由上海民生现代美术馆主办的展览《透明的声音》将于2017年5月8日开幕。本次展览由詹姆斯•吉鲁东（James Giroudon）策展，里昂国立音乐创作中心（GRAME）为上海民生现代美术馆特别制作。展览为2017年“中法文化之春”主要活动，并得到里昂法国文化中心和瓦隆-布鲁塞尔国际关系署的鼎力支持。

马特·可可

　　马特·可可(Matt Coco)，艺术家。1974年出生，现居住于里昂，曾在卢浮宫学院学习，毕业于法国奥尔良视觉艺术学院。她的作品主要是通过和不同领域但同样带有广播剧印记的声音艺术家们合作完成的展览来对法国原住民和异邦人的领土概念做出回应与分析。从而通过装置、绘画、影像和声音艺术，探索出一个跨人类学、建筑学、文学和记忆领域的研究。

　　马特·可可：一个节奏的概念或者是一个隐性的声音的概念，但是没有在物理上呈现声音本身，我们在这个装置当中，我看到有很多的作品是很高技术的，但是我感兴趣的不是那种高技术的作品，我在卷轴上面有很多的孔，其实都是手工的剪纸而成的，花了很多的时间，这些作品它是阐释了一个时间的概念，有古代的时间，我在展览当中也有一个视频，呈现了我在创作的一个过程，其实也是一个诗意的一个展现。

　　这个是一个德国的诗人，他在诗中提到了，歌当中展现了过去的一种节奏，也就是当时人用两条腿走路，他们用两条腿走路去打猎，一边打猎，一边他们的猎物，也就是动物当中得到了很多的灵感，而且人的早期的书写文字，也是从打猎、从动物当中得到了很多的灵感，所以我们在卷轴上面的简直，其实用的也是一种语言，呈现的是一种原始的语言。没有特别的一个符码，而是创作出的一种语言，我们可以根据每一个参观的观众来进行阐释。其实现代艺术也是这样，需要一个参观者的一个参与，通过这个参观哲他们的眼光、目光，通过他们的思想来完成这个作品的全部，而且这个作品讲了一个非常大的一个事件，在媒体上面也大量地发酵，这个事件是一个非常的灾难性的，比如说是海啸、地震，而且是战争、核战等，所以这些事件我希望能够展现在混乱，在灾难当中，其实也可以呈现出一种诗意。这个作品展现的是一些冲突的时刻，或者是一个自然灾难的一个时刻，我们很多人都在网上看到了很多的这种自然灾害后的一些图片，有的时候我们也感到非常的震惊，因为这些图片对我来说，就成为我书写这个乐谱的一个起点，我是从网上找到了福岛在2011年3月的一个海啸之后的一个景观，这个景观非常的可怕，但是同时我认为它很美，我可以这样来说它。我们在万里的空旷的一个空间，在这里好像是没有与世隔绝的感觉，所以在七年以前大家请我参加一个展览，展现福岛的这一次海啸，去纪念他们海啸的一周年，所以我就问自己，这种自然景观怎样去产生一种语言，这种自然的景观的语言，怎么样去和这种灾难性的事件联系在一起，而且我想要避免进入这种非常悲剧性的、常规的一种情绪当中，我希望能够剥离出一种语言，能够把它呈现出另外一种东西，或者是可以称之为重生，所以我就决定重构了这幅福岛的海啸的景观，那我这个颜色，好像是一个反制的一个场景的设置，我是汇集了不同的一个形式，在理论上实际上我是在网上找到的，但是在实质上我找这幅图是比较偶然的。

　　先要做一个装置，也就是通过我的作品和空间、体量产生一种关系，我不希望我的作品是一个平面的、一个长的卷轴的方式呈现，但我希望它能够有一个那种建筑性或者是一个雕塑性，我的作品我觉得他的特别是什么呢，也就是和我通常所做的作品有什么不同呢，就是它不是以片段性呈现的，因为我平时所做的作品都是一些不同的片段，我的作品都是不同的片段，我的不同的片段之间可以进行不同的组合，那么通过不同的组合，那就产生不同的叙事，但是这一次作品它是一个整体的一个作品，所以就和那种乐谱联系在一起了，和这种野蛮的音乐联系在一起了，所以我是通过这个角度来和声音产生了联系。我做了很多的尝试来演绎这个乐谱的声音，那我一直提到乐谱，其实不一定是和声音直接相连，我所说的乐谱也可以说是一种衍进关系，从左向右、从上之下的一种衍进，或者说是一种节奏，或者是一种形式，或者也是语言的一种阐释，我把这个称为我的乐谱，所以我也参观过很多的一种史前的一些洞穴，看到很多史前的壁画，我非常的着迷于这些壁画，我在这些史前的洞穴当中，学了很多的东西，其实在这种洞穴当中，我也能看到有一种声音的呈现。我们可以说它几乎是一个原始的一个电影院，因为在里面会有空间，也有图像，其实也有声音，因为在这样的洞穴里面，我们会有一种特别的回想，像现在我们已经过了3万年，我们不知道这些史前的洞穴，当时的声音起到了什么样的作用，我们不知道是不是通过声音来加强当时的一个回想，但是我们可以想象，这种乐谱其实是可以产生一种声音的。说过这样一句话，他认为我们这是一个声音的地坛，我们可以通过听到的一部分的音乐，把它和另外一种声音连在一起，也和颜色连在一起，也就是说就是把声音的这种体验和其他的视觉、感觉、味觉等联系在一起，其实这一部分工作，就是要我们的参观者，自己去演绎着一个我的乐谱，我把它称为一个深掘的地坛，尽管我这个作品装置本身是没有具体的一个声音的呈现，也就是为什么我在我的作品旁边放了一个小电影，这个小电影也是无声的，而且是黑白的，而且我发现其实声音对我这个小电影是没有作用的，这和我所说的这种理念是相连的，我做的这个作品也是合作完成的作品，一个现代舞者一起来合作的。

　　其实我们是一种精神上的一种合作，因为他是一个舞者，他的一个作品是通过升起展现，通过声音来展现不同的事件，他和声音的一个关系，他也不是作曲家，但是他同样也是在声音的地坛上面，阐释这种对声音的理解，我就借向他建议，以一种非常个人的方式来阐释我的乐谱，我给他在一个两米长的A4纸上面，复印的一个我所设计的我的乐谱，我把它当做一个风景，因为我的作品的源泉就来自于一个风景，我们每个人都可以把声音和不同的风景联系在一起，我们就希望他用升起来展现这个风景的空间。

　　所以，就从这个游戏规则出发，你想象在这一幅图景当中，能够产生什么样的形状、什么样的颜色、什么样的声音，可以通过你的想象来，通过个人的方法艺术去进行阐释，他就从中演绎出了动作，他是从一个非常无声的角度来演绎出了他的音乐，我称为铃声之坛，也是我的地坛声音来进行互动，在这个工作当中是有一些无托邦的色彩，也向大家展示了一个无限的一种可能性，我希望能够通过这种装置艺术，让所有的观赏者来完成一个自己的一个精神的音乐的创作，所以我刚才也讲到了一个灵感的源泉和痕迹的关系和时间的关系。我们看到有很多的物件，它都是一个不断重复出现的，但是在他们其中展现了不同的时间，有的时候我呈现了一段木头或者是一个足球，我把它呈现好像是一个电影的场景一样，在我的这个装置当中。