起初，是被康勇峰的自画像系列(「不要在意我是谁」系列)吸引。

　　在厚实的颜料下，在轻盈的色彩中，流露出主角脸上那股精准的神韵，如果凑近看作品，却仅是一整片非具象的颜料罢了，画面上的力度感，始终紧紧抓住了观者的目光。画中的这位主角似曾相识，仔细思索脑海的记忆库后，原来是梵谷。梵谷一生描绘了多幅自画像，从这些作品中我们可以轻易辨认出梵谷的脸庞特性：黄帽子、红发、红胡子、崚角分明的脸与目光炯炯的双眼，同样从这些作品中，在梵谷逝世之后，世人还能够感受到梵谷生前的精神状态，时而流露出坚毅无比的创作热情，时而流露出空洞焦虑的不安，艺术家的自画像在艺术史上，向来都是让人们更认识这名艺术家的一大重要线索。回到康勇峰的作品本身，令我好奇的是，他画的不是自己的自画像，而是梵谷的自画像，又或者可说是，他透过梵谷的自画像，把自己的自画像给融解进去，合二为一地成为同一张画作。

　　梵谷对于世人的影响，可说全发生在他逝世之后。一是梵谷短暂一生的悲怆生活，另一是梵谷在绘画上的独特风格。终其一生无法销售自己的作品，始终被精神疾病困扰而精神状态不稳，在穷苦至极、精神备受折磨的状态下，他无法停止绘画，这彷佛是他唯一的出口，因此，梵谷的画作之所以感动人心，就因为梵谷是用他所有的生命力量来绘画，这些力量一旦在画布上诞生，就不会消失，而是随着作品传世下去。对于康勇峰而言，梵谷就是他的启蒙导师，透过阅读，跨过时空，艺术家们找到了心灵上的契合，这无疑是艺术之所以永恒当中最迷人之处。

　　除了梵谷之外，另一位目前康勇峰所描绘的自画像对象则是林布兰特。日前不久走访了一趟阿姆斯特丹，这两位艺术家无疑是荷兰最重要的艺术巨匠，而林布兰特一生的命运也可谓跌宕起伏，虽然从小家境富裕，后来艺术事业志得意满，却在妻子、儿子相继辞世，画作又惨遭无情抨击，穷困潦倒之际又身染重病而逝世，这般人生情节不禁令人唏嘘。

　　在康勇峰的作品〈不要在意我是谁No. 2〉中，画面有四个基本色调：蓝色帽子、肤色面容、绿色上衣、淡紫红色背景，简单却也繁复地再现了林布兰特的严肃神情，绿色眼珠的描绘则特别具有神秘感。而另一幅〈不要在意我是谁No. 20〉，则取材自林布兰特1630年的一幅自画像素描，当时林布兰特的画作虽然受到欢迎，但名气却不是太大，这件自画像的神情格外有趣，艺术家睁大的双眼彷佛看到了令人吃惊的景象，或许也可以轻松解读成被观看者吓了一跳吧!然而，在康勇峰的笔触下，不仅色彩缤纷，粉绿、粉蓝、粉红色构成的背景下，主角的金发、绿衣、黑帽格外被凸显出来，睁大的双眼与微张的双唇，完全捕捉了生动的神情。

　　从康勇峰这批最新的「不要在意我是谁」系列中，可以看到艺术家对于经典作品的挪用，而他所选择的题材——艺术家的自画像，尤其现阶段只画了梵谷和林布兰特这两位艺术家自画像，这点无疑与其他同样是挪用经典作品的艺术家有着出发点的不同，正如康勇峰所言，他更在意的其实是「人的问题」而非「艺术的问题」，透过自己在21世纪的当下重新诠释，探索的是艺术家最本质的状态，出于景仰，出于共鸣，虽然画面的主角是梵谷、是林布兰特，但画面的核心精神，却始终围绕在康勇峰身上，可视为是当代艺术家的一种精神寄托，康勇峰也相当成熟地表现出他的艺术技法、他的艺术概念、对于形体、色彩的高度把握，甚至也刻划了属于他这个时代的当代氛围：一切看似热络、轻松、活泼，实际上各种金融危机、食安问题充斥，现代人的生活进步了，但现代人不见得比旧时人们来得幸福。

