“洛杉矶计划”新闻发布会现场

　　导言：2014年9月13日，策划长达两年之久的“洛杉矶计划”在尤伦斯艺术中心开幕，此次展览由尤伦斯艺术中心馆长田霏宇以及策展人蔡秉桥两人联合策划，本展覆盖的尤伦斯艺术中心全部展厅空间，推出由七位来自洛杉矶的艺术家的独立项目。这七位艺术家均是具有全球影响力的中坚一代创作实践者，他们拥有多元的文化背景，与艺术学院、 画廊及美术馆等机构关系紧密，受到国际当代艺术界瞩目。参展艺术家包括凯瑟琳·安德鲁斯、阿龙·柯里、亚历克斯·以色列、马修·莫纳汉、斯特林·鲁比、莱恩·特里卡丁，以及卡里·厄普森。这是来自洛杉矶的艺术在中国第一次全面发声，多数参展艺术家的作品均为首次在中国展出。

尤伦斯艺术中心馆长 展览策展人：田霏宇

　　本期导览嘉宾：尤伦斯艺术中心馆长 展览策展人：田霏宇

　　田霏宇：这个展览是我们筹备了大概两年的时间，其实最早的出发点是尤伦斯夫妇本身经常会在洛杉矶，感受到了那边非常浓厚的的艺术气氛，有很多的艺术家，所以想做一个关于洛杉矶的展览。

　　可能这个是美国的一个大趋势，因为纽约的空间变得越来越昂贵，很多艺术家会选择离开纽约，搬到西岸，那边正好有一些空间可以工作。洛杉矶当然有它自己特殊的美术史，二战以后已经经历了好几代观念艺术家。那边还有好几所艺术院校、机构，最近也有很多画廊，形成了一个很特殊的艺术生态。我们是希望可以把这座城市当代艺术的一种状态反映出来，同时也不想做成一个叙事性的展览，这样会显得特别死板，好像在讲述美术史，所以最后我们选择的方式是通过一组七个小个展的形式呈现七位艺术家的作品，我们觉得这七位艺术家都蛮有代表性，而且互相还蛮配合的。

　　他们都是30、40岁左右的艺术家，我们给每个人都提供了比较大的空间，用一种开放的思路来策展。通过与艺术家的对话找到一种我们觉得比较有道理的方式呈现。展览的理念是希望通过一个一个的面孔，呈现一种集体的面貌。最能反映这一点的应该是配合这个展览的出版项目，是我们跟雅昌合作做的，我们没有出一个传统的展览画册，而是把做书的机会单独给了每位艺术家，让他们用书的媒介阐述他们的艺术实践。

　　展览开幕的这个周末我们叫做洛杉矶艺术周末，因为我们从洛杉矶的一些机构，也包括美院请来了一些比较知名的专家，包括盖蒂学院的菲利普斯，是2008年一个比较有代表性的展览“加州录像1960-2008”这个展览的一个策展人，还有汤姆是加州艺术学院的一个教授，拍了一个叫Los Angeles Plays Itself的一部观念电影。当然还有参展艺术家的演讲，以及艺术家亚历克斯·以色列利用这个展览的机会做他的一个录像作品“As It LAys”系列的一个部分，采访到了陈冠希先生。我们的导览可以从亚历克斯的作品开始谈起：

　　展览作品介绍：

艺术家：亚历克斯·以色列

亚历克斯·以色列作品

亚历克斯·以色列作品

亚历克斯·以色列作品

　　田霏宇：亚历克斯·以色列作品是这七位艺术家里边最洛杉矶的一个艺术家，他生在那儿，从洛杉矶的电影制造业，包括其流行文化中受到了大量的影响。他比较为人熟知的作品是他的一些绘画，这些绘画一般是在华纳兄弟的库房里边完成的。

