2018年3月24日，“奥拉维尔·埃利亚松：道隐无名”个展于红砖美术馆开幕

　　“如果你放下手机，会有不一样的感受。”

　　2018年3月24日，景观制造大师奥拉维尔·埃利亚松(Olafur Eliasson) 迄今为止在中国的最大规模个展“奥拉维尔·埃利亚松：道隐无名”于红砖美术馆开幕，艺术家亲自进行了现场的媒体导览，在导览上，埃利亚松不断地强调着这句话。

　　作为一名艺术家，埃利亚松非常擅长使用科技的手段，运用装置、绘画、雕塑、摄影和电影等媒介创作，将自然中的声、光、电、水、雾等各种元素引入其作品中，精确地制造出人工的“太阳”、“瀑布”、“水流”、“冰川”、“星球”，带领观众进入到他所创造的世界中。当观众面对这些人造自然物之时，得到了一个“冥想”与自我反思的空间，观众成为参与作品创造的一部分，与艺术家一起探究一个永恒的问题：我是否真的存在，我的存在与否又有什么意义?

　　因此，艺术家鼓励每一个人进入他的作品，获得一种“在场感”，从而在精神上与艺术家产生共鸣，达到身体与思想的一致。

开幕式现场，（左起）丹麦媒体公共外文化主管汉娜 、冰岛驻华大使古士贤、艺术家奥拉维尔·埃利亚松及策展人闫士杰

　　这种“在场感”，打动了红砖美术馆馆长闫世杰。埃利亚松作品中与自然的关系，与红砖美术馆园林式的建筑风格彼此相呼应。早在2012年，埃利亚松就曾到访红砖美术馆，而闫世杰在考察西方现当代艺术的过程中，也早就对埃利亚松的作品倾心已久，陆续收藏了埃利亚松三件作品：其中包括2003年艺术家参加威尼斯双年展的作品：《盲亭》(The blind pavilion)，之后又收藏了《声音银河》(Your sound galaxy)及《水钟摆》(Water pendulum)。在经过两年时间的策划之后，闫世杰终于实现了在红砖美术馆呈现埃利亚松个展的想法，并亲自担任策展人，取名为“道隐无名”。

新闻发布会现场，艺术家奥拉维尔·埃利亚松发言

策展人闫士杰与艺术家奥拉维尔·埃利亚松

　　此次展览，这三件收藏作品也一同呈现，除此之外，还带来了艺术家过往创作中的代表作及最新的创作。

奥拉维尔·埃利亚松 ，《遗失的指南针》，2013

　　展览以《遗失的指南针》(The lost compass)(2013)开始，主体是一根来自埃利亚松的家乡冰岛河流里的一块浮木，上面装置了很多小的磁铁，可以根据不同的吸引转变方向。这根木头被悬挂在红砖美术馆大厅的圆形阶梯上面，它就像一个指南针，指向南极、北极。当观众进入展厅，追随这根木头的方向，便可以判断出自己所在的位置：美术馆的门是朝向什么方向，你身在美术馆的什么方位?你的家乡在哪儿，你的国家在哪儿?展览的开始，艺术家抛出这个问题：“找到你自己!”当你能找到你自己的所在，也许能更好地帮助了解你究竟是谁?

《道隐无名 》The unspeakable opennes of things，2018

　　带着这样的疑问，展览的每一件作品都试图帮助观众获得答案。展览入口右手边展厅内的作品：艺术家最新创作的《道隐无名》(The unspeakable openness of things)为展览同名作品。悬挂在展厅空间中的大“太阳”发出黄色的强光，使颜色在这个展厅里失效。进入展厅，你的肤色，你漂亮的衣服、抑或精致的妆容都被“卸掉”，身份失效，最真实的你展现在别人的眼前;又透过墙顶上的镜子，开始反观“自我”。悬挂在展厅中间的“太阳”，只散发出一半的光，另外一半的光需要靠观众的想象，抑或镜子的反光完成。

红砖美术馆馆藏，奥拉维尔·埃利亚松，《水钟摆》，2010，装置，摄影：邢宇，

橡皮软管、 水泵、频闪闪光灯，尺寸不定，© 2010奥拉维尔·埃利亚松

　　在左手边展厅的《水钟摆》，通过制造一个特定的压力场域，形成一条水柱，同样的水柱，从空中掉落至地上，又重新聚集，形成一条新的水柱，来回不断地循环。通过光的照射，在空中左右摇摆的水柱产生出完美的形态。此时，也许你可以放下手机，静静地在黑暗中观看水柱的变化，聆听水落地的声音。

《圆角》 The round corner，2018

　　从《水钟摆》进入《聚合彩虹》(Rainbow assembly)展厅的过程中，是作品《圆角》(The round corner)，一个红色的圆形在墙角折叠成两半，从被压扁的不规则的形状，随着观众前进的步伐，逐渐变成一个正圆。

