《背光》 70 x 160cm 绢本 水色 2015

　　花季少女是带有魔力的，这也是为什么第一眼看徐华翎的画，就很容易被吸引。

　　通过身体躯干或局部细节的放大，花季少女的稚和嫩跃然绢上。尚未发育完全的纤细而娇嫩的身躯，透着对未来的渴望，甚至是欲望。她们对于世界的好奇也体现在尚未开化的身体上，少女带有特殊的体香，与这种体香有关的传说以及文学作品也屡见不鲜，让人忍不住想一闻芳泽。徐华翎在为“香”系列起名字的时候，也是基于这种体香，让画面通过视觉激发其它感官的想象，其中包括让嗅觉闻到这种让人沉醉的气息。

　　虽然从 8 岁就开始学习国画，并从本科、研究生、博士一直在国画专业学习，现在已经被归为新工笔的代表人物之一，但在徐华翎心里，她并没有固定在哪个之内，如果要划分的话，2008 年前她的展览则都是和当代艺术相关的。

《若轻2》 240 x 130cm 绢本 水色 2014

　　这源于徐华翎和朋友们的交往，一帮来自央美各个专业，但都毕业于中央美术学院附中的同学组成了 N12 这个日后名声大噪的团体，2003 年，N12 在中央美术学院陈列馆举办了第一届展览，参展人员包括王光乐、仇晓飞、宋琨、梁远苇、胡晓媛、温凌、马延红、王颉、徐华翎、申亮、郝强、杨静和景禹潮 ( 第一届后退出 )。徐华翎在里面显得很特别，因为她是唯一一个画工笔画的人。

　　在艺术市场不成熟，展览匮乏的时期，N12 的展览获得空前的成功，开幕当天就吸引了五六百人到场。陈列馆的工作人员在展览后感慨，没想到会有这么多人花5 元钱看展。

　　2003 年的展览让 N12 成为一个特别的艺术现象。因为玩得好聚在一起，因为聚在一起做了一个“联谊”式的展览，最终，N12 这个名字留了下来，代表了那拨年轻艺术家们的集体形象。通过这次展览，小伙伴中的很多人都得到了藏家的关注。徐华翎也因此结识了许多喜欢她作品的藏家。2004 年，她的作品被乌利·希克收藏，对此，徐华翎认为希克是把她的作品作为当代艺术收藏的。

《丝图6》 29 x 150cm 绢本 水色（书签) 2015

　　除去 N12 这个展览，2003 年对徐华翎至关重要的还有另一件事——她的毕业创作“香”系列在研究生毕业展上大放异彩。

　　“香”系列的形成，要从徐华翎研究生一年级开始追溯。研究生一年级，徐华翎从敦煌写生回来，开始沉迷于对身体的描绘，那个系列命名为“境”。之后陆陆续续画了很多东西，包括农民工、街景等等，就像所有的在校生一样，徐华翎始终尝试找到属于自己的语言。

　　在毕业创作的多张小稿中，导师胡勃挑出了一张女生在宿舍洗头、脱衣服的小稿，胡勃说这张画最像徐华翎。

　　那张女生宿舍的小稿是宿舍一角，有人，有空间，有背景。随着不断深入加工，徐华翎觉得画面中多余的东西太多，她逐渐去掉背景、躯干，甚至连动作都显多余，最终只留下一个直立的背影。至此，她终于感觉到有意思了。

《丝图9》 200 x 110cm 绢本 水色 2016

　　去掉空间，这是在做画面的减法，此后，徐华翎的减法越做越多，且越来越熟练。从“香”到“之·间”、“丝图”，再到最新的“若轻”系列，画面主题虽然始终与花季少女发生关系，从躯体到具有指代性的蕾丝花边，她逐渐将以前作品中从属、附属的元素作为一个独立单元提炼出来，并加以放大，有时还会出现类似装置的架上绘画作品。比如“丝图”系列中，徐华翎用上了真实的针和线，她在装裱时埋了根线在画面背后，针带着线穿过画面，最后插在画板上。徐华翎在画这张画时想到手被针扎破的情景，而画面中一抹淡淡的红色正好与针线形成了呼应关系，最终形成剧场的效果，用真实的物品讲述虚幻的故事。