　　「不要在意我是谁」系列往前推，康勇峰在场景上的处理也可看出他的绘画脉络。比如以梅花为主题的「风景碎片」系列，这组系列的背景约略可分为两类，一是犹如暴风雨般的暗灰色系，另一则是春意盎然的粉红色调，每一件作品的构图和谐而完整，或是白色梅花，或是粉色梅花，共同之处在于，除了梅花的意象之外，画面还多了一份浓厚的爆裂感、冲撞感、冲突感，强而有力的笔触与花朵的娇柔相对。康勇峰说他之所以画梅花，是因为梅花的「气节」。

　　自古以来，咏梅早已经是文学作品中永恒的主题之一，诗人寄予了梅花高洁的人格美，或咏其意志坚强，或吟其君子之风，或颂其节操凝重，比如宋代欧阳修写的《对和雪忆梅花》：「穷冬万木立枯死，玉艳独发凌清寒，鲜妍皎如镜里面，绰约对若风中仙」，赞美梅之风骨;辛弃疾在《临江仙.探梅》中写的「冰作骨，玉为容，常年鬓云松」、「更无花态度，全是雪精神」，赞美梅之精神;钟爱梅花的陆游在《落梅 》写的「雪虐风饕愈凛然，花中气节最高坚。过时自合飘零去，耻向东君更乞怜」，赞美梅之气节。从这点切入，康勇峰虽然是以西方的油画来表现，但潜意识的动机却又回归到东方文化，而在他所营造的画面中，梅花俨然流露出另一种桀骜不驯的性格，倾尽全力的绽放是一种宣示，是一种挑战，是一种不朽。

　　至于近期的纸上油画作品「丛林」系列，又可以看到康勇峰依然继续在探索绘画的实验。画家在挑选主题时，总会有一段时间被本身的技法牵着走，画家会有自己喜欢的特定事物，但可能不是因为自己真的那么喜欢画那些东西，而是因为本身的技法适合那样画。从康勇峰的创作脉络来看，他总是画自己喜欢的特定事物，而从中放弃或修正原本已经极度熟练的创作技法，画家总是必须在实验的过程中，发现自己最擅长什么，发现哪些主题最为棘手，如果一味继续耽溺于自己熟练的技法中，久而久之，观者也会对于那些了无新意的画面感到厌倦。

　　「丛林」系列奔放有力，在狂乱的笔触中，维持一种理性的和谐结构，以及潜藏的动感、力量感，这一切在在回归到康勇峰一开始所言，「让自己是用一种『感觉』的方式去看待自己的作品」，在各系列作品中，一以贯之的是他所喜爱、所欲传递的力量感，无论是废墟、汽车、花卉、自画像、丛林⋯⋯，这当中的各种不同技法的磨练倒是其次，因为无论要使用哪一种技法，以他原本的扎实基础，大概没什么可以难倒他，于是，画作的精神便显得至关重要，如果缺乏了这股精神，康勇峰或许无法达到现今这般绘画成就了。

　　「艺术真正需要的是，画家的想法与时俱进。要做到这样，就必须改变态度，而不是改变主题。因为改变态度对我们最有帮助，也最有可能发展出新的技法。」康勇峰的绘画生涯正朝向人生的高峰迈进，在目前看到的所有作品中，他的艺术基石俨然其稳无比，期待他未来带给观众、收藏家们的「惊喜」。在这个时代，要当一名艺术家很容易，也很困难，另一方面又经常听到朋友们抱怨找不到好的作品，找不到好的艺术家。在纷乱的环境下，无论艺术创作或艺术收藏，保持本心，终能遇见乌云之中的曙光。

　　专访如下：

　　李：谈谈小时候对于「绘画」这件事的印象。

　　康：小学时住在农村里，也不可能有画画的机会，我也完全不喜欢画画。后来因为户籍的问题，刚好有亲戚的户籍在湖南的冷水江市，家里给我买了户口，于是我就到都市上学，同时也住在亲戚家中。那时我的表哥是画画的，就因为这样我表哥谢军介绍了我去美术班，因此也就接触到了绘画。当时我无意中看了梵谷的自传《生命的渴望》，看完相当感动，我从农村到城市，从家里到寄人篱下，心情是很复杂，那些文字读了觉得特别亲切，完全激发了我的欲望和渴求，我当时大约十三、十四岁的样子，就有一点很单纯的想法，既然要画，就希望做到最好。

　　李：因为就读美术班的原因，也就以考美院为目标吗?