　　比如说过去电影的背景版都是一些画匠画出来的，当然现在不用这些技术了，他以客户的形式把自己的创作基地设定到了华纳兄弟的库房里边，创作了大量的他叫做“平版”的绘画，其实这个就是电影业里边所说的背景板。

　　他最近比较有趣的事情是，今年春拍，他的一幅画拍到了一百万美金，虽然他才30多岁。当然他很了解艺术市场，他是耶鲁大学毕业的，在当职业艺术家之前有大概五年的时间在拍卖行、大画廊等艺术机构里面工作，也当过艺术家的助理，他父母本身也是收藏家，所以这位艺术家对整个系统的运作非常熟悉。

　　但是我们不要以为这意味着他的艺术做得不认真。其实他的实践有一个特色就是他一般有一个研究项目，他的作品会来自这里边。比如前天他采访陈冠希就是他持续在做的一个项目叫“As It LAys”，这是一个很加州的说法，如果译成中文就是随便的意思，但是他这个词LA两个字是大写的，那个项目里边他采访的是一些过去的明星，很多已经没有那么有名了，这会让我们会想到八、九十年代的一些流行文化，现在已经过时了。

　　在这个项目的采访中，他会用非常严肃的一种面貌向这些明星提一些特别普通的问题，前两天他采访陈冠希最有趣的问题可能是你去完公共厕所出来的时候会用自己的手接触到门把手吗?还有一个问题是你出国旅行的时候会不会在免税店买东西？等等这些特别细节的问题。他在实施这个项目时候画的的背景版就成为他绘画的作品，那个项目的Logo成为他的一组自画像的一个形状。

　　所以其实这次他为我们呈现的是一个大型的壁画，这个壁画当然不是他自己亲手画的，是我们从鲁美请来的一些学生很辛苦地在这儿画了大概两、三个星期，这期间所有跟艺术家的沟通都是通过邮件。我们所看到的这些图像都是来自于华纳兄弟制片厂的外景，比如说明星的房车，有一些道具，当然还有一些最日常的棕榈树，打造了一个比较有气氛的一种场景。

　　他的这种方式我们也可以在洛杉矶的概念艺术家里边看到前例，就是请了一些画广告牌的画家帮他完成作品，比如说John Baldessari在七十年代做了一组绘画就是请了一些画广告牌的画家帮他画的，然后把他们的名字写上去，这样的艺术某种程度上是最观念的，因为完全离开了艺术家的亲手操作。他下一个项目想做一个关于冲浪的电影，专门给少年大概高中生这种级别的做的，从这个里面开发一系列的产品，或者艺术品，某种程度上跟上海的没顶公司有点儿类似，都是在以一种又批判又关怀的态度思考消费文化以及艺术市场之间的一个关系。我们也觉得放在这儿特别合适，大家来到一个叫做洛杉矶计划的展览，可能一进来就可以看到这么洛杉矶的一个场景，会觉得来对地方了，越往里走可能跟城市的关系脱离得越远。

艺术家：凯瑟琳·安德鲁斯

凯瑟琳·安德鲁斯作品

凯瑟琳·安德鲁斯作品

凯瑟琳·安德鲁斯作品

　　田霏宇：凯瑟琳·安德鲁斯的作品也是跟好莱坞有关的，但是可能从另外一个层面：是跟好莱坞如何制造现实去进行交流的。这次她的作品：墙上的壁纸图像：是来自于1967年美国特别有名的一个电影叫《毕业生》，那个电影讲的是一个大学刚毕业的学生回到洛杉矶他的老家，突然跟他青梅竹马的一个小朋友的妈妈发生了一种关系。在电影史里边艺术家表现的这个这个场景是非常著名的，事实上这只腿已经不是这个演员本身的，而是一个替身演员，他又把这个场景做到了他的工作室里面，男主角换上了一个华裔的美国小男孩，做成男主角的角色，其实是在多层次地挑战现实和模仿之间的关系。