《 明日共鸣器与昨日共鸣器》Tomorrow resonator and Yesterday resonator，2018，左边代表黑夜，右边代表白天

　　接下来《 明日共鸣器与昨日共鸣器》(Tomorrow resonator and Yesterday resonator)是为此次展览全新创作的作品，同样是两个圆形，通过特殊的镜头散发出不同颜色的光照在墙上，一个代表着白天，一个代表着黑夜。这是艺术家对一天中光的变化的细致观察。这些精致的光圈美妙至极。在表示夜晚的光圈中，一种最极致的蓝色是太阳落山时，在关着灯的房间里，透过窗户才能观看到的颜色。当观众站在作品前，会被这一源自自然的纯粹的颜色深深地吸引。

《聚合彩虹》Rainbow assembly，2016

　　《聚合彩虹》从外面看，是一个圆形的神奇的瀑布，走进瀑布里面，会出现非常奇妙的景象：瀑布变成了彩虹的颜色。有趣的是，当你移动的时候，彩虹的颜色也在不断地变化中。这里，艺术家创作的想法开始逐渐展开：当观众存在于瀑布里面时，才能看见彩虹，即：“彩虹的存在，是因为观众的存在;同时，观众存在的位置，又决定了他看到的颜色的不同。就像《道隐无名》这件作品一样，观众在这里成为作品创造的一部分。

奥拉维尔·埃利亚松，《未思之思图志》，2014，摄影：伊万·巴恩，由艺术家、柏林neugerriemschneider画廊和纽约谭亚·博纳克达画廊提供，© 2014奥拉维尔·埃利亚松

　　《未思之思图志》(Map for unthought thoughts)是最能帮助观众实现自我观察的作品。展厅里像太阳一样的唯一的光源将笼罩在外面的网投射到墙上、屋顶。随着光源不断地转动，墙、屋顶也在缓慢地移动，就像围绕着太阳不断转动的地球。艺术家首先让观众意识到，我们每天都处在不断运动中，甚至当你面对墙站立时，会因墙的运动产生失重的眩晕感。但有趣的是，当你在移动时，这个“世界”便“静止”了。艺术家在其中一面墙上安装了镜子，于是，观众在这个展厅里可以看到四个自己。一个是存在于展厅里的自己，一个是借助光投射在墙上的自己，一个是镜子里的自己，还有一个是在镜子里的墙上的投影。有意思的是：当你越靠近光源，你就越能透过镜子看到最真实的自己;墙上的影子也会变得越大;在这里，如果艺术家将光比作真理，解读就变得更有意思。人越接近光(真理)，就越能“照见”那个最真实的自己，透过光所散发出来的自我，也会变得越“强大”。相反，当人越远离光，就越看不见自己，投射出来的自己也就越来越小。

《冰川风景》（后） Glacial landscape，2018

 《生物钟球体》（前） Chronobiological sphere，2018

　　《冰川风景》( Glacial landscape)与《生物钟球体》( Chronobiological sphere)也是一组2018年艺术家最新创作的作品。《冰川风景》是用来自芬兰的冰制作而成的绘画，墙上的绘画通过《生物钟球体》被反射出来，两件作品相互关联。与《聚合彩虹》一样，《生物钟球体》通过不同的角度观看，可以获得不一样的内容、色彩。观众是决定作品如何呈现的核心，在球体不同的角度所观看到的黑色、蓝色、以及镜面反射出的自己等，所有观众看到的一切都是由自己来决定的。

红砖美术馆馆藏，奥拉维尔·埃利亚松，《声音银河》， 2012，装置， 不锈钢、镜子、 卤素灯 、装置由27盏灯组成每盏灯直径58-70cm ，© 2012奥拉维尔·埃利亚松

　　展厅里最后一件作品：《声音银河》是由外圈和内圈两组形状不规则的球体组成的作品，其中隐藏的是一个数学公式：两个外圈的球体形状相加可以得到内圈一个球体形状。这件作品由埃利亚松和已离世的忘年交老搭档埃纳尔·索尔斯泰恩(Einar Thorsteinn)共同创作，作品对于艺术家的意义，同样值得观众思索。在对好友索尔斯泰恩的追忆信中埃利亚松写道：“他对空间扩展性概念的兴趣以及超脱世俗的看法，在这些年里成为我丰富的灵感源泉”。

　　整个展览从对自我的拷问开始，通过完美、精确的科技手段，艺术家帮助观众进入一个冥想的过程。在展览开幕式上，艺术家总结到：“此次展览的每件作品都为下个作品展开了全新的可能性，作品空间之间的旅程呈现了连续的叙事性，并与美术馆外的时间和空间产生了联动。 当观众真正沉浸在观看一件艺术品的过程中时，好像就是在寻找和观看自我，并意识到这个自己的存在是与自然共同创作、甚至是共同协商创作的一种’存在’”。

　　奥拉维尔·埃利亚松专访

　　雅昌艺术网：您作品中有很多人造的“自然”：太阳、瀑布、河流、冰川、星球等，这些东西听起来很像科幻电影里看到的未来世界，您想用“人造自然物”表达一些什么呢？

　　埃利亚松：一进门的《道隐无名》，我做的这个“太阳”看起来像是一个太阳，实际上只有一半是我做的，另一半在你的想象或者是心中。我们实际上做了一个美术馆以内的太阳，还有一个美术馆以外的太阳，这个美术馆以外的太阳意味着什么呢?

