近日，“南音”—潘汶汛作品展在杭州信雅达·三清上艺术中心启幕，40余件水墨作品如花落下。图为嘉宾合影：信雅达集团董事长郭华强（左二）、鲁美油画系主任张志坚（左三）、浙江信雅达文化艺术发展有限公司董事长杨肖蓉女士（左四）、艺术家潘汶汛（左五）、策展人梁庆（右一）

潘汶汛

梁庆

　　这一次，身形娇小的潘汶汛携笔下阔达磊落之大格局，举重若轻地识破人生机巧，放下外在沉重，轻盈转身，带来一场袅袅盈波的南音演绎。

　　近日，“南音”—潘汶汛作品展在杭州信雅达·三清上艺术中心启幕，展览将持续12月12日。此展是潘汶汛自2015年举办“终朝采蓝”个展后时隔两年的再次亮相，40余件水墨作品如花落下，虽无声，观者心中却梵音天籁。

　　极具盛世气息之石青石绿等矿石质颜料的使用，加上蛤白巧妙自如的加持，使得潘汶汛的作品仅在“色”上便综合呈现一种浑然天成之混沌景世，更罔论笔墨技法的浑然天成。粗看其作，浑圆和谐，细品，则发现诸多矛盾：用笔之迅速与成像之安逸;形、面的虚无与整体的扎实感;实际尺寸与心理空间的非对应关系，以及其对宏观宇宙时空与微观心理空间的有趣把握等，细节甚多，有某种禅意的高端表达：视觉力量强大，但观看过程轻松，因不需文字的刻意解读，故无枉说教，心灵沟通互相无碍。某种程度而言，具普世之能。

“南音”—潘汶汛作品展开幕式现场

　　南音袅袅

　　关于展览主题“南音”，策展人梁庆表示“南”的本义是乐器，声调低沉、平缓，维度较宽，耐听且有厚度，在此被视为空间，是一个介于现实与想象之间的方位。“我看潘老师的作品本身就有一种说不上来的喜欢，有些文字意象自然生发，本是散点星空，现在有机会把它们汇成星云，变成一个发光体。她的作品很多意象很难得，如空灵感，完全靠模糊的边界表达各种情绪，不需要很具体的形体勾勒或生硬的表达，这与声音的质感有点儿像，很玄妙，但恰是中国文化艺术里十分厉害的东西。”音乐可以反复听，诗歌可以反复吟，艺术的精神也身处其中，成为人类内心最尊贵、最崇高的灵性之物。

　　而南方亦有嘉木，具蓬勃朝气和生机。“初见潘汶汛的作品，其中所蕴之草木荣华首先会在视线里铺陈最初的生命气息，那些色彩连同某些来自遥远敦煌的意蕴，散发的却是她所在的江南的灵秀和温润，是江浙一带天落水的氤氲。落于草木间的禅与物，也无不洋溢着生命的旺盛天真，亦在不经意间流露出轻微的物哀之美——在此，人与景致没有强烈的情感释放，而是恬淡或略有哀而不伤的欢喜，一如潘汶汛自己忽然无缘由地喜欢那两个字。”所以梁庆觉得潘汶汛这次是将“声音”写入画面，也许正因悲悯之心的关怀，故而禅意顿起：“南无”，在此成为连接的共感，映照关联的佛心。

“南音”—潘汶汛作品展厅内景

　　当然，潘汶汛是钟情传统的，也必然经历过“搜尽奇峰”和“废纸三千”的艰辛磨炼，但她的可贵之处在于不拘泥规训的技巧，而是努力踏出一条属于自己通往传统的道。其画从不刻意炫技，而是在放松且投入的过程中践行水墨语言的精道。在她眼中，传统经典是公器，只需范围合理，使用则无限制，但自省需备，“常自省才能真正自知，也才能坦然面对世间的真相。”于是，在如何消化这一隐藏秘密的过程中，传统成为她塑造自己的关键基础，菩萨、婴童、狮子、兔子等构成其面貌的重要图世，但她最终想要的，是这一切所搭建起来的某处“理想家园”，在这个世界里，她可以褪去尘世间所有皮囊：女人、妻子、母亲、老师、女儿等，成为一个只因喜欢画画而认真画画的人。

　　所以，某种程度而言，画画，是潘汶汛这一世渡河的那叶扁舟，漫漫苦海，只此一道。故她无畏拥抱当代，也不惧回避传统，因为二者都是命中既有，根本无所谓选择。这种气质十分明晰地诉诸笔性，不掩饰也不强化，一切自然发生，也将自然结束。故著名美术评论家皮道坚言道：“在目前所处喧嚣的物质社会中，潘汶汛的作品有种内在气质这个东西有种普遍性，恰恰体现了当代对社会的一种审视态度。所以她的作品当下性意义应当从这一方面来挖掘。真实内在的打动表达是艺术中最重要的一种品质，在这一点上我对潘汶汛是非常赞赏的。”