　　另外，展厅里面的这些雕塑其实也是，我们看到的小丑，是美国四、五十年代非常红的一个儿童的卡通的人物，现在已经不是特别常见了，但是图片的版权还是存在的，可以通过官方的法律的流程把这个图片授权过来，然后把它做成一些雕塑，这些雕塑其实是有两个形态，我们现在看到的是上面放的是长腿凳子，但是也有一种形态是中间会站一个演员，那个演员也是一个光头跟小丑一样，他的头会从中间凸出来。

　　后面也有一幅画，是一个收藏证书，证明的是美国那个演员汤姆克鲁斯在“Mission: Impossible II”电影里面穿的黑T恤，被他本人收藏了。但是证书上印的是一个白T恤，我们想到的也是像马格里特超现实主义的一副作品：“这不是烟斗”这样的一个事情，他从好莱坞的流行文化抽出来一些跟观念艺术、跟符号学有关的艺术题材进行探索。

艺术家：莱恩－特里卡丁

莱恩－特里卡丁作品

莱恩－特里卡丁作品

莱恩－特里卡丁作品

　　田霏宇：莱恩－特里卡丁是最近比较活跃的一个年轻的做录像的艺术家，他现在年纪大概为34岁，而且前两天刚在柏林的一个艺术中心开了一个巨大的个展。我们在这里呈现的是他几年前的一个系列录像“Any Ever”，这可能是他第一套真正成熟的录像，里边探索的是可以说是在一个网络的时代，信息传达的速度对人的思考能力，语言方式，以及对性别的认可的所带来的一些问题。他的这些对身份，对自我认可，对友谊、感情，包括这种性别的一些探索可能是比较有普遍性价值的。

　　其实有一个特色是：他的录像一定是要在他所设定好的一个空间里边去展现，所以我们这里用了大量的努力，加了一层地板，给每一件录像搭配一组家具，比如这里是沙发，那边是开会的桌子，那边又是飞机上的座椅，形成了他叫做雕塑剧场这么一种形状的东西，他的拍摄过程和他的对录像的认知其实是可以连续到加州非常强厚的这么一个录像艺术的传统。

　　我说的录像艺术不是电影的录像，说的是艺术家的录像，早在六十年代加州艺术学院就买了二十台第一代录像的摄像机，从大概六、七十年代就有艺术家做录像的一个传统。现在完全是用电脑编制的。

艺术家：卡里·厄普森

卡里·厄普森作品

卡里·厄普森作品

卡里·厄普森作品

　　田霏宇：卡里·厄普森，是一个女性的艺术家，她主要的创作媒介是雕塑，这些雕塑看上去像一些家庭日用的一些家具，但她其实是用了一个很特殊的制造过程。我们看到这些很丰富的颜色，其实是通过硅胶做成的，而不是后来画上去的。其实这些背后有很多研究和思想，她在读她的硕士的时候对她小时候的一个邻居叫莱瑞这么一个半现实、半小说的一个人物开始感兴趣，想象出了他很多生活中的一些日常的细节，他对美国的这种室内的很压抑的感觉特别感兴趣，也包括特别是08年以后美国的金融危机有大量的房子空出来了，还不了款了，所以他开始对这些进行研究。比如说在美国，如果在路上，在户外看到一个沙发会觉得这个区不是一个很好的地方，所以这些可能是我们周围最日常的东西，但他们其实一旦成为符号也可以带有一种很强烈的文化符号。

艺术家：斯特林·鲁比

斯特林·鲁比作品

斯特林·鲁比作品

斯特林·鲁比作品

　　田霏宇：斯特林·鲁比可能是中国观众最熟悉的一位艺术家，因为他其实很早，大约08年就在尤伦斯进行的一个展览，后来11年在佩斯北京做过一个大型的个展。他最知名的一点是可以用各种媒介进行他的艺术思考，而且他这个思考可能很多是跟美国的一种不稳定的状态有关系。特别是在小布什后期的这么一个文化和地缘政治的时代。

