展览开幕现场

　　2015年10月18日，苏新平最新个展“有仪式的风景”在广东美术馆开幕，此次展览将他早期的作品《躺着的男人与远去的白马》、《木桩与马》、《宁静的小镇》、《空旷的草地》 、《网中之羊》等石版画与新近创作的《荒原》、《无题》、《八个东西》、《表情》等穿插排列呈现，试图通过隔空对话的形式，来呈现苏新平三十年来的艺术创作脉络，在学术主持黄专看来，苏新平的艺术大多是源自于关于记忆问题的思考，其艺术中个人时间与历史时间的关系不仅体现为内在与外在的抗争，还体现为现在时的“我”与过去时间中“我”的循环往复的对话。

　　而在苏新平自己看来，从事当代艺术创作三十年，是一个不断寻找自我和回归自我的过程，八十年代对于他来说是“个人很无奈的时期”，因为要独自面对整个世界，与世界是相互抗拒的;1993年到2005年前后，是个人外在化的时期，离开了自身的状态，2005年之后是寻找到自我和回归自我的时期，回归到一种很自然的状态。

广东美术馆外景

左起：深圳文联副主席梁宇、美术批评家栗宪庭、艺术家苏新平与方力钧

苏新平与艺术家方力钧、张晓刚、范勃及策展人俞可、徐钢等嘉宾合影

　　这里的自然状态是一种艺术自律的状态，苏新平以艺术超越现实的审美形式，呼唤自由，表达希望，渴求幸福，他给人们带来诸多深情的提醒，虽然有时候他对现实的描绘过分悲观了，虽然他未能给未来设定明朗的构架，但他却是表达了对实现人性自由的真真切切的关注。

　　“风景”作为“自我”的一种呈现

　　提起苏新平，在以前人们想到的会是版画，因为他在版画方面成就最大，而在当下，人们首先想到的会是“风景”，当然这里的“风景”并不是一般意义上的“风景”，而是一种人文风景或者心理风景，苏新平通过外在的景象表达的是一种内在的精神和情绪，这种精神和情绪带有艺术家的生命痕迹。

　　苏新平在谈到《风景》系列的创作时表示：“直观地说，我的风景不是现实的风景，它是人文风景、社会风景或者是心理风景，从语言角度讲风景也可以是人、静物，边界是不存在的，画人也是风景。”

荒原(局部) 纸上铅笔 2015

　　苏新平《风景》系列的创作，始于2005年之后，这也是其重要的转型期，在这一阶段他尝试了很多方式，既有纯粹的风景，也有人景结合的画面，画面的尺幅往往很大，但在后面的发展中，画面逐渐变得抽象和纯粹，叙事的元素越来越少，画面的情绪越来越浓：“早期的创作可以说是风景，社会风景、自然风景都有，还有两者柔在一起的，比如2006年—2008年的创作就是这样的，但在后来的创作中，风景与真实的风景没有太大关系，甚至为了误解，我把名字叫《灰色》，画面也变得越来越抽象，把形象都抹掉，不要具体的内容，完全是内心或者精神、思想活动的结果。”

　　之所以有这样的转变，苏新平表示：“可能与个人对艺术的认识有关系，我不太喜欢追潮流或者是思潮，更多的遵循艺术本身的规律，艺术最终是自己的事，怎么想?怎么做?纯粹是个人的角度，艺术创作永远要忠实自我内心的诉求和精神诉求，将自己在现实中的状态和处境转换为艺术的语言，这种转换是自然的流露，我比较在意这些方面，因为有这样的思路，我更自信，不会考虑到利益因素，可以进入到一种自由的状态，这时会发现搞艺术还挺幸福的。”

荒原 280×1120cm 纸上铅笔 2015

　　当然，每个身处社会的人，不被社会所影响是不可能的，要做到完全的独善其身很难，虽然依着苏新平的性格，他不会去做随大流的事情，但作为社会中的人，他还是会考虑思潮，只是身在其中还保持着思辨和选择。

　　比如九十年代初的苏新平，在版画事业越来越好的时候，转向了油画的创作，想要更加深入的介入到当代艺术的方方面面：“当时，生存还是第一位，虽然艺术是一种理想，但生存是不可回避的，到了2000年——2005年开始反思之前的创作，我发现存在很大的问题，内心始终无法平静，于是开始纠结和寻求突破，如果没有这一阶段的纠结，也就没有今天的淡然和平静。”

