前阵子看到一条新闻讲，截至4月30日，《速度与激情8》的中国内地票房已达25亿元，创造了中国大陆影史进口电影票房的新“神话”。很多人想不通，这种炒冷饭的“爆米花”电影，情节没有逻辑性、人物角色符号化、比之系列前几部作品而言无甚新意，更别提什么艺术价值，何以掠走25亿元的票房?其实答案很简单，这部电影看了很爽很刺激!无需费脑，满屏超级豪车、帅哥和美女养眼，为什么要和这些东西过不去?特别是在如今去影院已成为和吃饭一样，几乎成为生活一部分的当下。

　　诚然，对视觉快感的追求，正是我们现在这个消费社会的“简单粗暴”逻辑。电影如此，而同为文化产业一员大将的艺术大展如今也难以免俗。2015年申城扎堆的几个“特展”引发的话题热议还未冷却，如今展览宣传的包装升级了，摇身一变成了“浸入式”——从前两年余德耀美术馆的“雨屋”到近期在展出的龙美术馆詹姆斯·特瑞尔(James Turrell)“灯光秀”展览，都是在新名词“浸入式”上大打噱头，当然这两个展览也不负众望，人气爆棚。

　　这里不打算展开阐述什么是“浸入式”，因为这不是本文重点。重点是观众的想法，他们会为了什么买单?买单的不仅是付出金钱，还有时间。其实大多数观众的想法很简单：时髦、新鲜、刺激，有互动，而且可以不费脑就“Get新技能”，最后加上照片拍出来好看，可以刷朋友圈。

▲“血管”比喻身体的缺失和生命的流逝

　　因此，在这样的风气之下，上海当代艺术博物馆(下文简称PSA)的“身体·媒体Ⅱ”虽然同样主打“互动”，却因满满烧脑的“干货”而显得诚意十足。

　　“身体·媒体Ⅱ”是对十年前也即2007年的第一届“身体·媒体”的延续。这十年，人类的科技发生了翻天覆地的变化，而人们对科技发达前景的态度也在发生微妙的变化，从十年前壮志凌云般的热切与期待，到十年后的今天或许更多地是一种忧思与谨慎。

　　十年前的第一届“身体·媒体”展览设立的诉求是以观众的“身体”为载体，以“个人体验”为切入点，就“艺术”与“科技”的边界问题展开讨论，在展陈上以音频、视频的视听装置作品为主。而今天的这场“2.0升级版”，除了强调显而易见的互联网一代的元素和思维方式，也更强调“电脑游戏”的虚拟交互体验。由此，虚拟与非虚拟两个语境的叠加与消解，形成了令人着迷又迷惑的魅力——这或许也是当下很多都市人的写照。而艺术，不再仅仅是传递清晰的定义，或是扮演“温暖的鸡汤”角色、“宏大使命”的担负;如今，艺术显得多元而细腻化了，也变得更私密化、更电子化，对艺术的价值判断进入更难界定的层面。于是，PSA再提这一议题，是希望能够夺回因太多便利而正在慢慢退化的对时间、空间、宇宙的感知能力，并追溯我们的感官是如何被各种技术重塑的。每个人的身体都是社交的“界面”——健康的，精心打扮的，迟缓的，活力的……身体是可以感知艺术的，也对作品的材质敏感，还会因他人的在场产生诸多反应。而我们的身体其实在不知不觉中改变着我们对周围世界的看法，并进而影响我们的处世之道。举个最简单的例子，我们常常会和友人一起看展，然后可以一边看展一边聊天，聊着与眼前所见作品完全无关、甚至也和艺术无关的话题，通常是那些家常的琐碎和抱怨;这些话题，很多时候却影响了我们对这场展览的印象和判读。

