浅空间系列作品 1969年  詹姆斯·特瑞尔

　　不需要画笔，不需要颜料，美国当代艺术家詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)自始至终只使用一种艺术材料来创作，那就是“光”，因此他也被称为“光的导演”。日前，詹姆斯·特瑞尔中国首个大型回顾展在上海龙美术馆(西岸馆)开幕。此次展览涵盖了特瑞尔50年来的艺术杰作，包括其代表性的灯光与空间装置和精选的摄影、版画作品。艺术家根据龙美术馆空间设计建造的全新场域特定作品也将在展览中重点呈现。

　　和以往展览作品挂满墙或者摆放在展厅当中不同，此次特瑞尔的十几件光影作品被分置在龙美术馆各个角落的小房间中，空间必须足够黑暗才能衬托出作品的完美性。置身光影空间中，观众发现特瑞尔能在墙上用光“画出”一幅美极了的抽象画;也能在墙壁的夹角上创造出一个“光立方”。虽然作品的载体是光和墙，但是观众却无法从他的作品里看到光源，这也是特瑞尔作品的奇妙之处。靠着光线颜色和角度的变换，利用人类对光源、色彩感知的敏感性，特瑞尔营造了一个奇妙的世界。他的作品通常利用封闭空间将观者包围，以控制观者接收光线的程度。以其作品《天空》为例，就是一个足够容纳15人的空间，观者坐在边缘的长凳上，观看空间中唯一的天窗。特瑞尔也以光线隧道和投射手法来创造出看似具有质量和重量的形状，但其实这些形状只是光线的投射。

　　詹姆斯·特瑞尔1943年出生于洛杉矶，父亲是一名航空工程师，母亲是一名医生。或许是父母的职业让特瑞尔从小便接触了科学，他在16岁的时候获得了飞行执照，并在1965年获得波莫纳大学的感知心理学学位。在波莫纳大学学习期间，特瑞尔还接触了数学、地理学和天文学，毕业之后进入加州大学学习艺术。

　　1960年代中期，随着美国南加州“光线与空间运动”的兴起，特瑞尔开始尝试光线创作，成为这一加州艺术传统与1960—1970年代极简主义盛行结合产物中最重要的艺术家之一。与此同时，光线在古典大师，例如伦勃朗、迭戈·委拉斯开兹、戈雅等艺术家作品中产生的情绪烘托作用也对特瑞尔的创作在感官共鸣上产生了极大启发。

　　特瑞尔的早期光线作品以投影为主，即使用高强度投影仪将可操控的单色单束光从暗房的一面投射至对面的建筑凸角处，制造出视觉上立体几何图像的幻觉。

　　在这之后，特瑞尔逐渐转向单面墙壁上的投影转移，例如单墙投影作品《Prado(White)》(1967)。艺术家还尝试在大型空间内使用灯光勾勒出巨型矩形边框，为观众创造视觉深度的同时挑战观众对于透视与错觉的判断，例如早期的重要作品之一《Raemar Blue》(1968/1969)。除此之外，特瑞尔还在展览空间内创造了沉浸式系列“甘兹菲尔德”(Ganzfeld)，这一系列作品正是在博物馆空间内模拟这一体验。

　　在一次飞行时，特瑞尔发现了一座位于美国亚利桑那州北部弗拉格斯塔夫的火山口，然后开始创作他一生中最重要也最著名的作品《罗登火山口》。1979年，特瑞尔买下了这座火山，开始在天文学家的协助下把它改建成一座天文台。在这之后将近四十年的时间里，特瑞尔向这座火山搬运成吨的泥土，建造出数百条隧道以及用作装置作品的空间，最后将这座死火山变成一座巨型天文台，或者可以说是一座天然的美术馆，收藏着天地之间每一次的日落月起、斗转星移。

　　无论是作品的整体构想还是内部设计，《罗登火山口》处处体现了特瑞尔一直以来所强调的在创作中“成为光”(be light)这一意识，而非将光线作为创作的主题或是通过艺术创作对光线进行描述。正如特瑞尔所说：“创造一种无法用语言传递的思考经验才是最重要的。我想将观众直接放置在情境之中，而非通过他人来观看。”他认为自己的作品“不是极简主义，也不是概念艺术;这是感知艺术。光线是创作的资料，感知是创作的媒介。”特瑞尔也提到，对于艺术家而言，他希望创作出能让观众投入的作品。对于观众来说，一旦投入，他们就将从作品中有所获得。

　　在50年的艺术生涯中，特瑞尔不断追求超乎想象的视幻体验，拓展人们的感知边界。目前已在全球范围内举办了超过160场个展。作为最具国际影响力的当代艺术家之一，特瑞尔的作品被众多世界顶尖博物馆收藏，包括龙美术馆、洛杉矶郡立美术馆、古根海姆博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆等。洛杉矶艺术博物馆馆长兼首席执行官迈克尔·高文曾表示，几个世纪以来，灯光一直是众多艺术家青睐的艺术创作主题，但到目前为止，没有一个艺术家可以在灯光装置艺术上超越詹姆斯·特瑞尔。