　　他这些雕塑用的是一种人造橡胶，都是从上面一滴一滴滴下来，形成了一种像石头，但是又呼唤着杰克逊·波洛克在撒颜料的一种过程，形成了一种纪念碑式的雕塑作品。墙上的两幅画上是一个大国旗，可能中国观众不会一眼就看出来，但是左上角有一个蓝白的一块，这个就是用一种漂白剂做出来的。左右两边有两组画，其实不是油画，是喷的，出现在涂鸦中的颜料，他最早在洛杉矶成立工作室的时候，对这个地区不停地在观察，看到一些人天天会先画上一组小涂鸦，又被城管刷掉，又来画，在实体环境里的一些变化启发他的一些艺术的思考，后来做成了30多米长的这么一组现在看来也呼唤着莫奈的这种水帘，其实探索的是一个持续性的一种地平线的这么一种通过不同的颜色和质感的处理做出来的一个非常庞大的艺术上的探索。

艺术家：阿龙·柯里

阿龙·柯里作品

阿龙·柯里作品

　　田霏宇：阿龙·柯里可能是最为传统的一个雕塑家，在他的雕塑中可以看到很多来自现代主义一种视觉传统的信息，如果走进他的工作室也会看到他不停地在创作一些类似毕加索、卡尔达过去大师的一些作品，他也是希望可以从中找到一种自己的视觉语言和视觉上的一种快感。其实他做了大量的雕塑是金属的，我们大堂里面也看到有两件，但这次展出的是木头的，他会直接在这些雕塑上进行绘画，同时这些雕塑也不是简简单单地布置在一种白立方式的空间里边，整个这个空间其实是有来自于他的工作室的一些卡纸贴满的，这些卡纸上可以看到他做出的一些绘画的手势，也可以看到一些日常生活像易拉罐、其他的卡纸这样的痕迹，最后这么普通的材料从洛杉矶运过来的，通过这种很细心的一个布展的过程，给这些雕塑做出了一个像信封一样的空间，形成了一个墙体和地面之间的一种很丰富的关系。

　　他的工作室就在最著名的好莱坞的那个山下面，我第一次看到那座山也是去他工作室的路上，其实也就是他的家里，是二十世纪初期的那种算是豪宅的房子，所以他会铺很多这样的卡纸，不把地板弄脏，后来他把这个当作一种灵感，你可以看到有他的脚印，也有一些是完全清白的，没有任何的痕迹，但是这样的一个呈现的逻辑，又跟这个地方本身很契合。

艺术家：马修·莫纳汉

马修·莫纳汉作品

马修·莫纳汉作品

马修·莫纳汉作品

　　田霏宇：马修·莫纳汉在这几位里边，他可能是对所谓的古典艺术或者是艺术最在乎或者是最了解的一位艺术家。其实他是一个雕塑家，但是他会希望可以通过做雕塑的这么一个古典的过程把他的创作过程放出来给大家看。比如我们看到的这些雕塑，其实是他最早在一些海绵里边做的，最后翻铜。这次展览中间有一个非常大的雕塑是其他三个雕塑不同的成份重新组装起来的。

　　另外他这几幅画作的做法也很特别，一开始会在一张非常长的长卷一样的纸上直直地画出来，画完了拍、切、重新组装，把他自己辛辛苦苦画出来的东西又切，再找一种组装的方式，拼接成一幅新的作品。

　　还有一组叫做兵马俑的这几件绘画作品里边，是因为他02、03年在中国住过一段时间，在厦门的欧洲艺术中心，这组绘画的做法是先在纸张上涂满一层白色的颜料，再涂一层黑色的颜料，等他们在干和湿之间一种很完美的状态下再折叠出来，用一个日常的刀叉在背面开始做出一些线条。这个其实是来自于文艺复兴的一种做雕刻的方式，包括怎么去再现运动、行动的一些视觉的逻辑，其实都会在他的这些作品里面有一种新的体现。