编者按：2015年3月13日，第三届香港巴塞尔艺术展在香港会议展览中心拉开帷幕。本届香港巴塞尔艺术展吸引全球37个不同国家、地区，共233间顶级画廊齐聚香江，内容横跨二十世纪初的现代，至近期的当代作品。参展画廊中有一半在亚洲或亚太地区拥有展览空间。雅昌艺术网继续为您提供海量现场图：

　　本期的【香港巴塞尔直通车-图集】，我们来到了Mai 36画廊（Mai 36 Galerie）。来自瑞士苏黎世的Mai 36画廊带来的艺术家有约翰•巴尔萨代里(John Baldessari )、劳伦斯•维纳(Laurence Weiner)、托马斯•鲁夫(Thomas Ruff)、罗伯特•梅普尔索普(Robert Mapplethorpe)、弗兰兹•阿克曼(Franz Ackermann)、于尔根•德雷舍(Jürgen Drescher)等。

Mai 36画廊位于“画廊荟萃”区1D44号展位

展厅空间内放置了很多概念艺术大作

JOHN BALDESSARI《Cruelty and Cowardice (with Malice)》1989，two black-and-white photographs, with vinyl paint and oil stain，2 parts, total 187 x 274.32 cm

JOHN BALDESSARI《Prima Facie (Second State): Jolly》2005，archival digital print on canvas with UV varnish coating, acrylic on canvas，2 parts, each 119.3 x 95.5 cm，framed 119.3x191cm

　　约翰·巴尔萨代里(John Baldessari )一向被认为是20世纪60年代概念艺术运动的核心人物。作品表现形式多样，画作、摄影、影像、书籍、印刷、雕塑、装置等。他曾在2009年的威尼斯双年展上获得金狮终身成就奖。

　　这位传奇艺术家最震惊四座的是他1970年烧毁了自己1953年至1966年间的所有创作，并把灰烬保存在一个书型的铜质骨灰盒中。从此，他转而关注摄影性的作品，截取电影的画面，搜索大量图片库，开始对游戏、文字式画作以及摄影进行试验，以探索视觉文化的语言，以及图像和文字之间的关系，最终创作出他著名的照片蒙太奇。

　　语言是巴尔萨代里终身的探索，无论是从文字的意义，还是视觉的感受。这一点不仅表现在他的作品创作，而且在他的艺术教学中，也至关重要。他30多年的执教生涯，影响并培育几代艺术家，包括辛迪·希尔曼、大卫·萨利、巴巴拉·克鲁格等，被誉为“概念艺术之父”。巴尔萨代里的作品幽默、讽刺，就像他最经典的“我再也不做无聊的艺术”，作品中他不断重复书写“我再也不做无聊的艺术”这句话，本身既是概念艺术的表达，也是对概念艺术的自嘲。

LAWRENCE WEINER《IN & OUT OF PLACE CARRIED BY ITS OWN WEIGHT》2011cat. no. 1047, language and materials referred todimensions variable

　　劳伦斯·维纳（Laurence Weiner）是当代艺术最具影响力的代表人物之一。他于1968年发表的《艺术宣言》：“1. 艺术家可构想作品，2. 作品可被制作出来，3. 作品无须实现”，曾一度作为现代主义晚期概念化潮流的“三句箴言”。他最早主张“艺术之实体存在足够传达概念即可”，是概念艺术史上的中坚人物。尽管他本人很反感“概念艺术”一词，他仍然被公认为概念艺术开创人物之一。1969年劳伦斯·维纳在瑞士伯尔尼的展览“态度决定形式”及同年在荷兰阿姆斯特丹的系列展览至今仍然是展览史的传奇。

　　半个世纪以来，他创作的文字被印到过从哈利法克斯到香港等城市的墙上和公共建筑上，也曾出现在从北京到墨西哥城的画廊中。它们或是被鹅卵石拼出来，或是印刷在啤酒杯垫上，或是被浇铸成铁制的井盖，或是作为一段歌词被某个西方乡村乐队唱出来。这些含义模糊但又颇具暗示味道的短语以一种人们一眼就能辨识出来的实用而又优雅的字型表现出来，同时在空间、诗意或是政治的层面上发挥着作用。它们通常会让人想到形成过程和客观环境，但同时又给想象留足了空间——比如位于瑞士苏黎世的“去往湖边”以及奥地利维也纳的“寂静的深夜，撕成碎片”。

　　劳伦斯·维纳坚持认为这个世界的物质始终是其作品的中心。他将自己的艺术界定为“表现了人与物体的关系、物体与涉及到人类的物体的关系”。他不断地尝试用各种方式来表现物质之间的关系、它们的形成过程和状态，以及他对空间和结构搭建的阐释。并且强调“艺术在本质上来说就是材料与物体之间的物质关系”。

