这些影像是作者在前往西藏的朝圣之路上的印象片断。他以一个艺术家的视角，用简洁至极的构图和色彩给我们展示出一个不同以往的西藏……

 

　　1869年，英国摄影家HP罗宾森在《摄影的画意效果》一书中提出：“摄影技术上的改良并非等于艺术上的前进。摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。”在此，“深入的艺术认识”可以理解为对摄影中的绘画因素的追求和把握。纵观西方摄影艺术的发展历史，可以看到其与绘画艺术的发展息息相关。从绘画主义摄影、印象派摄影到达达派摄影、超现实主义摄影，都带有鲜明的西方绘画流派的印记。虽然写实主义摄影仍然是摄影艺术的主要流派，但追求摄影艺术的画意，追求摄影作品的情感、意境和形式美，一直是西方摄影家长久追求的目标。

　　绘画中所积淀的人类视觉和审美的经验，无疑是摄影所能继承的最宝贵财富，因此早期的许多摄影家都是由画家转变而来。绘画的发展体现了人类以视觉来认知世界方式的不断进步过程，即追求形式之美的过程。人类原始社会时期的美术创作都以线为主，形式感很强。但这种形式感是稚嫩和被动、不自觉的，如法国拉斯科洞穴壁画和中国原始岩画。其后，中国画在上千年的发展中一直保持着以线造型的特点，没有放弃对形式美的追寻，并不断完善。而西画则从古希腊时期开始走向模拟客观的路径。尤其自文艺复兴时期始，透视学与解剖学的发展使西画再现自然的能力极大提高，题材和内容成为西画的重心。然而自印象派之后，西画开始主动地探索画面的形式之美，如塞尚、毕加索、马蒂斯等人；至康定斯基和蒙德里安的抽象艺术达到极端。

　　形式美是人类视觉认知世界方式的经验集成。它就是将丰富而繁乱的自然万象归纳为点、线、面、色四大因素，然后在画面中运用人类的审美经验，将这四大因素进行各种搭配和组合，从而形成风格、审美各异的作品。形式美的存在价值和意义，就是其可以在平面上再造一个“第二自然”。它是真实自然的集中和强化。所以吴冠中先生曾振臂高呼：“形式就是美”。

 

　　在国内，虽然摄影技术传入较早，但中国摄影艺术一直多强调纪实性与写实性。虽然有很多作品在构图、色调上呈现出一定的绘画效果，但没有明确地提出画意摄影的概念。从吴晓鹏先生的藏地影像摄影作品中，我明确地发现了其中的“画意”，也就是对形式美的积极主动地探求。他将关注点放在对自然景象的大胆取舍方面。他总是努力地在寻找自然物所形成的点、线、面、色的组合，寻找其中的节奏、虚实关系，或者强烈的反复与排比。有的作品呈现空灵润透的水墨效果，有的作品呈现厚实凝重的油画效果。欣赏他的摄影，如同在品味绝佳的绘画：那水波的处理，像极了马远的网巾纹水；斑驳岩石与净洁白雪的交融，枯枝与雪山的互为映衬，又是活生生的水墨山水画；红山与蓝天的大面积对比，具有古典油画的厚重感；夕阳下的“之”字形逶迤山脉，构成了一幅现代派油画；而光影变幻又使得赭红色的山坡仿佛旋转起来，颇具抽象的宇宙境界，使人心胸跌宕不平。但是还可以看到，他非常精当地把握着摄影和绘画之间的“度”，他的所有影像都是现场完成，绝不用后期软件制作，没有让摄影盲从于绘画。这与西方早期绘画主义摄影家控制镜头成像、暗房加工，甚至用画笔、铅笔、橡皮在照片上加工、提出“要使作品看起来完全不象照片”等做法与主张截然不同。

 

　　摄影是一项科学发明，它对自然万物的态度是科学和理性的。它可以纤毫毕露地还原自然界的每一细节。摄影还是一门艺术，是人的情感和审美经验渗入的结果。摄影术和摄影艺术的最大区别，是后者对审美和艺术本体语言的主动探索和掌握。摄影艺术家应按照审美理想主动地剪裁自然，或“再造自然”，这应该是摄影艺术得以保持旺盛生命力的保证。

 

　　文/田荣军美术学博士陕西省美术家协会理论委员会委员