　　回到展览来说，“身体·媒体Ⅱ”的惊喜之处在于，并没有犯时下很多所谓“新媒体艺术展”的毛病——过于仰赖技术而炫技。正如展览的法方策展人理查德·卡斯特里(Richard Castelli)在接受澎湃新闻专访时所言：“差的艺术家会追随科技发展，也许他们会使用最新的科技成果来创作艺术作品，但这些新技术也很容易变得过时。我希望艺术家能够超越技术的桎梏，有时候他们的想象力可能比科技的发展更早一步。”

▲《3D水阵》

　　没错，想象力是艺术发展的活水之源，而身体力行则是将想象落地生根的载体。这个展览的展厅被刷成“黑盒子”，一个个黑盒子就是一个个项目，若有心静下心来去观看，会发现这些项目是非常幽默的，也是对我们想象力的一种启发。比如，蒂尔·诺瓦克的《大脑离心机计划》，用建筑学严谨的草图设计了各种天马行空、挑战极限的游乐场项目，他说“艺术就是对抗现实的努力”;生物艺术家贾丽拉·埃塞蒂利用修改基因的技术改造生命体的本质，同时也是为循环经济提供可替代的原料，可以说她的试验是拓展了农业发展的可能性。值得一提的是埃塞蒂曾发明了“防弹皮肤”(Bullet Proof Skin)，谁会想到，“羊奶+蜘蛛丝”就会产生比钢铁还要坚硬十倍的物质呢?而将这种物质与人类皮肤相混合后，科幻电影中的“金刚之身”实现了!还有一件作品是3D打印的《水阵》，单看照片可能和前文所提到的“雨屋”颇像，但若亲临现场，会发现这“会跳舞的瀑布”是一种加入音频和震动装置从而能让你震动到头皮发麻的作品，策展人理查德·卡斯特里透露《3D水阵》其实在七年前某个展览就想做出来，迫于技术原因没法呈现，而现在因技术成熟了才通过这个得以实现。不过他更喜欢把这件作品看成一个“界面”——可以因地制宜制作不同外观的同一件作品，并且链接观众和作品。在这一艺术语境中，策展人并不是在摆放一个物件，而是在提供一个根据艺术家的蓝图所设计的参与“平台”。策展人不仅要理解这个“平台”是如何工作的，也要考虑到观众的参与度问题。

　　这就到了最后要提到的很重要的一点：比起赶时髦的炫技，更重要的是如何把观众带到现场——这一点，今天似乎被很多人忘记了。“在场”，是可以见证历史的。这里想援引温普林回忆的一段话，他说有幸见证中国当代艺术的上世纪八九十年代是因为“恰好在场”，而这一金句出自他的恩师汤池先生，汤池曾参与过众多重大考古现场的挖掘，课堂上每每讲到激动人心的时刻，先生高亢的音调总会突然来个停顿，轻声言道：“当时，我恰好在场。”

▲ 阿部幸子在开幕式上的《剪纸》行为

　　因而，我认为“恰好在场”对艺术的发生、发展是很重要的，有时候甚至对艺术史的建构有助推作用，特别是加入观众感官感知和体验的行为。如此番开幕现场的《上海时间》与《剪纸#21》的现场行为表演，会使我们对作品的发生、发展和最终呈现的结果有更直观而深入的理解。毕竟，再怎么炫技都是“好玩”，而“好玩”并不能成为一个艺术展览的追求。因为，大众并没有真正培养出对艺术的兴趣与审美。就像一个很明显的事实是，同样在PSA的场地，大家趋之若鹜的并不是“身体·媒体Ⅱ”，而是它楼下的爱马仕特展——消费凌驾于文化了吗?或许，这又是言外之意的另一个话题了。而诸如《3D水阵》这类作品背后是有理论和数据支持的，但它最终呈现的效果仍是现场体验大过于理论探讨，并且是依托技术平台才得以实现。据说，此番展览有些作品还是因技术原因未能实现。也许在未来十年，人工智能在艺术领域或许亦将大展拳脚。如此，我们有理由期待“身体·媒体Ⅲ”。但是，真正的艺术，是超越媒介的，只关乎人类的真诚与自由。