了千万元的拍卖价格。

　　以他者的眼光来看，韩国日本艺术机构对朱乐耕的追捧，也正在于朱乐耕对传统与创新两个向度的开掘。中国作为世界闻名的陶瓷故国，早已辉煌不在。许久以来，许多人对中国文化失去信心，也对中国陶瓷艺术失去信心，这已是一个不争的事实。不得不说，是韩国人首先发现了朱乐耕的巨大潜力——一方面，他既不墨守成规，死守景德镇千年瓷都一成不变的手艺，另一方面，他的创新也从来不是从观念而来的搞怪，而是将东方意韵与现代观念融为一炉。2002年至2005年，韩国麦粒集团邀请朱乐耕创作首尔音乐厅的系列陶瓷壁画与装置。《生命之光》、《空间与时间的畅想》、《有阳光的日子》、《秋的印象》、《岁月的记忆》等一系列作品，这些作品不仅装饰了整个音乐厅内外空间，还获得了出乎意料的声音效果。更重要的是，土与火烧造而成的陶瓷所具有的光泽与数千年积淀的文化内涵，充满于西方建筑所构成的恢宏空间，形成一种独属于东方的温情与韵致。建筑与人，如此和谐共处，使朱乐耕第一次深入思考环境陶艺在今天的新的可能。

　　自此，朱乐耕一发而不可收拾，走向了陶艺与建筑、环境的深层对话，并由此成为现代陶瓷空间艺术当之无愧的开拓者。2006年，他完成了江西九江市民广场的《爱莲说》(300平米)，2010年为迎接世博会创作了上海浦东机场《惠风和畅》(300平米)，2012年创作了天津瑞吉酒店《流金岁月》(45平米)。他受邀完成了韩国首尔圣心医院《蓝色的声音》系列，今年4月，韩国济州岛《生命之绽放》《天水之镜象》大型陶瓷装置壁画再度盛大落成，成就了中韩两国艺术交流的又一段佳话。4月25日，朱乐耕为国家大剧院量身打造的“空间·境像——朱乐耕当代陶艺展”再一次好评如潮。两组新的作品《生命之歌唱》和《五彩云》，前者采用高温釉的绚丽色彩，以一个个夸张变形的歌唱着的《口》为意象，生命的间符就从这里流淌;《五彩云》则以红绿彩的方式，将云的意象层层放大，与国家大剧院的宏大建筑和灰白装饰形成强烈对比，在几何形规则的现代建筑中，飘浮着充满梦幻的境象。朱乐耕自己曾说，他将农耕文明时代的马匹、牛群引进现代建筑当中，将陶艺引入现代空间，就是要打破工业化对人的压榨与限制，以中国艺术的语言方式，找寻本土化的现代化道路，在现代建筑丛林中找回失落的田园牧歌式的自由心灵。

　　创新永无止境，朱乐耕的每一次创作，总是让人惊奇，出乎意料。他从生活、从自然、从以往的创作中随手拈来，却总是自出新意、随心所欲、举重若轻、从容优雅。他的陶艺作品，无一不蕴含着陶瓷艺术的深厚传统、中国文化的精神内涵以及个人独有的个性气质。对他而言，陶瓷创作已经成为他的生命本能，创新则成为他艺术创作不竭的动力。在他的作品中灌注的，是朱乐耕对艺术永不枯竭的热情和对自然生命的热爱。可以说，他已经超越了材料的限制，超越了传统的束缚而成为一位自由表达的当代艺术家。从他身上我们可以看到，中国陶瓷艺术将因为他这样的艺术家而续写当代辉煌。