艺术教育不是简单的常识普及和技能训练。而是通过艺术沟通人与人、人与社会、人与自然，通过艺术培养分析问题和解决问题能力，通过艺术塑造个人性格、自信的问题。——李睦

　　失重原本是一种物理学意义上的空间现象，现在成为了一种美学意义上的空间现象，而且是相对于正常现象的反常现象，它呈现了事物在微重力环境下所处的不确定状态，这种状态值得描绘，更值得联想。与正常的空间状况相比较，失重表现出的特点是“动”，而不是“静”。这是两种不同的审美状态，前者是正常的，后者是反常的。而我们更习惯于审美的正常状态，习惯于在正常状态下对于静态事物的描绘，具体地说，是对于那些具有确定性因素的事物的描绘，并且由此养成了，绘画应该是一种正常状态的审美判断。

　　也正因为此，我们只习惯于描绘“静”，不习惯于描绘“动”，因为“动”有违于正常的审美准则，它的不确定性常常让我们无从把握、无从判断。久而久之，我们便只能认识“静”，不再认识“动”了。这就是我们画得了“静”，画不了“动”的原因，也是我们始终依赖客观描绘，敬畏主观表达的原因。其实动态的事物，并不比静态事物更难于描绘，只是描绘的意义有所改变，由原先对于“静态空间关系的记录”，变为了现在对于“动态空间关系的组织”。一种是被动的刻画，另一种则是主动的塑造。而审美教育的核心，恰恰是培养学生主动塑造的能力;主动的塑造形象、主动的塑造画面、主动的塑造视觉规律，并最终达到塑造他们自己的目的。长久以来，我们过于重视了被动的刻画，过于轻视了主动的塑造。所以我们越来越擅于用手去画，越来越不擅于用心去想，不知不觉中，我们审美判断能力已经变得不再完整。失重虽然改变了原有视觉因素的规律，也就是“静中求动”。却让我们发现了新的视觉因素的规律，也就是“动中求静”，这无疑是对素描教学的思维拓展。以往我们画画，是在规律中寻求变化，重在刻画记忆，是能力的体现。现在我们画画，是在变化中寻找规律，重在调动记忆，是想象力的体现。我们的素描教学正在改变、也正在进步，还需要更多的教育者和受教育者参与其中。

　　在光线的作用下，物体显现了形，也产生了影。光的改变，带来了影的改变，也带来了形的改变。现实中的光与影是时刻变动着的一对因素。因此我们既要捕捉光影的“动”，也要刻画光影的“静”。素描的目的不是为了记录现实中的光影，而是为了表现光影带给我们的联想和启发。

　　绘画的魅力在于捕捉生活中的那些美妙瞬间，然而捕捉不是让瞬间凝固，而是让瞬间永恒。生活是由数不清的瞬间组成的，然而绘画所描绘的瞬间，则是这许许多多的瞬间中最美的一个，并且是我们每个人都愿意接受的美。素描中光与影的美妙，在于偶然、在于变幻、在于发现、在于变化所导致的惊奇。我们会看到许多不同的光影，也会看到许多因此不同的素描。光的方向，影的长短，光影的交织，形态的改变。在光影的作用下，我们会产生恍惚，产生错觉，最终还会产生联想，是关于构图组织、刻画描绘、情感寄托的联想。问题的关键在于，当光影走进了我们的视野时，我们会不会迅速的感觉到它们，并使它们变得从此与众不同。这就是素描中的光影，也就是光影中的素描，就是光影和素描共同构成的绘画。

　　速写本身并没有一个固定的概念，只是由于考试的缘故，它越来越演化为一个固定的概念了。概念的形式、概念的构图，最终演变成为僵化的认知。其实无论是从构图、画法、风格哪一方面看，我们对速写的理解都不应该是绝对不变的;速写也是独立的绘画，它具有绘画规律中所有的元素。比如，构图、趣味、节奏、韵律等。速写也是独立的创作，它能够不受障碍的表达作者一切的思想和诉求。比如，感情、格调、主题、内容等。

　　速写有很多的特点，快速只是它的特点之一，但速度不是目的而是手段，是为了更敏锐、更果断的捕捉和表现事物。速写也有很多的表现方法，线描也不过是其中的一种，不能把线描与速写简单的等同。速写考试的目的，是为了测试考生对于生活的综合观察能力和综合表现的能力，这其中就包括了，每一位考生对于生活中“悠闲状态”的观察与思考，以及如何画出他们对于“悠闲状态”的观察与思考。