　　“仪式感”是一种无意识的流露

　　荒诞、虚无、仪式感、超现实等等，有很多词汇可以用在苏新平的作品中，这也是其作品丰富性的表现，然而在这些词汇中，最常出现的是“仪式”，不管是对于其八十年代版画创作的概括还是其近期创作的大尺幅风景作品，自始至终都贯穿着“仪式”的形式和内涵，然而，对于艺术家苏新平来说，作品中的“仪式”是无意识的流露而不是有意为之。

靳尚谊先生在展览现场与嘉宾们交流

　　苏新平在谈到自我作品中的仪式性时表示：“作品中的很多元素艺术家有的时候是讲不清楚的，这里的仪式是直接针对社会或者这个世界的一种敏感反映，是在面对世界时，通过感悟和心理过滤之后形成想法，在通过合理的语言将之表现出来，可能这个时候不自觉的带出了所谓的有仪式感的画面。”

中央美术学院美术馆馆长王璜生与艺术家张晓刚在讨论作品

活动现场观众在观展

活动现场观众在观展

　　虽然，在苏新平看来作品中的仪式感来源于无意识，但看过其早期的艺术经历就会发现，仪式的源头并不是无迹可寻，与艺术家的生存环境有很大的关系。

　　无奈的自我

　　苏新平从小生活在蒙古大草原，在那样的环境中，大部分时间都是自己来面对这个世界，生活通常是在想象中度过，很难面对真正的现实，因为现实太简单了，人和人的关系很简单，人与社会的关系也非常单纯，人与自然地关系凸显的比较大，等到上大学之后，要进入社会，这时候的苏新平开始真正面对现实和一些具体的问题，当到了研究生阶段，虽然之前有在社会上独立创作和生活的经验，但面对北京的环境，还是表现的无所适从。

1988 大荒原  51×64cm 石版

　　那时候的北京，在文化领域大家探讨的都是形而上的东西，流行存在主义哲学和文学，再加上草原的生活经历，苏新平的作品中自然的就流露出了很虚空的感觉，虽然在画面中呈现的是蒙古的景观，但内在表达的是艺术及自己在现实中，生存的基本状态。

1989 躺着的男人与远去的白马  62×50.5cm  石版 -2

　　比如艺术家早期的作品《对话》，表现的就是苏新平对于都市生活人性冷漠的思考：“《对话》是因为我来到大都市不适应，突然发现与邻居甚至是一个屋子的人，都没有交流的可能，人与人之间的关系是冷漠的，这是现代主义和现代社会带来的，在内蒙不可能出现这样的事情，刚来北京我很不适应，甚至想退学，就是这样的状态刺激我进行创作，所以我的创作一开始就探讨的是人与人之间的关系，我将人分为一阴一阳两部分呈现，他们相互对话，既是对外在现实的呈现，同时也是自我撕裂状态的描绘，因为当自我不能与外界沟通的时候，只能与自己对话，画面很小也很平静，但内在的力量很强大。”

1990 对话 50x65cm 石版

1992 宁静的小镇之七(寂静的小镇之七) 52×71cm 石版

　　也正是在这一时期，苏新平进入到了艺术家的状态，开始具有独立思考的意识和能力，并且用独特的语言方式和方法将思考付诸实践。 当然，除了艺术家面临的社会现实之外，整个社会大环境的影响也非常的重要，八十年代末理想主义的破灭， 社会处在一种困惑或者是无所事事的状态，不知道接下来的路该怎么走，很茫然，这个时候回望故乡是最好的选择，因为故乡的单纯和宁静正好是淡化心灵迷茫的最好方式。

　　对于这一时期的总结，苏新平在讲到时表示：“ 本科学习期间是一个阶段，本科之后到1993年是一个阶段，这一时期的创作还是比较偏向个人的，但这里的个人是无奈的，是不适应社会时候的状态，与社会的关系是紧张的抗拒的;1993年—2005年是一个大的阶段，这一阶段是自我外在化的阶段，离开了自身的状态，更多关注外界的方方面面，政治、经济、文化等等，转换到画面上就是《欲望之海》系列和《干杯》系列，都是很外在的，强调知识分子的责任感，更多是以批判现实的角度面对世界和艺术，把自己忘了。”

　　外在的自我

　　正如艺术家自己讲到的，九十年代对于中国的当代艺术来说是非常关键的时代，商业和资本的介入使得中国的当代艺术可以走出国门，被世界所认识和接受，取得自身的合法性，艺术家在这个过程中不仅仅获得了身份和地位，还有商业的成功，面临着商业和话语权的双重限制，又有多少艺术家可以在其中独善其身，苏新平也自然是其中之一，用他自己的话来讲就是这一时期的创作他将“自己忘了”。

