【雅昌带你看展览第375期】Inside China中法艺术家联展

2014-10-20 11:58:46 彭菲

东京宫外景

　　10月19日晚6点，Inside China中法艺术家联展在巴黎东京宫举行。本次展览展由巴黎东京宫策展人Jo-ey Tang和国内著名策展人王春辰联合策展，展出了NADAR、Renaud Jerey、Aude Pariset、李钢、Edwin Lo、于吉、赵要、吴昊的绘画、装置、声音、雕塑等作品。本次展览是K11 Art Foundation和巴黎东京宫首次携手策划的展览，展期持续至明年1月11日。展览结束后，作品将在香港(2015年3月)和上海(2015年5月)进行巡展。据策展人Jo-ey Tang介绍，届时展览将可能增加新的艺术家以及作品。

　　Inside China中法艺术家联展现场

　　本期导览人：K11艺术基金会创始人郑志刚，艺术家吴昊、于吉、李钢。

　　郑志刚：本次展览聚集了8位艺术家的作品，我们想借此展示中法艺术家的声音与态度。我们与巴黎东京宫合作的原因，是因为K11艺术基金会（KAF)与巴黎东京宫都是以孵化新锐艺术家为主的，我们都在试图建立一个新的艺术生态。东京宫的视野是国际化的，而我们主要是支持中国艺术家，并且将他们推至国际舞台。因此，和东京宫的合作是一种缘分。

　　Inside China的构想，始于法国20世纪非常著名的摄影艺术家NADAR，这位艺术家拍了很多热气球里面的空间，你从中能感受到气球内部仿佛是一个“无人之地”，这种格调给策展人提供了方向：我们想要呈现大家没有见过的新作品。坦白说，国内最常见的作品都来自于非常著名的艺术家，他们的确是非常出色，但随着时代的变化，新锐艺术家表达哪些观念，他们如何看待世界，变得非常重要。另外，Jo-ey Tang与王春辰是一起选择中国艺术家的，这种方式确保了本次展出的是大家没有见过的中国艺术新势力。

吴昊作品

　　吴昊：我以“门”为载体进行创作，这一系列的作品都是现成的门，基本是我在武汉找到的。选择“门”是因为它最符合我个人的感情输出。本来是可以用平面绘画来表达的,但我还是觉得它应该以实体来呈现。当然要选择合适的门也不简单，首先要考虑它的位置和年代，另一方面要考量最后的视觉效果。我找到合适的门后，会和店主进行沟通，他们的门给我以后我给他们换一个新的。但还是很多人不愿意相信给我。一般来说只要一条街上有一位相信我，之后就会比较容易。在换门的过程中，我会拍摄一些照片和视频作以记录。

吴昊作品

　　吴昊：这是我在武汉、上海、香港收集的水痕。比如我们喝咖啡时，放置3天后会有水痕出现。做这个系列的作品时，我会将制作水痕的方式写成一个方案，发送到武汉、上海、香港，通过与K11合作，做工作坊来收集这些作品。对于这个系列的思考，我最开始是想做大作品的分支，这样可以突出系列的延展性，后来，我想到可以收集三地的时间。通过收集的过程，我发现三地的不同特征。这让我觉得这系列作品的信息量超过我的预设，它不仅仅是收集时间，更是城市特征的反馈。比如武汉这块，我主要向朋友征集，他们其实不愿意做这件事，我发现这件事后会改变我们的关系，因此每一件作品都和作者有联系，像一个ID一样。上海这里主要靠K11员工内部的收集，我在workshop里面教他们，其实我没有想过要固定用某种容器(比如杯子)或者某种材料来完成，可能我演示的时候用杯子。有别于大陆地区，香港的特别之处是，很多参与者愿意拿走自己的作品。因为我曾和他们说，这些作品展示完毕后你可以拿回去，香港的参与者基本都将自己作品带回家，而且他们会在容器内画画，自我意识比较强烈。

