记得早在2008年中国油画学会曾主办过“中国油画写生作品汇展”，那是基于当时伴随着图像时代风潮的影响，不少艺术家以照片、图像的使用替代了写生，而热衷于画室的闭门制作，凭空臆造忽视对现实生活的关注和感受，直接影响了艺术语言的拓展及研究，影响了对色彩、造型敏感的生命活力。由此为了艺术自身发展的需要，当时全国各地的油画家先后自发组织了数十次有相当规模的写生团队，分赴祖国大江南北、山川滨海，甚至海外各处，形成了遍及全国有上千位画家广泛参与的写生热潮。这股热潮冲破了过去把油画写生单纯作为创作素材收集、色彩和造型训练的片面理解，在亲近大自然中与物象近距离对话，艺术写生成为另一种创作方式。艺术家们以心、手、眼的灵动组合，捕捉瞬间最鲜活的形象，回溯到直面生活，真情创造的艺术境界，取得了自由创造的艺术天地，产生了不少充满激情、生动、鲜活的优秀作品。

　　由于写生热的红火，山头林立、宗派纷呈、队伍庞杂，加之写生规模的不断扩大，加入其中的，除了一些专心油画创作与探索的专业人士外，往往还有各种画廊及经营单位，后者形成了一些利益集团，他们在提供资金支持的同时，从经营角度提出违背艺术规律的种种要求，包括写生作品的尺幅从50cm×60cm、60cm×80cm、80cm×100cm，甚至140cm×160cm，层层加码，似乎尺码越大，价值越高。大家知道，由于自然光线的变化，日照时间的限制，除了极个别快手能完成外，大部分艺术家由于时间与精力的有限只能产生大量的半成品。有的画家来到景观中，情况还未摸熟，就支起了画架动手开画，有的画家大尺幅的写生，一天可画四至六幅，这不能排除有作秀的嫌疑。过多过频的写生活动，忽略了写生活动本身应有的体验，当然质量也可想而知。一大堆未完成的作品空占了空间，无奈之下，不得不结合照片和图片刻意加工，直接导致了“伪写生”的作品产生……这种种状况如成风气，写生的本意肯定会变味。

　　刘学波 “写生”  漫画

　　绘画不是比赛，也不是拼速度，它需要画者冷静的思考。若写生过程缺乏个人独立而自由的思考，往往会忽视对自然、对现实生活的关注与感受，忽视对自我心灵的体会，过分强化主观和概念，更易造成观察上的麻木，固守现成的样式，即使所画的是不同地方，却也找不到各地的特色，导致出现大量雷同的作品。我们都了解，奉为经典的印象派画家的作品大多从写生而来，但他们面对作品的态度，对光与色的研究，对画面构成和生活题材的选择，都有着严格和专业的把握，甚至一个作品可以连续在同时间光照下加工三四次，这才造就了他们不朽的业绩。“冗繁削尽留清瘦，画到生时是熟时”，绘画过程本身就是一个不断探索和创新的过程，一息即成的视觉样式是无法达到一定艺术高度的。

　　现场写生，是画家的必备技艺。写生作品可以是素材采集，也可以是不朽名作，梵高、塞尚、博纳尔、维亚尔、柯罗等这些以画风景著称的画家，往往是以大自然作为依托，在写生的过程中将自我内心的情感与情怀通过绘画的方式加以传达。在这个意义上，写生和创作的概念彼此兼而有之。“功夫在画外”一个艺术家要注重各种文化素养的积累，包括天文、地理和历史等。没有这些“画外”的支撑，作品呈现的品位、格调必然不高，无法攀援经典。例如梵高作品中的麦田村落给我们演绎的是生命的激情，维亚尔作品中呈现的不仅仅是平和雅致的生活场面，而是对生活情趣的感悟。透过画面，通过绚烂的色彩，我们似乎能感悟到画者独特的语言特色，观察世界的角度与其灵魂的印记，更多的是表象背后那个无形画者的真情实感，从而认识一个真实的梵高，一个真实的维亚尔，这也是画家的生命意义所在。写生艺术所表现的绝不能是对自然的复制，而是自我的精神感受与表达，一种视觉语言和他感悟的心灵境界相契合的方式。

　　正因为如此我逐渐形成一种习惯，每到一处写生地点，总有一种爱好，及时对当地风土人情和历史文化进行了解，或在事先做好功课，这在创作中会起到不可言喻的作用。在艺术创作中，个人创作的灵感是不可预设的，只能在身处真情的体验中才能油然而生。面对鲜活的自然，写生成为书写生命的媒介，写心中的生机，师造化，得心源。今天我们面对大自然，从客观表现到主观表达，到更主动的处理画面，使客观对象上升为绘画意境，真正成为表现情感的艺术作品。

　　此外，我在此想强调的是，固然“写生”在艺术发展中具有重要作用，但对于我们从事艺术创作的人来说，“写生”并不能涵盖和解决所有的艺术问题。特别是当今我们响应“深入生活、扎根人民”的号召;除面对大自然外，要求我们以更大的热忱，以更广阔的视角直面现实生活，在剧烈的社会变动中，认识社会，了解各阶层、各民族人民的生存状态，更深入地关注人，研究人，表现人，挖掘和探寻他们的精神状态和感情世界，以使我们的创作更好地把握时代的精神脉搏，适应人民的精神需要。更何况还涉及艺术语言的提炼，创造和深化研究等诸多方面。