　　拥挤是一种状态，既是一种生活的情境状态，又是一种绘画所要描绘的状态，也是以往绘画教学曾经忽视，现今绘画教学需要着重关注的状态。这种状态的得来，既要依靠作者的描绘，也要依靠作者的观看。绘画原本就是看与画结合的事情，我们不能够只顾画，不顾看。看得清，画得明。看不到，也就画不出。速写的意义本来就在于观看，在于用绘画的方式引导人们透过现象去看本质。不仅观看形象本身，更要观看形象之间的彼此关联，观看由形象的联系所造成的各种情形和氛围。

　　通常我们所说的速写表现能力，应该是作者观察与表现能力的综合体现，而且首先应该是观察能力，其次才是表现能力。在观察的基础上去表现，能够让我们发现人物和景物所处的整体状态。而没有观察做前提的表现，只能让我们看到人物和景物所处的局部状态。画面的整体状态关乎事物的“势”，是根本。画面的局部状态关乎事物的“形”，是表面。只有获得了根本，绘画才谈得上精彩和精致，若不如此，绘画只不过是一些局部形状的集合而已。所谓不好的速写，无非是只有“形”，而没有“势”。学会以“势”当先，“形”也就自然在其中了，而“形”与“势”的兼备，则是状态的由来。速写教学的出路，离不开对学生观看方式的引导，速写考试的目的，离不开对于观看方式成熟与否的考察。能将这两点做好，教育者和受教育者就会获得他们所应获得的一切。

　　色彩创作是在感性表达与理性认知交互作用基础上，由创作者做出的经验分析，他们试图分析出，所看到的色彩与所画出的色彩之间的差异。只不过这种分析，既不是结论性的，也不是唯一性的，因为这不是创作者通过色彩对于事物的认定，而是他们运用色彩对于事物的形容。我们与其说色彩创作是一种艺术的表现方式，倒不如说，色彩创作是一种艺术的形容方式。是对事物美好价值的形容，也是对色彩自身价值的形容，甚至是对创作者自我价值的形容。

　　在色彩绘画中，我们时常会把喜爱的事物好有一比，比作赤橙黄绿，比作赤橙黄绿相互融合所产生的境界。这既是我们看到的颜色，也是我们想到的颜色。至于这种形容方式的好与坏，则取决于形容是否“恰当”，而不是形容是否“准确”。在这里，“恰当”就是对色彩形容本身成功与否的最好形容。其实无论是生活中的色彩，还是绘画中的色彩，它们的存在都是相对的，不是绝对的。“绝对的色彩”只存在于我们的主观世界里，倒是“相对的色彩”存在于客观世界中。色彩以什么样的方式存在，只能取决于我们的主观认识。东方的色彩认知体系如此，西方的也是如此。只有相对主观的彩色，没有绝对客观的色彩。正因如此，我们在用色彩去表现、去形容一个事物的时候，最要依靠的，往往是我们自己的意愿，而不是我们自己的知识，通常有关色彩的知识，只能是我们形容事物状态时的参照，不能作为形容事物状态的标准。因为色彩绘画的学习创作，既不能等同于艺术知识的问答，也不能等同于学术观点的论证，色彩的创作，只是我们每一个人对于主客观世界存在状态的一种形容和猜想。

　　“花开时节”作为一个色彩考试的题目，应该是有特别的意义和作用。它不仅象征着在绘画中色彩与“花开”的关联，还意味着“时节”与色彩的联系，更揭示了作为绘画基本能力的色彩语言的独立价值，以及考生文化状况的综合反映。这是一次对于考生艺术素质和能力测试的经典范例。

　　虽然自印象派绘画开始，“花开”与“时节”就是色彩表现的主要对象，不同的“时节”有不同的色彩，不同的“时节”开不同的花卉。但在此次的色彩考试中，美术学院对于试卷的要求，却不仅仅是“客观的色彩表达”和“主观的色彩表现”那样简单。考生既要注重花卉的颜色本身，也要关注花卉在不同“时节”中的色彩变化，同时还要考虑在那“花开时节”的过程中发生的许多事情。这其中有回忆、有幻想，也有期盼，需要通过色彩的语言传达出来，描绘在画面之上。这当中有形似、有神似，也有情似，同样需要通过色彩表现出来，留存在画面之上。一个短暂的“花开时节”，不知道寄托了多少考生对于色彩的理解，对于色彩的梦想!

　　至于色彩造型的考试，虽然测试的内容是人物写生，但在色彩的表现上，考生同样应该考虑与季节、时间、环境相关的因素，关注这些因素对于人物色彩关系的影响。也只有这样，才能测试出考生对于色彩的理解是否深刻，对于色彩的联想是否广泛，而不是用概念化的色彩方式将人物草草画完了事。