近日，艺术家李文光最新个展“复写”在蜂巢(深圳)当代艺术中心举办，引得不少深圳观众前往。在此次展览中，为李文光带来普遍声誉、同时也是成就其独特视觉特征的几何图式，依然担纲和引领着个展新作的主体趣味;另一方面这些几何图式又被戏称为“阿拉伯式花纹的抽象”，乍一看，还以为艺术家深受阿拉伯文化影响，笔下不自觉即流露此种风格。但深聊下来才发现，这只是个美丽的巧合。从油画创作，到单独提取肌理形成几何图式，再到几何图式的重组、推演，李文光不仅很少受到外界“他文化”的影响，反而是难得的一个安静而耐心的艺术家，在别人看似枯燥的空间和时间中，李文光从点到线、到面、到空间，好像建构了他自己的一个“几何王国”。

李文光最新个展“复写”展览现场

　　1985年出生于上海的李文光，自2004年开始创作至今，历经了几个阶段对绘画语言形式进行的多元化尝试。最初的李文光是画油画的，他在做一个油画的肌理效果时，为了和这肌理产生对比而绘制了一个几何图形，“简单的几何结构线略显单薄，所以利用同样是线的方式进行排线填充。这种效果令我觉得出奇的饱满和完整，于是想着是否单独作为独立的元素创作。””如今，我们还可以在李文光的画面中看到这样的基础几何单元的面貌，它们本身是“面”，但却由中性水笔反复勾勒的“线”给填满。

艺术家李文光在展览现场

　　2011年之后，李文光将油画作品转到了纸本上，“从油画转到纸本是一个非常大的挑战。那时候我也很纠结，但从作品的角度来讲，把几何结构转移到纸本上，更能呈现出一种不一样的素净感，这是纸本所特有的温度;对我个人来说，也是想保持的一个状态。”

李文光 7 2016 布面纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 110×110cm

　　单独提炼出来的几何元素，在李文光的思维中慢慢酝酿、发酵，它们的图式、变形、组合、衍生，产生了层出不穷的可能性。在一组25×25cm尺寸的画作中，可以清晰地看到艺术家这一变化探索的过程。“当时在做几何结构变化时，我有意控制在25×25cm的范围里，在一个有限的空间里，狭隘的结构框架中，有意识地规避已经呈现过的结构路径，创作过程带有‘随机应变’的可能性，在有限的空间中发现更多的有趣的结构变化。”

李文光 16 2018 石膏纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 40×39cm

　　“当个人的艺术语言确定之后，画什么对我来讲已不是很重要，我的这种艺术语言不像油画的空间表现那么大，因为线条填充是有局限的，但我想在这种局限中发现更多可能性。我一方面会在这个视觉体系去做，另一方面也会延伸到其他方向。探索一段时间也许两个方向会有交叉，这是我期待发生的现象。”

李文光 8 2017 布面纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 150×140cm

　　中性水笔的使用，限定了李文光的作品中几乎只有紫蓝、墨蓝、红、黑四种颜色，从理论上说，似乎颜色上有些单调，但无意间倒造就了它作品的一致性，加上几何空间的变化，颜色的局限已若隐若现。“中性水笔带有油性，解决了在拖裱过程中与水融合的反应，水彩笔有丰富的颜色选择，但它遇水会溶。虽然在选择中性水笔有不得已的原因，但也使得个人在创作的过程中更强调结构的特性。在作品的呈现上也更具有整体，统一。在感官上也更倾向专注于绘画的结构层面。”

李文光 雪中的盆栽 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、树脂 180×130cm

　　虽然确定了相对范畴中的艺术语言，但李文光认为，不断地探索，不断地发现一些新的元素应该是常态。“到目前为止，我不会说哪个阶段就是固定的或者不变的，我从来没有这样想过。对艺术家而言，艺术语言是最主要的，接下来随着你自己的成长，你对社会的认知，以及你在艺术史或者是对作品更深入的了解之后，会慢慢往上走，慢慢蜕变。如果我现在就固定住，对以后是没有好处的。那样我会觉得自己的艺术生命比较狭隘，我想不断地往更开阔的方向去思考、去实践。”

李文光 13 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 180×200cm

　　2017年出现的蓝色系列新作证明了李文光在艺术形式多样性上的探索。与之前的作品比较，新作继续保留了原有满幅的几何构成，但在抽象表达的形式中出现了较为具象的图像，打破了艺术家以往那种相对均质的构图模式，如《界河》的山与河的形象、《雨雪》中的云与雨的形象，让作品产生了核心主旨和视觉聚焦的效果。