　　近日，劳伦斯·维纳被授予哈夫特门奖(Roswitha Haftmann Prize)，评审委员会认为“劳伦斯·维纳的作品创造了一种全新的艺术形式，同时也培养了一种截然不同的观看方式。”

　　我之所以选择语言和其它一些材料作为我的创作原料，是因为这样能使每一件作品都给人们带来新的含义。语言是不那么固定的——它与物体的联系总是有一种不完整性，或者说是部分的表现。当我们的文化发展时，作品的意义也随之改变。否则我们的文化就面临衰退了。——劳伦斯·维纳

MICHEL PÉREZ POLLO《Red Buda》2014，oil on canvas，image 199.6 x 198.5 cm

　　麦克·佩瑞兹·保罗(Michel Perez Pollo)的绘画天真，像儿童一般笨拙。这样的目的是避免绘画准确性对艺术本质表达的影响。他绘画的原型通常是模型陶土制成的人物或者物体，在画面中，他将它们放大或者夸张变形。佩瑞兹关注人类本质的生存状态，以及人与人之间的相互依存。对于日益普遍的、空洞的社会学批评，他没有兴趣。

JURGEN DRESCHER《Dian Fossey/Gorilla》2008,aluminium, wax casting,Dian 47x41x40cm,Gorilla 86x77x49cm

JURGEN DRESCHER《Dschedschadschu/Nedschadschok》2007-2009,plaster,moulding 5319,O.Finsch,ca.1880 Public Replica Workshop,Berlin.2 parts,each 32.7x21.7x11cm

　　于尔根·德雷舍(JURGEN DRESCHER）探索当代社会生活中人类的生存状态。他的作品以夸张的雕塑语言再现人们的日常生活用品，备受关注。在作品中，他依然质疑艺术在社会政治方面的潜在价值，并且总是试图对于物体、世界政治及全球化的现状相关的标准视角进行讨论。展览中找到我们所熟悉的日常生活用品的模具和形象，但是它们会让人们产生联想，有时让人羞愧、不安或是好奇;同时又使我们面对了因为自身的认知(或缺乏认知)或是偏见而产生的成见。

ROBERT MAPPLETHORPE《Dennis Speight》1983，vintage silver gelatin print，edition of 10 + 2 AP, AP 1/2，image 48.7 x 38.8 cm，framed 73.5 x 59.7 x 2.5 cm

ROBERT MAPPLETHORPE 《R M Glass Collection》1984，silver gelatin print，edition of 10 + 2 AP, ed. 9/10，image 38.4 x 38 cm，framed 62.6 x 59.7 x 2.6 cm

ROBERT MAPPLETHORPE《Flower》1985，silver gelatin print，edition of 10 + 2 AP, ed. 4/10 image 38.5 x 38 cm，framed 63.5 x 58.8 cm

 　　罗伯特•梅普尔索普（ROBERT MAPPLETHORPE），执着于美的极致的探索和追求，在20世纪纷繁变化的摄影界独占鳌头。他的人体摄影风格优雅，构图严谨，画面构成比例、人体姿势安排、造型、用光等方面均有严密的考虑，具有独特的雕塑感。梅普尔索普直接大胆表现两性裸体和性行为招致众人的愤怒；同时他镜头下惊人美丽的鲜花，日本插花般单纯的美感，让世人如痴如醉。

THOMAS RUFF《r.phg.06_I》2013，c-print，edition of 4 + 1 AP, ed. 2/4，framed 240 x 185 cm

　　托马斯·鲁夫(THOMAS RUFF)他的作品系列非常多，涉及建筑摄影、新闻摄影、人像、天文学、情色照片等诸多系列。每个系列又各有特点，所以很难说有哪一系列最能代表他的风格。鲁夫对传统或新兴图像媒体技术具有强烈的探索欲望，可能是摄影界最早使用数字图像技术的艺术家之一。

FRANZ ACKERMANN《Busy Harbour》2006，oil on canvas，135.5x175.5cm

　　弗兰兹·阿克曼（FRANZ ACKERMANN）的作品反映了全球化的社会进程中，人类在小城市、国际大都市、边远闭塞地区、政治经济中心之间的游牧式的迁徙生活。阿克曼采用多元化的视角，把不同地域的印象融合在作品上，把旅行中所见所闻的城市景观和内在的心灵感触描绘出来。在艺术中对都市环境空间进行了浓墨重彩的渲染，零碎的建筑片段散落在画面中提供了令人眼花缭乱的多重视角，咫尺的画幅隐喻着现代化进程中的繁荣和隐忧。

　　（本文部分文字由Mai 36画廊的唐胜提供。）