于吉作品

　　于吉：这是我2006开始创作的作品，做了两年名字叫《公共空间》，这个系列目前做了5件，前面几件是方形的，最后一件是半圆形的，目前在上海余德耀美术馆展出。我对建筑很感兴趣，包括基础材料，建筑的比例结构等。这一系列主要尝试构造脆弱的、无用的、易碎的空间，制作时参考了中国各大城市早期的、破旧的、半开放式的公共厕所。我相信我们都对此有着各自的视觉和身体经验。这就是最早触动我做这一系列的想法。作品里面每一个方形的石膏，都是我手工做的。这些小方块是按一个尺寸做的，但它毕竟不是批量生产，所以每个方块不是非常标准，有歪歪扭扭、似乎破破烂烂的样子，但是这是我想表达的空间特性。

　　我可能是这次在展厅呆得最久的一位了。我10天前到了现场，在地上完成了这件作品，你看到地上的碎片，是我在搭建公共空间时，在地面留下的痕迹。这些上万的小方块是我搭建空间的主要材料。

于吉作品

　　于吉:两根柱子上悬置的作品是另一个系列，是水泥做的，目前有5件。展出的两件具象雕塑是我目前比较重要的研究课题，关于人的身体，关于传统雕塑语言如何在当下的语境下继续发展。现在多媒体艺术越来越受到关注，像雕塑似乎回到特别传统、特别闭塞的一个语境里。大家开始更愿意说是装置，而不是雕塑。我自己受传统的东方雕塑影响很大，因此这部分作品是我在对传统雕塑学习之后的一次创作，会继续延续下去。

李钢作品

　　李钢：这件作品和我的生活有关。我来自云南大理的一个偏僻的村庄，四、五年没有回家，我发现农村的变化非常大，很多农地已成为新修的高速路，每家有很多新的汽车，其实我们不知道这些高速路在农村起到什么作用，这很奇怪。因此，我觉得应该把农村城市化的现象用作品传递给大家。经过思索，我决定从城市典型的特征“汽车”入手。因此，我和几位助手在农村新修的高速路上，找那些停在路两边的车，我的一位助手会给司机递烟，获得许可后，我们用一根勺子，在汽车排气管里，将尾气燃烧后的炭物质挖出来，最终用它做了一条墨块。我一共做了两条墨块，本次展出的这盒，收集了三个多星期，用1000多辆汽车的尾气制作的。

　　另外，我通过几道工序，将另一条墨块转换为墙面上的作品，文字的部分就是本次展览的名字“INSIDE CHINA”(巨人之内)。

李钢作品

　　李钢：这是我的几件绘画作品，名字叫《油画的质感》。我是油画系毕业的，这组作品是我想要“往回看”、“往源头看”的体现。你们看到的画面内容，是我放大了以前作品的局部。做这批作品前，我意识到自己对油画有两个误区。一是我会找一个内容，用不同的方式去画，另一个我会强调内容本身，比如我画的是消费、还是政治等。我会被这两点左右，会无法突破。因此，我在想，我最初学油画的原因是什么?得到答案后就豁然开朗。我喜欢油画颜料和画布咬合的那种质感，因此我决定放弃之前两个习惯，来看油画的形成。因此，我用黄麻麻绳，手工织油画画布，再把自己先前作品的局部放大，最终形成这个系列。我自己织一块画布，大致要2个月，将方法教给云南女工后，基本一个月完成一块花布。目前，这个系列将作为我主要的脉络来进行探索。

　　这个系列的第一件作品，是我根据一张作品的纹理进行创作，但我发现这样会陷入一个误区，我会把放大的局部当作我艺术的灵魂，但其实不是，放大只是我的一个手段，强调质感才是重要的。另外，最早我选择的原作是一张俄罗斯画家的作品，但朋友看过后，会问我为什么会选择艺术史上的人物，作品的内涵是否和艺术史相关，因此我觉得这种选择会削弱我的本意。

　　两个月前，我在瑞士做了个展，也展出部分油画作品。我当时展的方式是直接挂在墙上，Jo-ey去看了那个展后，他评价说我的作品在讨论油画的质感，就不能只用平面来呈现，因此他建议我悬挂起来，正面反面都给观众看。