　　康：当时我们那个美术班很小，没有关于高考的书，所以一开始就看大师的书，同学都很狂热，许多人都想当大师，考美院油画系是唯一的目标!回想起来，地方虽然小，但老师却是很好，老师不会对学生说：「你这画得不对!」，反而会说：「画得不舒服!」这种不舒服的原因当然很多，包括形体、色彩等，这种教育态度对我很有影响，在无形中养成了我评画的看法，也让自己是用一种「感觉」的方式去看待自己的作品。每个人都应该建立一个自己的美术史，用一个自己的方式去看艺术作品，所以任何人的作品在我眼里都会有不同的方式去解读它。

　　后来我也很庆幸考上了天津美院，因为天津美院的教育特点是对艺术本质的追求，以及对人的尊重。艺术家不是被教出来的，而是老师给你一块自由的土壤，让艺术家自然地成长，我根本不需要老师的鞭策，因为喜欢，自己就会很主动地去画画。

　　李：进入美院之后，应该发现美院跟你原本想的不太一样吧?有没有什么新的启发?

　　康：这方面我是比较理想主义的人，这也是我的人生态度，觉得既然要做了，就要把它做到最好，我一直都是这样要求我自己。至于艺术的影响，这不需要老师介绍，我在初中、高中的时候就已经认识了很多艺术大师。不过我也有遇到特别好的老师祁海平先生，他能根据个人的特点、性格、追求上去引导学生，让学生自己在不断实践和思考中成长，并逐步找到自己的艺术思维、方式和语言，在大学时期能遇到这样的老师是很幸运的!

　　李：在天津美院的创作就是以油画为主吗?那时多半画些什么主题呢?

　　康：对，因为我是油画系。大二的时候画了一张14公尺的画作，当时也没想太多，就愈画愈大张了，我的画作通常满有力度的，因为我喜欢有力量、能震撼人心的视觉。

　　李：大学期间创作的状态如何?最感兴趣的是什么?或是题材?

　　康：我从大一开始就一直画得很好，大二的某一天，突然觉得画得好没什么意义，就开始很崩溃，也觉得很痛苦，一直想着怎么样才能让作品更有意义、更有价值。我一个人的时候喜欢写写东西，有时深夜写得很绝望，还写得哇哇大哭!

　　当时我看了一些哲学的书，比如尼采，我发现他跟梵谷的精神状态都比较自我。我不敢说是研究，可以说是一种体验，就是我尝试把自己深层的一种精神状态体现在我的画布上。刚刚我提到，我喜欢画面有力量感、悲怆感、能够令人振奋的视觉，大学时期画了一幅废墟为主题的画作，当时完全不考虑其他因素，单纯就画我喜欢的，透过想象力，把画中底藏的精神、意义给画出来。我其实一直在寻找，我不是为了艺术而艺术，是为人生，艺术跟我是一种平等的关系，我成就了绘画，绘画也成就了我。

　　李：起初比较完整的系列是?

　　康：研究生时期画了关于废墟的系列作品，那对我来说很重要，因为是我所有艺术最开始的地方。当年带着我画画的表哥突然去世了，人活着最可怕的是，死的时候还有许多未完成的事，没有按你的心做你的事，我觉得这很可悲、很遗憾，我不想要这样的遗憾，所以希望自己用每一天的生命状态去要求自己的绘画。我对生命的理解与常识是创作的原因，画的各种废墟，都是逝去的东西。人应该用生命的状态去面对人生，而不是用人类的状态去面对人生，因为人有悲欢离合，生命则没有，生命极度纯粹，生命可以像鲜花一样盛开，而死亡也是生命的一种状态。画废墟的时候，可能别人看起来是悲伤、消极的，但我其实是赋予它一个全新的意义及状态。

　　接着汽车与梅花的系列是同时进行的。我喜欢梅花的「气节」，但我从来没看过真正的梅花，所有图片都是在网络上搜寻的， 我常说：「让全世界所有的摄影师都在替我拍照!」如今的网络世界才有这种条件，有时我也会把梅花画得特别大朵、特别粗暴，跟大家理解的现实生活的素雅梅花或许不太一样，但这就是我所赋予作品的一种状态吧!

