当代唐人艺术中心第二空间8月5日开幕的群展“无幕可落”现场

　　导言：当代唐人艺术中心的群展“无幕可落”带来了7位在美国年轻艺术家的作品，呈现了当下西方年轻艺术家创作的切面。

“无幕可落”群展现场

　　在展览策展人刘婷看来，美国的70、80后一代艺术家，他们所在的文化环境、创作环境，跟他们的父辈是相似的：无论是他们的物价、还是经济环境，都没有很大的变化。楼下社区的便利店、加油站，那么多年了还是那个。不像中国，我们的经济环境、文化环境转变非常大。作为艺术家来说，这儿的土壤比西方丰富很多。那么当下的西方年轻艺术家都呈现出什么样的创作状态?

陈子豪 ，《电子殿堂 3》，2017，布面油画，186cm x 148cm

　　陈子豪：平面生活与立体的网络空间

　　陈子豪是一位90后的艺术家，他此次的创作和他最早的一个系列相呼应。该系列源自八九十年代香港电影录像的引入，这些新鲜的图像对当时中国社会造成了很大影响：人们的生活变得丰富多彩，开始穿垫肩的衬衫、牛仔裤，有了快餐文化，开始听流行音乐。录像所承载的图像影响了之后十几年文化的发展。从平面的图像辐射至我们立体生活的方方面面。

　　回到当下，处于信息大爆炸的时代，我们所有的一切都成为一种网络行为。我们所有的信息，照片、银行转账记录，与人们的交流，生活的方方面面都汇集到一个虚拟的网络空间，我们的生活开始变得平面、二维，而网络成了一个丰富多彩的立体空间。因此在他的最新系列作品中，表达的是关于矩阵、能量、信息交流。艺术家将这一切用图像的方式表达了出来。从立体回到了平面。

凯利·多纳休，《涉过无知深渊》，2014，陶瓷雕塑，釉下彩，直径3米

　　凯丽·多纳休：东、西，古典、现代的结合

　　艺术家出生于阿拉斯加，曾在印度尼西亚生活两年。她作品中有许多东、西方结合的元素。

　　她的雕塑作品是先做成素陶，然后上釉下彩、再压一层白色釉，之后再涂上黑色釉。在陶瓷上做立体绘画。她的绘画方式是从一个细节开始，慢慢形成一个整体。里面包含了许多图腾的概念，是古典的艺术形态，但同时会加入许多现代的元素。像带着耳机的女孩儿，或是穿着球鞋的人，穿平角内裤的印度教蟒蛇、一个兔子踩着一个鼻涕虫在冲浪等。这些小心思常常使人忍俊不禁。

　　展览的另外一件作品名为《越过无知深渊》，在我们生活中，会用很多的词，但可能我们并不真正了解它。我们以为知道，其实是无知的。因此，艺术家自己手塑了五千个陶瓷，每个陶瓷都代表了我们以为自己知道，但其实是无知的词汇。比如时间，单独说“下午两点”，不加其他的内容与它搭配，“下午两点”就不存在任何意义。无论是时间，还是空间上的思考，我们假定的这些东西只在特定的情况下才具有意义。

乔治·伊恩·麦克马洪 ，《逗留》，2017，塑料布，金属，木材，压钳，990cm x 396cm x 411cm

　　乔治·伊恩·麦克马洪：殉道者的精神

　　在他这儿，雕塑的永恒是不存在的。因为他每完成一件作品，就会将它打碎。而且他大部分的作品都是不可以销售，通过一些基金会、奖项、美术馆、非盈利艺术机构来支持他的创作。此次在唐人画廊举办展览是一个比较例外的情况，因为他的作品更像是美术馆的行为。

　　他的工作室在一个荒无人烟的地方，里面有两个像枕头的东西。看起来很像柔软，但摸起来是硬的。作品是不能被挪出去的，因此它不可能永恒存在，或让更多的人看到。他就像一个劳工，花很多时间完成一件作品，就是为了打碎它。但他说：“打碎之后，我就忘记我做的过程多么困难，于是开始期待在下一个合理的地方再做出一件新的作品。”这样做了十年的时间。

　　比起作品被一个人或机构收藏，艺术家更加希望他的作品被许多的人看到。这是他对我们当下看展的反思。我们去看一座美术馆，一张名画，或是一件装置，一个影像，拍几张照片，就证明我们看到了。但其实你并没有真正地欣赏过它，没有在你脑海里形成有关这一图像的记忆。只不过是一些在你手机里面信息数据的储存而已。