李文光 两面受光的盆栽 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 180×200cm

　　与此同时，艺术家在作品的命名上，也试图为观者提供一个现实中相应的切入点。例如《李白》中“启明星”的主体形象与作品命名这一线索相联系，调动观者的个人经验与画面图像形成互动，由此生成多元化的解读方式。“当时想画一颗启明星，天亮前后最亮的一颗星，是借景来创作的，脑中的画面出现得很突然。后面在查看相关的资料时，发现李白，字太白;而启明星又称金星，古代名为‘太白’，于是就有了作品《李白》。”

李文光 李白 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、树脂 205×153cm

　　虽然李文光的作品与中国传统的绘画关系并不密切，更多遵从现代主义谱系中派生出来的创作方法论，但不难看出具有中国美学特征的“留白”手法给予了他某些启示，在看似无限繁密的线条建立起来的蓝色背景之上，艺术家通过色彩之间细微的差别，在营造空间层次的同时，也让作品自身的画面保留了呼吸的通道。尤其是作品主题又与赋有传奇色彩的文人李白有关，使之绘画行为本身也带上了“品题”的色彩，在学术层面上与主题、与观者，共同构建了一个相辅相成的想象空间。“留白，但我的‘白’是一贯的蓝色。因为我不可能把作品一下子脱离得那么开，我首先把惯用的艺术语言体现在背景的层次上，山水画的留白反而变成我刻画的部分。”

李文光 界河 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、树脂 90×90cm

　　不少观众在看了李文光的作品之后，不禁对其繁复、精密的线条、拼贴叹为观止，尤其在尺幅较大的画作中，这样的反复摹写、层层拼贴，必然要耗费巨大的人力、心力。面对这样的工作量，一般人往往容易身感疲惫，心有倦怠。但对李文光来说，这仿佛不是一个问题一个障碍，反而是他主动的选择。在现场我们可以明显对比出，2017年来的新作，是空间感更大的探索，从画面来看，它的颜色、布局似乎趋于简单，但它似有若无的纵向空间反而留给人更多的思索。李文光坦言，这一系列的作品，和他之前那些繁复的作品，创作状态来说是不一样的。前者更为紧绷、压抑，后者相对松散、开放，所以他常常齐头并进，两条线穿插进行，反而是最有效的调节。

李文光最新个展“复写”展览现场

　　常人难以忍受的枯燥与重复，不过是李文光生活的一部分，他与大部分科班出身的年轻艺术家并不相同，他的起点就是热爱画画。从2004年高中毕业开始，李文光就边画边学，十几年下来形成了如今的性格、状态，他并不爱出去社交，也对混圈子兴趣不大，他的生活、创作简单重复，但他却十分确定，这就是他想要的。“你热爱这行，同时也必须具备勇气，但这种勇气是建立在自己的作品以及不要过多地被外界干扰这两点上。因为我觉得初生牛犊不怕虎，如果你过早、过多地接触外界，去接受外界的标准、判断，那么也许什么都不敢做了。我想保持一份单纯，保持一份建立在自己作品之上的自信。”

李文光 11 2018 布面纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 160×160cm

　　不过，千万不要武断地认为李文光会在这种单一、封闭的环境、状态中，被“憋”成了一个有些“不食人间烟火”的“书呆子”。在和他对谈的过程中，你可以明显感受到他清晰的思路、务实的风格，虽说他保持着自己的一份独立性，但对外界的规则也有着旁观者的洞若观火。2011年，李文光带着自己的画，开始一家一家地跑画廊，“我不出去，但我了解当代艺术的走向，我知道，把作品拿出去肯定有一些画廊接受，有一些画廊不接受。对当时的我来说，如何把自己的作品推出去是一大困难，反正上海的画廊多，我就一家一家跑。”

李文光 15 2018 石膏纸本拼贴、中性水笔、丙烯、油彩、树脂 40×39cm

　　跑画廊的过程并非一帆风顺，好在李文光心态极佳，没什么包袱，被拒绝也觉得是件平常事，最后反倒收获了好结果。有了固定的画廊代理，他又迅速回归到了之前创作的状态，“还是在自己的工作室里边，没有改变，除了画廊有我的展览或群展我会出席一下，一般不太出来。一方面我工作室比较偏一点，工作室是自己的家，本身是很生活的一个环境;另一方面也希望处于平静的、不被干扰的状态中。”