可以说，所有的绘画都是一面镜子。但它不是时代的简单反射，它只是在物质世界之外，给出了一种深可触探又无法与前者合一的维度，尤其那些借形象表达深重主题的作品。在这种实践中，艺术家不是小丑，绘画也不是甜点和安乐椅。邓称文的作品与所有新一代艺术家的一样，既与所处的时代境况有关，又不完全受此制约，笔者认为还是建立在个体秉赋之上的艺术家的自我期待和自我要求。再者，文学和哲学再深厚终极，都只是绘画的“外物”，就如同围绕着西红柿和芸豆植株的支架，要想结出果实，还得靠自身属性和内部的东西。就比如，我们说到任何一个绘画工作者，在学习过程中，他自然会接触到某种语言成熟的表达，重要的是这种表达与自己的气质追求相契合，它对学习者的影响具有排他性、唯一性。它可能如醍醐灌顶一般，瞬间就会触动接受者的某根神经，后者神往之，揣摩并研习之，慢慢地，经典范式的某些经验就会内化在艺术家自身的表达语言中，成为自身创造力的一部分。这可能是所有艺术家的必由之路。

《残阳迷雾》 2014年 150x120cm

　　进一步说，邓称文作品表达的是“绘画之重”。因为成长环境中物质条件的改善和收藏群体缺乏艺术(史)常识等原因，“重负”主题在被市场所“接管”后的新一代艺术实践中是稀有或缺席的，在更为年轻的一代画家中，我们常常看到，那些卡通的、讲究图式设计感的、可爱的甚至时尚肤浅化形象是流行的主题。然而，邓称文却选择通过绘画去表现这一代的“凝重”。他的作品，以一种“艺术史拼贴”的方式和来自于当代传统的绘画技巧，传达了这一代的精神倾向。艺术家喜欢描绘同龄人，这可能因为他对此感到熟悉，在气质上也更容易把握一些，他们在荒芜的城市街道上，在荒草离离的田野间，做着仪式般的游戏或游戏般的仪式。他们仿佛空降自某处，又仿佛从泥土或灰色楼宇中分化出来的生命，他们看起来并不快乐，非但如此，有时显得焦虑不安——但艺术为什么必须表达快乐呢，何况，人似乎在追寻意义的道路上就把它丢掉了。

《梦碎的黎明》 2011年 120x150cm

　　我认为，“好”的绘画，或者说，引人入胜的绘画都具有一定的“迷宫”性质。你很难也没有必要一眼看穿诸相的玄机，简单的材料堆积壁垒间的曲径，景幻入胜的纷纷线路虽然看似都指向出口，却不得立时切近。邓称文的绘画或许就是这样一种“迷宫”性质的绘画，它们不着意平涂、不炫目、不在材料的“殊胜”上做视觉文章，也就是说，它们不直接提供浅表的视觉快感。在2011年完成的作品《盲行者》和《梦碎的黎明》中，艺术家以平静的笔触，凝滞的人物形象加之对莫名光线的描绘，提升了所绘形象的迷宫气质和魅力。随后作品的风格上做了些微调，笔触交织层叠，有些表现意味，我猜想这首先与艺术家不满足于安逸生活，力求在此中求变的状态有关，另一方面，艺术家也渐渐在自身的秉赋中发现了恣肆描绘之乐，在某些纸上水彩画作品中，色块层叠，轮廓清晰，被反复塑造的形象本身就传达了一种具有个人追求的绘画过程，这使得这些充满现场感和绘画性的作品，显得与众不同。

《殇》2014年 66x42cm  纸面水彩

　　邓称文喜欢在具象里面寻求记忆承载，具象，也是叙事的方便和需要。同时，他的艺术也是一种事关“错置”和“拿来”的艺术，照片提供的即时性细节与艺术家的个人体验相结合，让阅读者在如坠窒息的同时又如沐清辉。邓称文的作品传达了一种富有个人线索和独特气质的对传统——包括当代西方和中国当代经典性绘画——的态度，在邓称文笔下，传统不是假想敌、而是观念表达的引子和依托。他以拿来主义的勇气和判断，向心仪的标志塔致敬。我们或许会问，在怎样的角度和层面上，其他艺术家的经典形象，包括照片提供的客观性语言，才能内化为自己的创造?邓称文通过一系列作品，对当代西方美术史的经典形象——比如加西亚.洛佩兹的作品——的挪用，呈现了一种对艺术原创性的新解。在艺术实践中，为了表达需要，创作者都可能通过个人语法转换将被挪用的形象，将其融汇进自我语汇。艺术“是什么”不重要，也无需赘言，也许揭示“不是什么”会更有趣一些。

《走进洛佩斯-1》2013 160x140cm

　　在我看来，邓称文的绘画实践甚至还提示我们去重新关注一种复杂的、面对历史和当下的心理现实：他者与自我、重负和潜行、希望和无望，经典和致敬。经典可以作为一种“他者”元素被植入一切标榜原创的艺术么?艺术是语言的艺术还是社会学或文学的艺术?具象的心理空间是具象绘画的终极诉求吗?被视觉消费了的艺术，将以怎样的曲径引导阅读者重回艺术家堆满颜料和杂乱物事的工作室，去体验原初悸动?等等。不管怎样，在邓称文营造的具有舞台感的现实蒙太奇里，具有时空矛盾性的元素被导演共谋，艺术家举重若轻，直接借景生意，它们重现异己的画布后又渐渐退远，他以破碎的镜片，折射了时代乡愁。

　　2014.6