核心提示：作为中国大写意花鸟的代表画家之一，霍春阳属于与众不同的一位。他数十年的求艺经历专注于“画外之功”，研习传统儒学经典，以此养育花鸟画创作。3月20日晚，《一花一世界——霍春阳新春花鸟画展》在广州南岸至尚美术馆开幕，展览展出霍春阳兰、竹、荷等三个系列的作品共四十张，展览分“花开见兰”、“湘妃抚琴”、“拈花吃茶”三个主题，全面体现了他对中国传统文化的独到见解，这也是霍春阳在广州举办的首个展览。

　　霍春阳对文人画的传承有深入思考，他发表“春阳九辩”在美术界颇具影响。他尤其推崇中国画人文精神的复兴，推崇在绘画中体现“中和境界，大中至和、至高无上”的君子之气。在传统的深厚滋养下，他的绘画形成了萧疏淡雅、意蕴博大的审美风格。其独创“揉墨法”，以揉墨求厚，锋芒不外露，求空灵意境。日前，他在广州接受了南方日报记者专访，畅述数十年对人文画、花鸟画研习的心得体悟。

　　谈写意

　　宋元绘画“肃庄气”是高峰

　　南方日报：如今在各类美展中，涌现出越来越多的工笔花鸟作品，您作为知名写意花鸟画家，对此怎么看?

　　霍春阳：近几年美术理论界出现了一些苍白的论点，有人提出“中国画穷途末路”“笔墨等于零”“白话水墨”等话题，这说明中国画在精神上没有定力和消化力了。时下所谓流行的一些工笔画，其实一部分是肤浅的，他们所谓的面向生活，就是描摹生活，艺术品没有了，境界上显现出了苍白之气。

　　在我看来，许多画家用大量的时间到生活里去浅层写生，还不如用大量的时间去修身。可以说，写生是给一部分懒人、不动脑筋的人提供了方便，往往在这样浅层次的写生里，只是看到表面的生活，发现不了生活的真谛，其结果就是画面中“气味不足”。

　　南方日报：您认为中国花鸟画应接续传统，您对历代花鸟画有怎样的品读?

　　霍春阳：我认为宋元绘画是最高峰，因为有正气、肃庄气，有庙堂气象，是可以登大雅之堂的。它有一种平和的气息，其内在体现出中国传统文化的优点。例如画工笔的赵佶，画写意的苏东坡、文同、米友仁，包括宋末元初的钱选、柯九思，以及“元四家”吴镇、黄公望、倪云林等等，我认为，他们绘画中的精神内涵很丰厚，有堂堂正正的气象，不只是小情趣的展现，里面蕴含着远大、中正的气象。

　　在我看来，之后明代的水墨大写意花鸟画代表人物“青藤白阳”等开始走下坡，徐青藤偏于孤野。再后来的石涛、八大山人、扬州八怪，都不及宋元绘画的高峰。我推崇的是画中的君子之气，就是儒家所说的君子气，要温文尔雅、堂堂正正。

　　南方日报：您重视笔力，从“瘦硬”中悟出了“瘦劲”，完成了一次用笔从“力”到“韵”的转变。能否讲讲花鸟画所求的“韵”?

　　霍春阳：我认为，画要得之于“象外”，这就是韵。绘画要产生意味，只能靠精神的滋养。如孟子所说：“充实之谓美，充实而有光辉之谓大。”充实内在，到达平和心，画中的意味就足了，由此才能放光，才能养育人的心灵。所以我一直强调，画家“修身养性”的过程很重要。

　　谈路径

　　厚积薄发才能成为大家

　　南方日报：1976年，在中国首届美术双庆展中，您与老师孙其峰合作《山花烂漫》一举成名，但之后您似乎将“修身”、研读国学作为自己的目标，与大多数画家走了截然不同的路。这是为什么?

　　霍春阳：我20多岁留在天津美术学院任教以后，第一篇论文写的是《大家成功的内在基因》。据我的分析，古往今来凡是有大成就的画家，都是文化底蕴深厚的人。当时我发现周围的很多画家老了以后似乎江郎才尽了。尽管一时间冒火花，但没有底蕴，老了之后才气就支撑不住了。当时我就悟出一个道理，要想成为大家，必须厚积薄发。

　　1978年，我被调往文化部中国画创作组。我在北京一边创作、一边学习，我接触了汤一介先生开始学习国学，收益很大。也正是从那时候开始，我开始读梁漱溟先生的书，接触他的思想。我回到天津后，又进入南开大学修读文学史课，学习《文心雕龙》。当时我就想到，十年二十年后我才开花，虽花开较晚，但一旦开放就要将别人远远丢在身后。

　　南方日报：为什么一个画家要讲究“修身养性”和个人修为，花数十年时间做“画外功”的目的是什么?

　　霍春阳：画画究竟是为了什么?还有哪些画家会问道?现在大部分画家只是追求技巧，追求画得像，却离传统文化的根基越来越远。孔子认为的学习路径是，要向道德高尚的人学习，以此熏染自己陶冶自己，在人格修为完善的基础上再学文。因为这样才知道什么是大道，才能解决我们认知论的问题。

　　在我的艺术历程中，孙其峰先生将我领入国画的传统大门，我没有走偏。之后主要靠自学，大量时间用于“画外功”的修炼。孔孟所讲的君子“修身之道”不断内化，融入画中，然后吸收老庄思想中“蝶我两化、物我相忘”的境界，以求在绘画中达到物我融为一体的境界，我就是物，物就是我，以求大化之境。

　　谈求新

　　追求画中不变的“中正之气”

　　南方日报：您如何看待当下的实验水墨，以及花鸟画的种种求新之举?

　　霍春阳：我认为，不要一味求新。某个层面上看，国画艺术的发展不存在创新问题，只争取在继承的深度和广度上再诚恳一些罢了。在我看来，最本质的内在才最为长久，往往它又是不变的。花鸟画所追求的“神韵”、“静”、“气”，是看不见摸不着的，这才是真正的本质。

　　画家应该尽量充实自己，养育自己，尊重自己的天性，完善自己的直觉。你要有求新思想，往往就已经不纯正了。所谓的“新”，应该是清新，自然而然得来。

　　我尤其推崇米友仁的《潇湘奇观图》，图中的烟云是真正从内心生发出来的，是畅达而出的胸中自然，这一点尤其难。正所谓“一花一世界、一叶一菩提”，无论画山水还是花鸟，关键是画中的境界，取决于画家认识事物的程度。要看你能不能在画一片叶子的时候，把它当做一片云、当做一片水来画，要看你的画是不是受物象的束缚。

　　画画不一定服从物理，但要服从画理。“遗貌而取神，情动而形移”，情和神应该居于绘画的主导地位，有什么样的“神”再立什么样的象，至于画什么，无关重要。花鸟画的实质也就是追求意象和精神，追求正大气象。