【雅昌专稿】艺术和生命一致的李秀勤始终活在观念与智慧之中

2017-01-13 22:04:59 邹萍

李秀勤

　　经过近一年的筹备与反复打磨，“凹凸之拓：李秀勤专题作品展”于2017年1月13日晚在人可艺术中心启幕，30余件作品惊艳亮相，其中很多作品是首次公开展示，一组现场即兴行为创作更是极有力量地实施了对所谓平面与观念的大胆破除。“凹凸之拓”颇有挑战性地突破所谓雕塑展惯有的呈现方式，大部分展出的是平面作品，作为资深雕塑艺术家，李秀勤从十几年前的某个理念生发出刻、拓(音 tà )、拓(音 tuò )、画等多种方式，层层递进又相互促成般地成就了这次的展览。

李秀勤现场即兴行为创作：触叩拓象之八纸本180.5·30cm 2017

触叩拓象之八（局部）

　　正如策展人王林所言：凹凸拓印，是李秀勤艺术作品的一个方面。她把三维实体——无论是凹进还是凸出的对象——打开，甚至是四维时间性如捏塑行为或发声过程加以选择，造成不可定向的空间变换。

　　对李秀勤来说，连通与转换成为此次专题作品展的主题。她把内部和外部连通，把可见和不可见加以转换，其作为必然赋予质材实体以抽象性质，而这样的空间抽象正是身体与灵魂发生作用的地方。在此，形式和形态可以通过在地性场域、现实文化语境和艺术史的上下文关系自主地生成意义。

　　对李秀勤而言，拓印不过是探索空间的一种行为而已。审美是其中的重要部分，但并非全部，当代艺术不仅是美学的，而且是社会学、政治学和历史学的。最为关键的乃是方法论问题。

　　在王林的印象中，李秀勤就是一个为艺术而生的人。“任何时候谈论起新近创作，总是神采奕奕，目光炯炯，仿佛一下子换了个人。这是一位不知疲倦、不断催生创造性的艺术家。”

　　在功利至上、消费至死的中国，李秀勤始终活在观念与智慧之中。

李秀勤现场手写作品标签

李秀勤1953年生于青岛，1982年毕业于浙江美术学院，获学士学位。1988年赴海外留学，于英国伦敦大学斯莱德美术学院研修，1990年于英国曼彻斯特大都会美术学院雕塑系毕业，获硕士学位。现为中国美术学院雕塑系教授，博士生导师，中国国家画院雕塑院研究员，中国美术家协会雕塑艺委会委员，中国雕塑家协会常务理事。工作、生活于杭州。

“凹凸之拓：李秀勤专题作品展”开幕式现场

四川美院教授、国家当代艺术研究中心专家、本次展览策展人王林

人可艺术中心艺术总监何勇苗

李秀勤

Q&A

Q：雅昌艺术网

A：李秀勤

　　Q:这次的“凹凸之拓”十分特别，首先呈现方式与常规的雕塑展不同，平面作品居多。

　　A：实际上这次的展品都是从我的雕塑作品上生发出来的，形式上是拓片。我在2005年提出过一个课题：从中国传统书法中汲取造型元素，探索以中国文化为土壤的雕塑语言和雕塑教学体系。我一方面带着学生做课题研究，一方面自己也写书法，如何把书法的结构、空间、线条、形体转换为雕塑的立体语言，已经实践了十几年。作为一名雕塑家，平面地写书法对我来说不仅是一种研究方式，更是研究空间语言、中国书法的笔意、线条的重要手段。

　　拓是从书写开始，光写不过瘾，我就刻，在木板上用刀去体会书法的笔意、线条，如屋漏痕、锥画沙等的感觉，我感觉“刻”的感觉比较和我的专业和性格吻合，特别是那种刀与木相交接时的力量感。“刻”向我提出很多东西，木头很硬的时候要往前走，往前走要有力量，特别是刀在转的过程中一定要和木纹吻合才不会跑，里面有很多挺有趣的东西。

　　刻好后我就拓，拓出来后就形成了金石味，我要追求的锥画沙、屋漏痕等的感觉都在，所以非常有启示。在这个过程中，我就想我的雕塑，主要是以前创作的凹凸作品，如果我把它们拓出来会是什么味道?于是就拓我的雕塑，立体的转换为平面的，完全形成了另外一种面貌，它展示在纸上是一个三维空间，而不是平面的。

　　但拓后又感觉不过瘾，就在拓片上再创造，这是什么原因?雕塑是我的作品，我知道它的能量，但是平面拓出来把能量分散了，我想我应该再把它释放出来，。

　　这次给我一个很大的启发：艺术家的创造性在于什么?一个画家可能关注画面，我关注的是材料，如果用的是炭笔，木炭落在纸上，当身体用力再和这个纸、木炭接触时，那种力量感是和我的心跳结合在一起的，感觉累，但是很兴奋。一个艺术家的创造精神材料和身体是结合的，接触的过程中，触觉会影响你的心、你的思维。

　　Q:“拓”这个行为在中国是很有趣的一种方式，不光是技术，实际上也有文化的传承。

　　A:这次展览的题目叫“凹凸之拓”，“拓”可以念tà ，也可以念 tuò ，我觉得用 tuò 比较好，意指“拓展”，通过这次的创作我对“拓”也有很多的体会，激情也好，启示也好，我很受益。当代艺术如何拓展性的“运用”中国传统的造型理念与技法，是很重要的课题，不能按步就班，照本宣科，所以要“拓”，这个字有很多内涵。

　　Q:如何理解“再创造”?

