在场演讲自乌镇、苏州之后，来到上海

 CIDA 中国室内装饰协会 副会长兼秘书长 张丽

　　2017中国室内设计周期间，ADCC生活艺术学院受邀于上海同济大学举办在场·演讲之“戏梦上海”—— 剧场艺术与空间想象大型演讲。又一个8小时内，共8位师者，从上海的城市底蕴出发，选择电影、文学、戏剧、摄影、建筑、室内、舞蹈领域，以文字、图片、影像等形式，为现场近500位观众打造了一场关于舞台与空间的旖旎幻想。

　　柳青

　　戏梦上海

柳青认为，建筑、电影、舞台，这三者其实是“你中有我，我中有你的”。

　　从舞台设计，到实验性的艺术作品，再到电影行业，从某种程度上来说，柳青在舞台、建筑与影像3个不同的领域都有涉足。通过对三部影片——《一步之遥》、《梅兰芳》和《永不消逝的电波》，柳青也以不同角度带观众认识老上海，并以老北京为对比，阐释了自己对于空间多样性和内涵的理解。

　　在柳青看来，姜文是一个颇具浪漫情怀的导演，一个诗人一样的创作者，他倾向于很多带有打破时空、魔幻色彩甚至是很有反叛、摇滚元素的视觉语言。《一步之遥》里的上海，便是基于一个真实故事之上，虚构出的上海。在这部作品里没有纸醉金迷和摩登，上海被幻化为一个大世界的舞台，甚至有许多已故西班牙建筑师高迪的建筑元素和美国百老汇的色彩语言。

电影《一步之遥》剧照

　　10年前的作品《梅兰芳》则更多说的是北京。柳青认为，一个城市、一个地区的文化基础是不会随着时间流转而丢失的，哪怕今天要拍梅兰芳，仍旧可以在北京的胡同里寻找到故事的底色与气韵。上海亦如是，旧上海的影子隐藏在石库门、里弄和上海人独有的言谈、气质当中。

　　柳青×在场语录

　　于我而言，建筑就像一个碑，电影则是故事化、主观化的，是对建筑的一种改造和利用。舞台是什么呢?舞台依赖于建筑。舞台的东西是“假”，是公然的用“假”的方式来去说“真”的事儿，真的道理，真的哲学、真的讨论。电影是用“真”的方式说“假”，这些都会依赖于建筑。建筑、电影、舞台，这三者其实是“你中有我，我中有你的”。

　　李舒

　　从《海上花》看旧上海

作为《山河小岁月》作者，及其同名公众号的主理人，李舒对于民国历史熟稔于心

　　讲上海可以有很多的方向，可以讲它的十里洋场和老洋房，也可以讲飘荡在这座城市上空的无数传奇轶事。而对民国历史颇有研究的作家李舒，则选择从一本著作和其翻拍而成的电影从《海上花》来解读老上海的文化。

　　李舒的演讲从三个与上海知名高级妓院——“长三堂子”有关的故事开始：著名收藏家、书画家、民国四公子之一张伯驹和青绿山水画家潘素相爱、私奔，最终结为“书画双绝”的传奇佳话;电影《罗曼蒂克消亡史》里含香老五原型的曲折身世;到张爱玲与《海上花》原著的渊源，最终引出台湾导演侯孝贤于1998年拍摄的电影《海上花》。

　　在李舒看来，《海上花》用一种近乎《红楼梦》的笔触来写上海的高级妓女。《海上花》只是一个噱头，但是它背后的娼妓文化，映射出了一个时代的老上海，和整个近代中国史上的传奇故事。

电影《海上花》剧照

　　李舒×在场语录

　　上世纪1920年代到1930年代，“长三堂子”的妓女们，实际上就是上海新派女性的代表，她们见证了整个“海派文化”的行程，也留下许多诸如海派西餐、家居陈设西风东渐等时至今日都可以看到的产物。在1951年以后，持续了100多年的上海青楼文化，就慢慢慢慢消失在眼界之中了，但我并不认为“娼妓文化”是很低俗的东西，它有太多的近代上海乃至近代中国的传奇。

　　吴滨

　　摩登东方

吴滨演讲现场

　　作为“摩登东方”设计语言的缔造者、海派文化与生活方式的践行者，室内设计师吴滨，通过对“摩登东方”这一设计语言起源的阐释，重现了自己心中的“东方美学”。他认为自己对摩登东方的思考，源自童年时的外滩游船、锦江饭店等形成的建筑意向。但在室内设计领域的探索中，也逐渐意识到，家应该跟着主人的成长而成长，空间需求的变化，是随着时间、气侯、季度而变化的。

 吴滨设计作品

　　吴滨×在场语录

　　我们做的案子和作品，更关注“人”在空间中内心的感受。中国的消费者在不断的成熟和演变，作为设计师，我们需要时时刻刻的关注这些变化，时时刻刻要了解你前方的路在哪里。

　　韩生&刘杏林

　　美学遗产与戏剧空间资源

韩生与刘杏林两位舞台艺术创作者以对谈的形式，与观众交流自己对于舞台艺术、空间、建筑的思考

　　在舞台美术和戏剧的历史上，有很多西方著名的舞台美术家，都是从事室内设计和建筑设计的。室内设计跟舞台美术之间的关系其实是非常密切的。很多人把建筑师称为生活的规划师，他们对于城市天际线的描摹，和舞台艺术家在舞台空间上规划演员的行为是异曲同工的。