　　尽管经历了新媒介是创新途径的时期，徐华翎却从未对绘画这个媒介提出疑问，她的作品始终以绘画为出发点，尽管出现过装置、喷绘等多种媒介的运用，但是并未影响到绘画的初心，这些综合媒介的使用只是出于绘画作品的需求。坚持绘画，不设边界，这也是徐华翎的初心。

《香》 160 x 100cm  绢 水色 2012

　　如果说之前徐华翎的少女是安静的、羞涩的，到了“若轻”系列，这些少女突然动了起来。正欲从空中落下的头发，洋溢着青春的气息，仿佛一转身就会跳到你的面前。从“丝图”中放大的蕾丝，到“若轻”中完整呈现的少女，徐华翎此次并没有在画面内容上做减法，她将减法放到了绘画本身上，颜色的极度弱化让画面趋于平面，体量感的减弱反而让画面多了一份沉静，气息上增加了东方的素雅。

　　这种思考与徐华翎近些年的阅读有关。现行教育所形成的是，大多数中国人更了解西方历史，绘画领域也是一样。创新大旗的指向都是西方系统，渐渐中国传统被丢在脑后。如果说这是改革开放过程中一个必经的过程，现在很多艺术家已经开始了对传统的回望。近些年，徐华翎越来越留意研习古画，而这种阅读也呈现在了她的画中。在“丝图”系列中，一片蕾丝下面就隐藏着一页扁舟，而“若轻”系列中所做的颜色减法，正是对当代东方性的尝试。

　　徐华翎的思考是包容并蓄的，她可以接受西方，也可以回溯东方，就像她不对自己的艺术设定边界一样，她也不对领域划定界限。她说没有 N12 的经历，也成就不了现在的她。N12 的经历更多是形成一种当代的思考方法，而让徐华翎真正走到聚光灯下的，是在新工笔画领域。

　　“2008 年我被杭春晓拽进了国画领域。2008 年之后和水墨展览打交道很多，再后来基本就以这样的展览为主了。”

　　2008 年，不仅对于徐华翎，对于很多工笔艺术家来说，都是一个新阶段的开始。

《之·间》 47  100x85cm 绢 水色 2014

　　2008年4月16日，由杭春晓策展的“幻想·本质——中国工笔画‘当代性’探索展”在北京画院美术馆开幕，参展艺术家包括徐累、崔进、姜吉安、陈林、雷苗、张见、高茜、秦艾、徐华翎、杭春晖和郑庆余。这个展览对新工笔的奠基性作用，是“幻象·本质”策展人杭春晓没有想到的。早在 2006 年，杭春晓在《灰色的影调》一文中将“新锐工笔”的概念提炼为“新工笔”。“新锐工笔”是杭春晓2005年举办的“新锐工笔五人展”的题目，参展艺术家为徐累、崔进、张见、高茜和雷苗。在这篇文章中，杭春晓着重提出了他对架上绘画当代走向的思考。

　　那时，很多人认为传统艺术可以借助新媒介实现当代转换，由此导致艺术越来越媒介化。杭春晓则有不同的思考，如果单纯借助媒介，是不具备普适性的思考方式。在 2006 年的文章中，杭春晓提出在传统水墨中，在不改变媒介的前提下，是否有通过新的方式呈现变化的可能性，同时，这种可能性能不能通过思维的概念进行转变。