　　所以他每做完一件作品，都选择将作品打碎。此次在唐人的作品，是经过精密计算完成的一个庞大的石膏体。为了达到作品的特殊的硬度与质感，石膏材料是从美国运过来的。艺术家亲自参与制作，整个过程花费了半个月的时间。最开始是将一整块塑料布吹起来，之后艺术家进到里面将石膏喷在上面，他每天工作时间达到了十几个小时，对体力来说是一个很大的挑战，长时间在封闭的空间里工作，也对他的身体会造成了很大的损伤。

　　艺术家说他最感兴趣的是通过他的技术让人们去好奇，所以他的作品看起来都非常接近真实。他希望当观众看到他作品时，哪怕是将眼睛停留在上面两秒，或者本来你以为作品是软的，但发觉它是硬的而觉得被耍了。只要在你生命中占用了时间，这件作品就成功了。艺术究竟是应该让人去思考，还是回到一个概念?是乔治·伊恩作品希望探讨的。

　　唐人展出的作品最后的命运是被打碎，又会形成碎片，这里面有一个巧合，很可能这些碎片也是五千片，与凯丽的《越过无知深渊》相呼应。

艾丽西亚·艾格特，《晴时可见永远》，2016-2017， 视频长度18‘48’‘，尺寸可变

　　艾丽西亚·艾格特：我们都在一座孤独的岛上

　　2016年，艾丽西亚·艾格特去到美国北部的缅因州，她将一个写着“Forever”的广告牌放在一个私人岛上，从海对岸的村子里做了一个视频记录，因为那个地方雾特别大，只有天气晴的时候才可能看清楚岛上的字，因此作品取名为《晴时可见永远》。

　　艺术家常常通过文字来表达双关的意思。展览中的另外一件作品：《You are on an island》，是一件霓虹灯装置。在这句话中，“on”每间隔两秒会熄灭，此时这句话就变成：You are an island(你是一座孤岛)。她将这件作品装在卡车上去了很多地方。作品共有三个版本，第一版被一对美国夫妇收藏，他们有一座自己的私人岛，作品被放在这座岛上。

史蒂芬妮·麦克马洪 ，《喷流》，2015，木板油画，150 x 120 cm

　　史蒂芬妮·麦克马洪：推理出来的抽象

　　艺术家住在纽约上东区风景很好的地方，他的作品是对抽象理论推理的结果。比如方与圆、红与绿、点与线，如何在画面中组合搭配、相互重合，来勾勒出艺术家窗外的风景。

　　几年前，二维码刚刚出现的时候，他通过扫这些看起来非常抽象的方格，一条对应的信息出现，史蒂芬妮觉得这实在太神奇了。就像一幅抽象绘画有非常精准的指向，于是他开始在画面中找这些内容，进行色彩与图像的理论研究。可以说艺术家的每一笔都不是随意的，里面有非常理性的思考与控制。

　　在他的作品中，还有许多直角的相互重合，这就好像电脑里一个窗口压着另外一个窗口。前一个窗口可能还播放着视频，下一个窗口就是我们聊天的界面。在他看来，我们已经习惯了这种重叠与背后的跳动。

M.本杰明·赫恩登，《曲线7&8号》， 2017，亚麻布上银尖笔，石墨，明胶，大理石灰，152.48 x 152.4 cm

　　M.本杰明·赫恩登：在黑暗中打磨光

　　通过艺术家自己研制出来的石墨、大理石粉等综合材料，在画布上一层层地打磨出一个黑色的深渊，从侧面能看到一些幽暗的光透出来，这是艺术家用银针在画面上一针一针画出来的线。艺术家画了多少根线，就取名为《XX号》。

迈克尔·查莱赫斯基，《国家网锁，路障》，2017， 路障，木材 ，226 x 170 cm

　　迈克尔·查莱赫斯基：作品隐含的美国社会信息

　　迈克尔的作品隐含了许多美国社会的信息。他将路障捡回来，拆开，重新拼贴，在画面中将一个立体的现成品融合到一个平面空间中。这些路障往往是群众游行活动，警察执勤时留下的，在美国很常见，就像我们这儿随处可见大大的“拆”字一样，路障的颜色可以立刻引起美国人民的共鸣。

　　结语：“无幕可落”将7位看似风格不同的艺术家组合在一起，整个展览充满艺术家们以风格不一的绘画、雕塑与装置营造的诗意与惊奇，他们通过细节中的短暂、精致和脆弱，完成对秩序的探索。