　　李：梅花系列(「风景碎片」系列)现在也还正在进行吗?

　　康：是的，因为每次都有新的感觉。后来我开始画自画像系列，因为自画像对我说是很私密的，艺术家自己画自己是一个转化，自己抓的感觉跟别人是不一样的，这并不容易。一般自画像就是临摹，而我画的则是一种省视，若干年前我一直想画肖像，但是找不到这个理由，后来终于找到这个点，让我开始画自画像。

　　李：自画像系列从什么时候开始呢?

　　康：2012年直到现在都持续在画，这几年一直在做各种尝试，觉得没想好，就一直没有特别展出，所以这次的自画像系列算是首次曝光。

　　李：这组自画像系列中，融合了意境、技巧，以及神韵，你是如何捕捉到的呢?

　　康：其实他们都有故事，都有自己的语言。我们在一起时有很好的状态，是一个很好的结合。我喜欢力量感、粗暴感，喜欢泥土肥沃的感觉，他们的精神状态本身就很有力量。通常我会画好几张素描稿，找到一张最适合的来画，在画的时候，觉得是把自己的艺术语言、当下的情绪给画进去，比如我们现在看到梵谷的自画像，还是有实实在在的解读，我希望我的画能有个具体概念出来。

　　李：会不会觉得自画像系列的困难度比较高?

　　康：这是我目前画画最困难的系列，困难的地方在于，已经存在一个根深蒂固的形象，要再重新诠释，还要加入自己新的技法的实验，比如我以前的画作都是有一些步骤的，绘画方法相对比较可控制，可是在自画像系列中，我把所有的步骤融合起来做，又讲求速度，又讲求时间，最后只能靠意志来画，因为前面完全没有任何路能告诉你该怎么做，完全没有任何借鉴。因此这个展览名称就订为「绘画的意志」，不仅仅跟艺术有关系，更是跟人、跟生命本身有关系。

　　李：从你的画作来看，似乎都会融入较喜悦的色彩?

　　康：对的，最早是从汽车系列开始，将悲剧以喜剧方式释放出来，让背景很美、很诗意，颜色会影响人的意识。

　　李：画面的颜料很厚重，希望藉此营造力量感?

　　康：其实现在我不是用绘画的要求去要求我的画面，而是用自己的感觉去要求，现在也画得很慢，就是做回原本自己的样子，不再是简单地去画一件画作出来!

　　李：你如何选择自画像的主角呢?

　　康：我选择我了解的人。目前选择了梵谷跟林布兰特，我为什么选择他们?因为他们的作品都表现了生命的意志，表现了人的尊严。最后选了「不要在意我是谁」做为系列名称，这个名称我想了一年多，一直在想怎么让这个题目有意思一点!

　　李：中国当代艺术这个环境对你产生了什么影响?会不会感到很焦虑?你是如何去适应大环境的变化?

　　康：从一开始，我的创作一直都有自己的喜好，依着自己的心在走，比起艺术的问题，我可能更在乎人的问题，艺术都是暂时的，都是人决定的。很多现在所谓的当代艺术，一看就知道是空虚的，没有价值，而且不真实，我不喜欢这样的东西，不会有什么直接的影响。艺术就是艺术，绘画就是绘画，以前只是单纯地去表达，现在会从画面本身，从画面的整体状态去进行思考。

　　并不是说在一个好的环境里，就可以诞生出一名优秀艺术家，中国的艺术环境最好的地方在于它同时也是最混乱、最不可思议。回到我自己来说，我的目的不是去讨好别人，而是坚定地做自己，回到生命的本体，让更多人看到我的作品、接受我的作品，也不是处在自己孤单的小世界里，所以我一直是用坦然的心情去接受、去适应这个大环境。我始终希望，我的艺术可以超越时代。