　　A:很多人拓出来就结束了，但我很不满意，感觉不是想要的，于是再创作，比如把拓片裱好后挂在墙上，再画，或者在墙上再画，艺术创作没有止境，艺术家用心感知世界，是一触即发的，一旦进入创作状态，每个细胞都是开放的。

　　Q:这个展览承载了很多您的想法。

　　A:确实和我长时间的实践、探索相关联，展出的不仅是一些单纯的拓片，其实是我整个的艺术追求。

　　Q:某种意义上是十几年前您提出想法的深层次及多样化的实践和展示。

　　A:是的，如果十年前做这个展览，我会感觉很单薄，那个时候我还没有想到刻，刻了以后还要拓，不过刻、拓与凹凸、盲文也是相互联系的。

　　Q:从平面转换成立体，再从立体转化为平面，但此时的平面是多维的，这中间有一个转换、递增的层次，您在这几个状态里自由地切换。

　　A:未知的东西才有期待，艺术的魅力也就在于能不断感受到新的东西，没有期待比较可怕。

　　Q:您是用墨与宣纸拓吗?拓的时候是一张纸同时拓几个面?

　　A:用的是水墨和宣纸，拓的方式没有规定，就是把一张宣纸放在雕塑合适的位置上，拓完后打开时我自己都感觉很惊讶，我的雕塑怎么是这么一个形态?完全是一个新的面孔，会带来惊喜。艺术的魅力就在这儿，这是你自己正在做的东西，但你不知道它会发生什么，当看到结果时会感觉特别新奇，好像从来没有见过这个图像，但它却是自己熟悉的作品。这种感觉对我来说，就是突破。

　　另外，这时当我再关注起原先的雕塑作品时，会体会到更深刻的东西。这是在拓的过程中对原来作品的重新感受，这种感知只能存在于实践过程中，拓完打开会感觉神性被释放出来，这是在雕塑里看不到的。更重要的是：拓，永远没有重复，每一张都是新的，所以很有魅力。

　　Q:拓的失败机率很高，您大概失败过多少次?

　　A:很多，但我觉得不会全部都失败，有时候一些小的地方效果还是不错的，那么它是怎么发生的?要去探究，当然有些地方一看就不行，那么就会想下次要避免。这样不断地总结，失败其实是不断推着你往前走。

　　Q:这次从内容上来讲分为几部分?

　　A:有三块内容：一个是拓片。这些木头是我做雕塑剩下来的废料，但质量很好，都是黑檀。刻的内容有部分是字，有些不是字，而是我理解的笔意与书法的本质、风格;第二个是拓好后的再创作;最后一块是我的凹凸盲文作品的再发展。画是放在空间里的，而我是在工作室里创作的，现在这个画面要放在墙上，那它如何在这个空间里再生长?如何使作品的能量释放出来?不同空间会产生不同关系，这很重要，如果作品和空间不产生关系，我觉得它会很精致，但总是不宜框在里边。

　　Q:您现在还写字吗?

　　A:每天都写，主要是临大篆。书法是从小写，但不带研究目的，我觉得中国书法的抽象性是内在审美，与文化背景和中国人的创造性有联系。做雕塑，如果能从中国书法里吸收一些东西很重要。中国书法是一种抽象艺术，但和西方的抽象性不一样，它有中国文化的底蕴在里面，需要很好的研究。

　　Q:这其实有种方向性的指向，您希望从传统文化的精髓中拓展雕塑新的可能性，同时作为中国的艺术家，对于书法，是有天然感悟的。

　　A:这就是文化底蕴和生活环境的问题。自己的艺术创作需要不断地拓展才有意义，才有生命力。我经常讲，艺术，实际上和人的生命是一致的，生命不断在生长，艺术作品就要和生命共同成长，否则就是死。我经常比喻一个艺术家的创作就像一棵大树，有根扎在土壤里，有主干，有组织，有枝叶，要接受新鲜空气、养分，不接受这些东西没有反应就不能成长，所以艺术家对生活的感知非常重要，一个非常细小的变化就会有感受，有表达的欲望，就想创作。

　　Q:艺术家要有不断突破、否定自己的勇气，这在您身上特别明显，您总是在变。

　　A:这一点非常重要，我不太满足，总感觉还有很多的办法可以实践。或者说就是不满意，感觉有点儿问题，人老是对自己满意就有问题。