展览海报

　　策展人：艾蕾尔

　　学术主持：袁佐

　　展览开幕：2018年3月5日 15:00

　　展览地址：北京市海淀区清华大学美术学院A区一层展厅

　　主办单位：清华大学美术学院

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　　绘画的向度：张永瑞、仇墨娇、刘化琦三人展

　　绘画主题的变迁由记述人类生息劳作、传播宗教信仰，以至到明人徐渭将笔墨有意识或无意识地作为形成画面的重要主题。但在后来的几百年中人们忽略了东方绘画意识而执意追求在一个两维材料中叙述、描绘人们三维视觉的经验，陶醉在一个三维视觉的假象之中。直至二十世纪人们才开始了继续东方人之前所做的尝试。

　　什么是新的绘画主题? 今天的展览“绘画的向度”非常勇敢地提出了这个具有挑战性的题目。他们每个人的主张或侧重可能不尽相同，但他们是严肃的、有现代人文情怀精神的、且勇于质疑习惯认知。他们的绘画语言直白强烈，有别于地域性的学院式形象。他们的探索为清华美院在绘画专业研究方向中加入了一股有活力的、清新的力量。

　　对于文化的认同或责任感需要年轻人的真诚和修养，我们所关注的当代绘画所提倡的本能、直觉和下意识是需要建立在一个对民族文化有情感、对人类文明有理想、具有人文情怀的现代人的基础之上。

　　——学术主持   袁佐(著名旅美艺术家，清华大学美术学院基础教研室副教授，美国麻省艺术与设计学院 客座教授)

　　什么是当代语境下“非具象”绘画的趋向?本次展览尝试回应这一问题，三位参展艺术家沿着“非具象”方向有所实践，各自形成了较明晰的艺术面貌。

　　绘画的向度，意味着多维度的可能性，在这里则指涉一种隐秘的、不可见的路径。他们的作品隐含着叠合的结构：图像的隐匿，以及非图像的索引。前者指的是绘画中没有呈现出任何有待阐释的图像、有待说明的观念、有待被唤起的征象。相反，一切可被辨识的图像意义都失效了。

　　那么，厚重颜料的堆叠、侵蚀的笔触、增殖的线条，共同暗示着什么呢?一条去图像化的路径，即倾向于更内在的、更纯粹领域的扩展。作品呈现的视觉表象带来有关强度性的暗示，通向另一端不可见的本源状态。在这个过程中，感觉的延宕、流动的介质、强烈的在场感都被释放出来了。绘画所欲抵达的终点，便是获得自身的生命。

　　——策展人  艾蕾尔(独立策展人、清华大学大学美术学院博士)

张永瑞 无题，150x180cm，综合材料，2018

张永瑞 up and down，200x200cm，综合材料，2017

　　我的创作中所关注的是绘画中的“时间性”问题。

　　强调“现在”既是使得画面能够体现时代性，又能够以一种长期动态的形式，把握无数“现在的现在”。不是仅仅是强调绘画的过程，而是以更动态的角度去审视架上绘画，何为完成，有无完成的一天。

　　“每一瞬间都承载着过去的整个洪流。”这种动态的审视，使得绘画作品本身有了随时代发声的力量。我的理想状态，是让画面一直生长下去，与每一个“现在”都存在着联系。这种奇妙的感觉会在我们的意识当中，重新赋予“现在”原本应有的丰富性。通过抹去“过去”与“现在”之间的分界，使画面自身就能形成一种“生长”的语境，这种语境自然成立并且不会以固定的形式和状态结束。

　　这是我在艺术道路上追求与试探的一种方式。

　　——参展艺术家 张永瑞

仇墨娇，消失与生长，180x140cm,2017

仇墨娇，w4-37,115x90cm，2017

　　我在获得绘画“经验”的同时也试图挑战它：我将不同种类的笔触叠加在同一画面中，让“笔触”成为画面的主角，摆脱其在艺术史中长期的“辅佐”角色。我的作品向来是一种开放的布局，不同逻辑关系的穿插直接反映了我个人思维方式的转换，我并不刻意在过程中维持相同的画面逻辑，这同时产生了有关绘画的思考：作画过程中非单一逻辑关系的叠加，兼具时间性与空间性，它与传统的绘画方式及美学追求产生差异，相比之下，非预定性画面的价值何在?我不认为自己的作品有终点，它们可以被无限覆盖、涂抹下去，某个“完美”的节点在被“破坏”后或许是拓展新领域的起点。在我的作品中，没有太多指向性的现实因素，但我认为作品在精神层面的外现上是非常“具象”的。笃定，又或是迷茫，时刻暴露在画面的某一角落里，它们使画面变得鲜活。运用何种绘画形式并不是我所在意的，更重要的或许是挖掘新的艺术观念。我会坚持在文化判断上勇敢选择，反思绘画经验的两面性，去质疑，去探讨，去实践。

　　——参展艺术家仇墨娇

刘化琦作品

刘化琦作品

　　我认为抽象从来都不指向具体问题，是跨越具体问题之上的一种形式与精神的高度团结统一。我试图在绘画中找寻一种不确定的存在，但都会有一个精神性的指引方向，一个属于自我的沉浸体验式的精神空间。我想追求一种自由纯粹的精神性书写，但其中又有基于自身以往经验的审视和判断。覆盖与徘徊，隐没与显现，破坏与建构，在非线性的表达中，开始与结束并置，从中探寻一种自我的存在。

　　——参展艺术家刘化琦