　　潘汶汛，1976年生于浙江杭州，2004年中国美术学院国画系研究生毕业，同年留校任教于中国美术学院国画系，2010年获中国美院国画系博士学位，现为中国美术学院副教授、硕士生导师。她曾说过：“画，需要怎样被评鉴看待，古人评画所谓：能妙神逸，其实在古今中西，都可以通用。动人的作品跨越时光，纵然不同地域习俗文明，艺术是人类共性的语言。这些无论精致或古淡或粗犷或柔丽的作品，是否能经历时光与现实背景，依然撩动观者的心弦，具有某种深刻的共性，是来自俯仰宇宙，也来自最最细微的艺术家敏感内心。”陶咏白也曾说她的画“整体具有一种东方的神秘色彩”，而杭春晓更直言她的画“在杭州算一个意外”。

　　“图像时代，绘画的意义何在?潘老师的绘画加深了我对绘画的思考和理解。”在梁庆的理解中：潘汶汛的画不是重复看到的东西，而是有很多“弦外之音”，再往里还有各种细节，但节奏舒服，气息尚可游离，“这就是绘画带来的更高层面的精神空间。”在他心里，潘汶汛很“潇洒”，“这不是不负责任或放肆，而是历经筛选后的收敛喜悦。”因为在潘汶汛看来，“艺术的使命就是真实，它是我最大的力量来源。”

“南音”—潘汶汛作品展现场，投入的观众

　　“汶汛”而来

　　潘文汛的画，呈现的自是可理解之物，但笔触和造型语言极为诗性。“我理解的‘画’其实挺抽象或混沌，并不适合非常明晰的表达。故很多形没有具体间界，而是利用设色或墨的晕染与飞白塑造出一定的想象空间，这是我喜欢的。”她曾形容这种状态为“距离感”，希望由此获得可揣摩通道，使自己或观者达到同频之界，以及毋需言语、具体形便可达到的心灵映合。“这种感觉如同听一首古老的美好音乐，它带来的联想超越时空，亲和可触。”

　　接下来，不妨听听她对一些具体话题的理解，干货甚多。

具体技法

　　潘文汛：我从小就不喜欢把一样东西画得很明确、很具体，这可能跟童年经验有关。我挺喜欢“浑然天成”的境界，绘画更依赖抽象物的随机性整合，带有一丝天然之意，又是非常主观的筛选。有些形状一开始没着落，然后在抽象笔触中慢慢找寻它们的关系，利用墨、色、线之间的结合在随机中找平衡。

　　我画人，一般从眼睛和头发开始落笔，墨落下，怎么连线，再如何把墨点和连线画出好看的感觉，这靠笔性而非强硬的主观造型。 我大学的时候学过工笔，它带给我的除了晕染技法，还有调整画面的能力。画粗笔，用笔时一定要有速度感，大笔墨先落完，但这一堆抽象的点线墨块需要慢慢整理，然后上胶矾，回到工笔渲染的阶段，再调整墨色。这时，远看整张画会有一团墨气，近看，有很多笔墨霹雳的速度感。

　　一张画进行到不同阶段要做不同工作：一开始是速度，后来慢慢晕染，最后慢慢调整。这些不同阶段中，直觉敏感的判断和调整的耐性，及一定技法的积淀，都是必不可少的重要元素。

　　有段时间，我画了很多类似的题材，其实就是在锤炼自己画画的控制力。如何把个人直觉性的东西变成非常靠谱的阶段性成果，是一个漫长而考心性的过程。所以，我每张画的创作时间都挺长，并非一气呵成。这其中我揣摩了很长时间，包括对白的运用。白是负形，黑是正形，计白当黑，两种调性的调整很微妙。

潘汶汛  秀幽于秋  235-680cm  纸本水墨设色  2017 

潘汶汛  成双  36.5-34cm  纸本水墨设色  2017

画中常出现的儿童、动物等形象

　　潘文汛：他的形象特别棒，但不是因为他是我儿子，而是这种婴儿的状态极棒，饱满，干净，像萌芽的花苞一样欲放，你不知道它开出来是什么样，有万般可能。所以，它并不具体指向“我的儿子”，而是旨在“人在世间最初的萌芽”。

　　包括我画动物，也并不是只画动物本身，而是意在它呈现的生命诗性和步态或节奏带有的自然美妙。包括我去灵隐，会在石头里看到灵性，这一方面源自石头的形，另一方面，则是多年人行走的轨迹和时间流淌的厚度，这些都是生命孕育的闪光点。

　　所以，我在意的不是某个具体的物类，而是其背后的诗性与崇高。

潘汶汛  麓心 75.5-85.5cm   纸本水墨设色   2017 

潘汶汛  蔓生系列之白羊  92-33cm  纸本水墨设色  2017

潘汶汛  蔓生系列之东方白鹿  69-36.5cm  纸本水墨设色  2017

潘汶汛  仙鹤六 局部 96-235cm  纸本水墨设色

敦煌

　　潘文汛：在我看来，敦煌壁画其实是古代艺术家或工匠的一种赤子之心，我在这种天真天然的表现里获得了共鸣和愉悦。但工匠的表达可能有一定的程式性，而时光变迁带来的空灵感也会赋予一定的力量，所以，敦煌是件学术公器，而每个人内心都有审美场，在这个公器上呈现我的个人化面貌很不容易，但过程非刻意追求，而是兴趣使然，这种不谋而合会很愉快。 

潘汶汛  白鹿潭 30.5-56cm   纸本水墨设色  2017

潘汶汛  古音  65-74cm  纸本水墨设色  2017 

（文中图片由信雅达·三清上艺术中心提供）