　　由此，韩生与刘杏林以“美学遗产与戏剧空间资源”为题目展开对话。分别以各自的作品回顾，阐释了自己的舞台艺术理念。

　　韩生×在场语录

　　一个哲学教授的一句话让我特别受启发，叫“我心即道场”，剧场在哪里?实际上就是我们以另一个眼光看我们的生活，戏剧就是一种超越的生活形态，以这样的观念和状态，社会生活中充满戏剧性。把作品和生活做了一个无缝连接，把一个故事放在这么一个形式之下，一群艺术家和观众融合在一起，又分离出来，又融合在一起，任何地方都可能是一个剧场。

刘杏林舞台设计作品

　　刘杏林×在场语录

　　当我回顾中国的艺术或者中国的绘画和其他艺术，发现“留白”是特别重要的，“白”虽然不描绘任何形象，但是由于相关的暗示，它经常会给人感到它本身是有指向的，有意义的，或者是有形象的。

　　高艳津子

　　皮肤下的“动”

现代舞蹈艺术家高艳津子的演讲以一段即兴舞蹈开场

　　作为北京现代舞团的艺术总监，高艳津子认为舞蹈的核心就是修行，艺术本身就是信仰。

　　在作品《十二生肖》中，创作者用一座睡山寓意人间。一个对生命没有时间认识的人间，是对时间不了解茫然的生命状态，以此来推演出《十二生肖》要找时间的意义。《十二生肖》不光是承载着时间的秩序，同时也承载着命运对中国人的影响。而作品《二十四节气》是所有的生命都跟大自然在对话的过程，《三更雨·愿》则更加个人化，表达了关于轮回的寓意。

 现代舞作品《十二生肖》

　　高艳津子×在场语录

　　为什么说舞蹈跟空间有关，跟建筑有关，其实懂得随物赋形才真正懂得了艺术的空性。不管你的情感怎么表达，但是在舞台上出现的时候我希望给观众看到的，就是一场梦想，这场梦在某一个时候，照见或者对应你内心的心相会有无数可能和语言，绝不是一个直白的答案。

　　孙郡

　　用“镜头”造一个古典的梦

孙郡现场演讲

　　东方美学摄影师孙郡的创作阶段，可以大致分为《寻找中国的记忆》胶片系列、黑白照片手工染色时期和新文人画系列三个时期。从早期受西方影响的作品，到对于黑白胶片的痴迷，再到逐渐将自己的情绪和人文关怀置入其中，形成独树一帜的创作风格，孙郡觉得自己一直在“造梦”。可能很多场景都是真实存在的，但是有一个人物的出现，整个画面就会一下子变的不真实起来。

　　对他来说，摄影和绘画最主要的区别在于绘画是从虚到实，从“没有”到“有”去展现一张作品，摄影更多则是从一个寻找的过程、去一个复杂的地方之后，再从中提炼出想要表现在画面里的东西。

孙郡摄影作品

　　孙郡×在场语录

　　我觉得当你去做喜欢的事情，去经历喜欢的尝试，就一定会有很多东西残留在你的脑子里面，时间久了以后，它会跟你自己体内发生反应。我不认为我是在做一件艺术的事情，也不是一个特别商业的事情，它其实就是你自己想要说的，但是你是用作品的方式把它去呈现出来而已。做事情千万不要太有目的性，会变的很无趣。

　　俞挺

　　对偶——传统审美在当下建筑实践的嬗变

俞挺现场演讲

　　“上海地主”俞挺对自己的画像，是“一个45岁的中年男人，在没有保温杯的情况下，如何与日常的平庸作斗争。”他说：“有那么种英雄主义，明明洞悉了生活所有的真相之后，仍然热爱这个生活，我大概就是这么样的人。”

　　复杂系统、建筑互文性和类型学，构建了俞挺在建筑创作中的思想范式。而“对偶”，这个词是很多人不理解的。俞挺认为，如果可以把象征、比喻、拟人这些修辞手法都运用到电影、摄像、建筑设计、写作当中去，那为什么不可以把“对偶”引进去?这是一个多么中国人的思维方式。

　　城市的快、人心的慢;青山与绿水;明暗、虚实，这都是只属于中国语汇的“对偶”，也是中国人一个非常棒的思维方式。如果美不一定是真实的，如果真实的不一定创造美的话，那么“对偶”就可以给我们创造一种美的新方式。

俞挺作品“八分圆“美术馆

　　俞挺×在场语录

　　我为Nobody设计，但是这个Nobody不是弱势群体，也不是权贵群体。真正的Nobody是那些你们认为他有点钱，其实他不够有钱，但是他仍然要在这个城市当中面对高房价、高消费的压力下，维持那点有尊严的生活，他们羞于像那些所谓的弱势群体，像祥林嫂一般的发出那种嘶叫，他们沉默的想把自己的生活过好，我希望为他们设计，为他们的尊严设计。

　　我认为对于中国人来说，如果这个世界不够美好，就让我们创造一个新的吧。

　　【结语】

　　如果这个世界不够美好，就让我们创造一个新的。正如建筑师俞挺所说，ADCC生活艺术学院和“在场”一直在做的，也是在这个美学驱动的时代，以人文之美，为所有设计、艺术行业的探索者、践行者，注入更多跨领域的知识积淀与灵感启发。

　　8个小时，8位师者，从清晨到日暮，带我们做了一场大梦，关于上海的前世今生，关于“舞台与空间”的一切可能。而日常生活作为设计的切片，也无时无刻不在构筑着设计的场景。在这个美的时代，我们每个人都需要“在场”。