出生于俄亥俄州，成长于上世纪六七十年代的著名建筑设计师林璎(Maya Lin)深受女性主义思潮和环保运动影响，其作品始终与自然环境密切相关。日前，林璎的同名个展在佩斯画廊开幕，这是艺术家首次在香港举行个展。该展览展出了林璎最新创作的作品《消逝的水系》(Disappearing Bodies of Water)，《破碎的景观》(Fractured Landscapes)及以回收银与针海制作的墙上装置三个系列的作品。展览强调了贯穿艺术家整个创作过程的线索：对自然环境的关注和对世界的探索，用艺术的表达方式开启了一个关于自然生态的对话。

作者与作品《针河》

　　西雅图亨利美术馆(Henry Art Gallery)的馆长理查德德-安德鲁斯(Richard Andrews)曾说在林氏的事业中期她创作出了许多意义深刻且影响深远的作品，“这些作品让我们思考我们自身与自然的关系，使我们更加珍视我们的内在情感与理性思考之间的联系。即使我们的未来并不确定，但她的作品却是永恒的，我们可以期待她的作品带领我们找到‘我们从未发现的地方’”。

　　环境保护主义一直是贯穿林璎创作的中心议题。艺术家通过作品《消逝的水系》(Disappearing Bodies of Water)，记录人类的社会活动对水系生态的影响， 运用三维与二维结合的方式将水系随时间发生的物理性变化呈现在作品之中。其中多层大理石模型来自卫 星拍摄的水体不断萎缩的照片，每一层代表不同时间点上特定水系的面积，层层递减的雕塑指向人类活动对地球生态产生的巨大影响。作品将复杂的地理样貌抽象成单一材质的大理石模型，将庞大的地理单位凝缩在可感的规模上，给观众更加直观的视觉体验。

　　河流水系作为庞大的地形单元，人们往往只能与它的局部产生联系。林璎希望通过这一系列作品让观众意识到生态资源其实是可控的、有限的，是一个单一的有机体。“通过我的创作，我想揭示自然世界中的一些你可能不会去思考的面向。”林璎对水系的兴趣来自她对环境污染及生态恶化的担忧，这源起于她童年时代美国的环境保护主义风潮。

　　林璎的创作融合了环境调查与艺术性的表达方式，具有内在的跨学科性。虽然林璎的作品吸收了科学的数据采集和结合绘图学的图像制作方式，但作品的审美性仍然是其中非常重要的一环。受到理查德德-塞拉 (Richard Serra)的影响，林璎的艺术创作与她的纪念碑设计具有一脉相承的极简主义风格。她通过作品材质的选择以及形式的简化，使地貌的物理变化和时间维度融为一体。

展览现场

　　林璎其人和她的创作都像她在2000年的自传《边界》(Boundaries)中所描述的那样，她一直处于边界中，科学与艺术之间，艺术与建筑之间，东方与西方之间，公共与私人之间。林璎的作品带有天然的公共属性，虽然是艺术家对于这一议题的个人化表达，但其中蕴含的宏大话题旨在激发观众对环境的思考和对集体历史的正视。在其对自然风貌变迁的描绘背后是人类作为一个群体的自我反思和生态伦理学的价值观。“我们不能去破坏基本的生态系统。这是一个伦理问题，作为一个物种是绝对没有权利去无限度开采和攫取这个星球。”

　　在后自然时代(Post Natural)，城市化与科技的推进让人与自然的距离越来越远，人对自然的体验逐渐向二手经验转化。林璎以科学家般的警觉和作品中的浓缩景观，试图唤起观众对现实环境的记忆和空间意识。“作为一个艺术家我不想去说教，我觉得这些雕塑本身已经提供了事实，我是一个喜欢挖掘事实然后让事实说话的人。”林璎曾在解释她的系列作品《针河》时说。林璎用诗意的呈现方式打破了环境保护主义的僵化形象，通过对自然历史的记录让人思考人类 在未来与自然的相处方式。“如果我们忘记地球过去的样子，我们就会丧失感知周围环境的能力。”