谈到绘画，西方现代派绘画的观念、意识、趣味传到我国，历史并不长，是林风眠这些先行者，从西方带回来的，是随着西方的现代科学、现代工业技术以及现代思想观念一并来到中国的。

　　绘画艺术，东方和西方都有一个相似的发展过程，都有一个原始期，没有建立起绘画法度的时期，想怎么画就怎么画，自由自在地表达，都免不了粗糙；都有一个古典期，逐步建立起了一套较完整的绘画法度。

　　中国绘画，从唐开始，宋朝到了顶峰（范宽、王希孟、张择端、董源、赵佶）。

　　西方绘画，文艺复兴开始进入高峰，到法国的达作特、安格尔是顶峰。素描学、解剖学、透视学几乎达到了尽善尽美，他们通过表现对象的光影色彩来塑造形象。

　　中国完全是另外一个体系，不表现对象的光影，而是用有浓有淡的线条和点、块（即笔墨）来表现对象。

　　古典时期的绘画艺术在形象总是尽力临摹自然对象，技法上是严谨的。而主观的任意发泄很少。

　　宋以后从元代开始，山水画就趋向于重笔墨的追求，黄公望、倪云林是代表任务；明代有些停滞，明末，徐渭开始了花鸟画的写意；清初，有更快的发展，山水中的石涛，花鸟中的八大山人、扬州八怪，都强烈地宣泄个性，把主观的意向表达与笔墨趣味，放到比描绘对象形象更重要的位置上。

　　倪云林公开说自己：逸笔草草，不求形似。说自己画的是“聊写胸中逸气耳”，对象是芦还是麻也不管了。

　　中国画有“写实”演变成“写意”，从如实摹写对象变成了主观趣味的自由挥洒。这一阶段，可不可以叫做浪漫期？这一阶段开始得早。如果从苏轼开创文人画开始，那是十一世纪下半叶。

　　从徐渭算起，是十六世纪下半叶。

　　这一阶段，一直延续至今，并未衰落，直到现在，“似与不似之间”的写意画，仍然是中国画的主流。

　　西方古典主义的衰变如果从德拉克洛瓦算起，是十九世纪上半叶。

　　如果从印象派算起，是十九世纪下半叶。

　　印象派的绘画，开始离开对对象的理解，而抓瞬间的光的感觉，主观的感受被强调了，与中国写意画一样，开始偏离古典主义。也是“似与不似”之间的浪漫期。

　　东方，似与不似的写意延绵至今，仍生命力旺盛，是主流。现代派不成为主流。

　　西方，紧紧跟着莫奈这批印象派画家之后，在十九世纪末，塞尚就开始了现代派绘画，离开对象，将光、色等手段在画布上重新组合成艺术形象，而且来势猛，种种现代派绘画一哄而起，成为主流。

　　中国画一开始就用线作为主要造型手段，不用光、不用焦点透视，这就决定了中国画不可能“太似”。但知道现在，大写意仍然不彻底抛弃对象的形，不走到“不似”。

　　古典的写意作品在这一点上与大写意只是程度上的不同而已，中国画在似与不似之间摆来摆去，一直是似与不似之间，不走极端。

　　西方古典绘画，绝对的“太似”是一个极端，一下走到另一极端：现代派——“不似”。

　　中国画的传统是什么？

　　中国人喜欢用线表现。

　　中国人尚意不尚实。

　　技法上，以点线、笔墨为造型的主要手段。

　　观念上，贵在“似与不似”之间，贵在传神。

　　具体技法和趣味各式各样、千差万别。

　　中国人总是把一门艺术变为综合艺术。如戏剧、文学、音乐、舞蹈、美术、杂技、武术，全来了。

　　中国画：把诗、文、书法、篆刻全拉进来，相辅相成。

　　中国画传统不是一个固定不变的模式，而是一个能不断吸收新因素，开放性的体系。可以不停地新陈代谢，因此中国画是活的，不会死，不会是穷途末路。

　　掌握传统，学传统，是最快最好的学习方法，站在巨人的肩上，继承优秀传统，发扬和顺应自己的个性，吸收新知识，自然会出新东西。

2006年6月9日