　　它可能意味着太阳能。比如我胸前戴的太阳能电池板，是我在德国柏林收集的太阳能，通过它可以跟大家分享一点来自德国柏林的阳光;另外太阳还意味着食品，比如我们去吃沙拉，里面的蔬菜都是在阳光照射之下生长出来的，我们在吃的东西并不仅仅是沙拉，也是太阳光;太阳还意味着什么?还意味着一种精神世界，一种温暖，一种被接纳的感觉。所以太阳对于每一个人有着不同的意味，这全在于你自己的解读与想象中。

　　通过这个人造的“太阳”，你可以观看到美术馆之外的那个太阳。

　　雅昌艺术网：您的很多作品都是让观众觉得自己与空间产生关系，从而慢慢思考自己为什么存在这个世界上？您是如何把自然中的存在变成人精神上的思考？

　　埃利亚松：我觉得这是一个思维与身体的关系，我们仅仅是思考，不会改变任何事情，只有当我们真正用身体具体做这件事情的时候才可以造成实际的影响。我们的思考与真正的行动之间，它的区别和距离一般比我们想象的要大得多。我很难把一个纯粹的思想告诉观众，但是我可以抓住“太阳”这种非常明确的、具体的感觉。

　　雅昌艺术网：您这次展览的标题为“道隐无名”，作为一位西方艺术家，如何理解展览名称所呈现的“中国意境”？

　　埃利亚松：当我去创作一件作品或者呈现一场展览的时候，我想让所有观众感觉到自己是被聆听，被关注，他想表达的东西是被充分认同的。这就是为什么当我这些作品在美国展出的时候很多美国人会问：“哇，你怎么能做这么一个有美国风格、美国味道的展览?”在别的国家也会有这样的情况。为什么?实际上是所有的观众在我的作品之中看到了他们自己身份的折射。观众会感觉到一种中国意味，因为他将自己的知识、背景、文化投射到了我的作品之中。

　　一个人的主体意识是能够参与现实建构的，所以当我们去观看这件艺术作品的时候，不仅仅是一个消费者，也不仅仅是一个艺术的观看者，实际上我们也是艺术的创造者，比如说这件艺术作品有我作为艺术家的创造，有这件作品自身存在的意义，它还不完整，还有一部分是你作为观者，同时也是一位艺术家，你也参与了1/3的创造。

红砖美术馆馆藏，奥拉维尔·埃利亚松，《盲亭》，2003，装置，摄影：邢宇，钢、 黑色玻璃、透明玻璃，250×750×750cm，© 2003奥拉维尔·埃利亚松 

　　雅昌艺术网：通过这个展览，您帮助观众重新去审视自我，重新去观看艺术，重新去理解生活。您本人是如何认识自我，又是如何理解艺术与生活的？

　　埃利亚松：我认为艺术可以让这个世界变得更加强大，世界也可以让艺术变得更加强大;与此同时艺术可以让这个世界变得更弱小，世界也可以让艺术变得更加弱小;有的时候艺术让人们变得更加敏感，有的时候人们让艺术变得更加敏感;有的时候是我们去观看艺术，有的时候是艺术反过来观看我们;有的时候我们变得盲目，有的时候盲目回头看见我们;我是无比地确信艺术和这个世界是紧密相连的。艺术对于我而言是一种触摸周围世界的方式。当我们去观看一件艺术品的时候，可能会感到自己的一部分被包容在其中;有的时候我们会在一件艺术品上认出我们自己的一部分。

　　当我们真正沉浸在观看一件艺术品的过程中时，好像在寻找自我，会问我究竟身在何方?艺术不是关于艺术，而是关于我自己。如果一件艺术品想要倾听我的声音，就说明我有足够的重要;有的时候我想要说一些东西，但不知如何启齿，这时一件艺术品帮助我，告诉我自己想要去诉说什么。

　　艺术品就像显微镜，让我们去近距离的，更加具体的去关注世界。当我去制作这些艺术作品的时候，我对细节，以及这种冥想的特质特别关注，因为我希望人们在观看的时候不仅是在看作品，也是在反思自我。在这种冥想的过程中，会意识到我们的存在是和自然共同去创作，甚至是共同商量去创作的一种“存在”，它不是一个“是”或“否”的问题，而是我们需要在行动之中逐渐想明白、在和周围环境互动之中共同营造的这么一个东西。

　　这就是为什么我们整个展览的第一件作品是入口处名为《遗失的指南针》，当你走进美术馆可能会瞬间迷失，它帮助你找到方向。引导你走向更好的生活：好的生活其实就是一次成功的导航，与获得某一件物品无关，而是关于我们如何去组织我们的生活，我们以怎样的道德标准，怎样的艺术、怎样的政治去组织我们的生活。这就是我认为艺术是什么、生活是什么。