　　2008 年的展览是杭春晓思考的一次呈现。当时，展览的反响主要集中在中国画领域内。这是工笔画首次集体呈现，如果说当时产生的触动力，好奇、惊奇，可能是大多数人的感受。杭春晓回忆，与展览同期开幕的是北京画院美术馆齐白石的展览，很多人在想这两个展览怎么会放在同一个场馆展出。同时，还有一种声音是，工笔画注定是死亡的，因为“新”一定是和媒介产生关联。谁也不会想到，工笔画在接下来的几年中，出人意料地“火”了。

　　对于这种“火”，徐华翎感触颇深。平常很“宅”的她的电话在2011 年前后突然成了热线，很多人找她谈合作，要买画，还有无数的展览邀约她参加。到后来，徐华翎干脆不接陌生电话，由此才有了难得的清净。

《若轻1》 240 x 130cm 绢本 水色 2014

　　徐华翎的电话经历只是在新工笔热潮中众多艺术家的缩影。在绘画和日常做减法的徐华翎和新工笔艺术家一样，随着这股热潮，艺术的历程在不断被做加法。

　　杭春晓虽然在 2006 年就提出了“新工笔”的概念，但是直到2010年出版《新工笔文献丛书》时，才是“新工笔”第一次完整亮相。2010年，10卷本《新工笔文献丛书》探讨传统艺术形式的现代性转型，勾勒新工笔艺术家的群体面貌，奠定了新工笔艺术的学术地位，在艺术界产生重要影响。为什么没有在“幻象·本质”中使用“新工笔”字眼，杭春晓说担心人们把概念简单化。

　　2012 年 7 月 11 日，“概念超越——2012 新工笔文献展”在中国美术馆开幕。展览选取了15位代表艺术家，共展出60余件作品。这个展览取得了空前的成功，新工笔迅速成为热议的话题以及市场的宠儿。

　　2013 年 12 月，同样在中国美术馆，“工·在当代——2013 第九届中国工笔画大展”举行。展出包括特邀、学术提名和社会征集入选的共 148 位艺术家的近 400 件优秀工笔画作品，基本囊括了工笔画领域最为活跃的老中青三代创作中坚，包括海外有代表性的艺术家。展览以新的学术标准、创新的布展形式、富有深度的学术研讨及传播活动推动全社会对工笔画有新的体认。

　　在市场方面，2005 年，中国嘉德春拍首次推出的中国当代书画拍卖专场以“白手套”收官。随后，很多拍卖公司也陆续推出相关专场或专题，工笔画上拍比例逐年提高，新工笔画家在拍卖场上亮点频出。在 2012 年 5 月嘉德举办的“水墨新世界”专场中，徐累的《夜中昼》以 149.5 万元的高价荣登榜首，郝量的《折射》以 52.9 万元成交;北京保利此后也推出名为“中国当代水墨的中坚力量”的夜场拍卖;北京匡时 2013 年秋拍推出“当代书画专场”，包括张见、高茜、雷苗、彭薇、郝量、徐华翎等新工笔画家的作品全部成交。

徐华翎

　　很难说是市场催化了新工笔领域的发展，还是展览搅动了市场的热能。总之，在 2008 年之后，徐华翎有了一长串的参展记录，其中她认为重要的，并且印象深刻的，却不多。2012 年，上海美术馆举办的“三矾九染——2012 中国当代工笔画提名展”;2014 年，香港海事博物馆的“新水活墨——一种关于水与墨的看法”;2014年蜂巢的“变异:中国当代水墨大展Ⅱ”，该展览由夏季风策划，是 2013 年沈揆一策划的“幻象：中国当代水墨大展I”的延续;2015年，香港大学美术馆的“无声诗——中国当代水墨”。

　　学术先行，这是一个正常的市场形态。对于艺术家来说，虽然要依靠市场安身立命，但更多的心力仍倾注在学术上，从徐华翎对于学术性展览清晰的表述，可知在艺术家心中，学术依然是最为重要的东西。无论世界怎么变化，徐华翎都只是在做自己喜欢的东西——绘画。