　　苏新平在谈到这一时期的创作时讲到：“看看《欲望之海》或者是《干杯》的描述就知道了，中国社会的急剧变化，对于其他任何一个国家、民族的人来说都很难适应，被大潮推着走，社会的转型渗透到生活的方方面面，进而影响你的心理、精神，这种剧烈的变化必然会带来艺术上的变化，所以我的转型也非常剧烈。”

《欲望之海9号》

　　虽然被时代裹挟这前进，但并不代表艺术家没有自己的思辨能力：“九十年代前期是社会形态的转变，后期是市场环境的转变，在这其中，前期我完成了对于当代艺术的理解，后期则完成了对于商业的认识，我不排斥商业，但让商业影响了思想或者艺术实践就是问题，虽然对这两者有认识，但在大的潮流当中很难独善其身，这也使得我的内心始终处于一种飘浮的状态，正是源自内心的这点挣扎，我开始追问，重新认识自己，追寻自我背后的文化，不断地向源头去探寻，于是就有了后面的《风景》系列，创作时从局部入手，更在意笔触在画布上的感觉，回归到艺术的本体去思考和实践，在这样的过程中，慢慢的找回了自我，回归到一种自然的状态。”

　　艺术的自律与自我的回归

　　通过苏新平的创作脉络我们可以看到，他的艺术实践是一个不断突破和建立的过程，同时也是一个不断认识和实现自我的过程，通过艺术他实现了自我内心的平和与安宁，又因为内心的平和与安宁，使得他的创作没有拘束与阻碍，这是多少艺术家苦苦追寻想要达到的境界。

2011 风景2012手稿 20.3x48cm 纸本铅笔

2014 八个东西11号 300x200cm 布面油画

　　所以，这次“有仪式的风景”个展，对于很多人来说是一次很好的机会，可以近距离的了解一位艺术家的成长历程，苏新平在谈到展览的设置时表示：“我早期的30多张石版画会点缀到四个展厅中，提醒观众我的过去是怎样的，接着是呈现我2006年时的转型作品《风景》，大概有14米长，3米高，中间有风景也有《干杯》和《欲望之海》的影子，从主题上讲是一个过渡，后面呈现的是近期的《八个东西》，画面更加的抽象和纯粹，这次我只拿出一张，在展厅中会放置影像，呈现我的语言方式、方法和思路，细心的观众会发现，我的创作与之前有很大的不同，当下比较强调日常性和自然释放，更在意感觉。”

　　除了油画创作之外，现在苏新平在创作时还会画很多的素描作品，对于他来说，素描更能表现他当下的状态：“ 我早期是从素描开始的，比如石版画，这种语言和我有种血脉相连的感觉，非常舒服，对艺术家来说舒服很重要，绘画的时候感觉很自然，另外与我当下的状态、处境也有很密切的关系，因为我现在很忙，所以没有整块时间，这些素描全是分块、片断式的，我每天只面对一小块排线，画点儿很单纯的黑白灰效果，最后可以拼接的很大也可以很小，是自然的流露或者是释放，现在完全是碎片化的状态，因为生活很碎片，所以我的处境包括心态也跟着很难整合，当然这个碎片化的背后是有一个整体的思维在里面作支撑。”

2015 无题1号 330×320cm 纸本色粉

　　自然地状态与日常性是当代艺术很核心的部分，苏新平当下的创作更多的是从艺术语言的本质入手，呈现语言的自然状态和自我心境的自然状态，在某种程度上回归到了艺术的自律，独创性,艺术审美原则,艺术与生活相连,艺术内在价值超越等是艺术自律的表现，艺术自律使艺术获得了自主与自由，哲学家马尔库塞认为：“赋予艺术的非妥协的、自律的性质以审美形式，就是让艺术从‘介入的文学’中挣脱出来，从实际生活和生产过程的王国中挣脱出来。艺术有其自身的语言，而且也只能以自身的语言形式去揭示出现实。”也就是说，艺术自律，使艺术拥有自己的语言，艺术以自己的形式去揭示现实，艺术因自律而拥有自己的维度。

2014 肖像2014 330×240cm 纸本色粉

　　艺术自律也使艺术遵循自身的必然性，艺术超越现实，改造世界，在马尔库塞看来 “艺术的审美形式，通过赞美普遍的人性，反映着孤独的资产阶级个体的苦难;通过高扬灵魂的美，反映着肉体上的被剥夺;通过抬高内在自由的价值，反映着外在的奴役。”

　　苏新平的创作表面上看起来波澜不惊，但内在却充满了张力，自然而然顺势而为，正是对于当下嘈杂社会的激烈对抗。