2018年11月13日至11月25日期间，“时间之镜”首届重庆实验影像双年展在四川美术学院美术馆拉开帷幕。

对于展览主题“时间之镜”，以及越来越日常化的影像如何凸显“实验性”，单元的划分和艺术家的构成以及策展团队的分工及策展思路等方面，采访到了本次双年展的两位策展人——批评家王林、四川美术学院新媒体艺术系主任李川：

王林：筹备了几个月的时间，具体实施可能用了一两个月。重庆作为直辖市，有意思的文化、艺术活动相对北京、上海而言，还是差得很远。曾经重庆举办过重庆青年美术双年展，这个至今还在做的双年展，也是为了推动重庆文化艺术的发展。

雅昌艺术网：影像在今天变得非常日常化，在展览中要如何凸显它的“实验性”？

此外，今天已经是一个全民影像的时代了，像一些手机软件段视频拍摄都是很流行的事情了。影像作为最重要、有影响力的媒介，其实有很多的艺术创造和发展，在艺术创新的可能性是非常大的。作为一种民间都可以使用的媒介，通过个人创造力的发挥，对改变并形成当下的新的文化民间是有好处的，在某种意义上文化民间意味着公民社会的重建。

       当代艺术从某种意义上来说，是中国现在时的文化创造力发挥的前沿阵地，举办这样一场双年展也是想起到一定的推动作用。将作品集中呈现出来，让大家看一看，对个人创新意识的启发是有好处的。

王林：其实十个单元就是十个案例，用案例式的方式来呈现今天新媒体影像艺术的创作状态。更多的是希望通过案例的方式把不同的形态和做法呈现给观众，而不是非得要告诉大家影像应该怎么做。

       不同的策展人有着不同的策展方法，我一直主张用案例呈现的方式来推动思维、意识的某种变化，甚至观众可能是随机性、偶然性的也没有关系，我们不一定非得给展览注入一种逻辑性的发展脉络，其实也没有必要。对我而言，案例分析比固化的呈现更有价值，我更多的愿意关注那些随时正在发生的事。

把这些正在发生的有活力的作品选取出来，用案例的方式呈现给大家。观众如果能够看到其中的一些思路和联系，那是非常幸运的事情。我更愿意把这种思路隐藏在自己对作品的选择和呈现的方式上。

为了和这件作品呼应，黄奥在《亲密关系》中做了一件带有行为的作品，把失踪人群的照片和收租院的进行对比，在如何尊重“人”上发出提问，殷晖的影像作品《蜉蝣》以这种生命短暂且脆弱的昆虫叹息生命的苦短。两位学生的作品都具有鲜明的针对性，使用到比较国际化的网络语言方式，与秦文的作品形成一组非常有力量的呈现。当我们重新去解读“收租院”时，每个人都会有不同的体会和想法。

王林：李川作为川美新媒体艺术系的主任，在组织、管理、人力资源上这些事务性的工作上负责的比较多。在策展思路上，如何挑选艺术家，如何连缀成比较有序、主动性的展览，可能我考虑的比较多。当然我们在思路上的沟通还是比较一致的。

王林：这个场地并非为影像而做的专门的场地，因此需要根据展厅的空间来重新处理。影像在观众的观赏度上是比较差的，在黑暗的场所里播放并且做成一场展览，是有一定难度的。如何将空间性的概念植入到一场时间性的展览当中，让观众觉得有看头，是我们考虑的比较多的方面。

雅昌艺术网：最后一个单元“影像反思”中，并没有出现影像。

因此这也是一场通过影像的手段，各种跟影像有关的呈现方式来呈现艺术家和策展团队的创造性的展览。

雅昌艺术网：因为是双年展，此后还会有什么样的内容呈现？

雅昌艺术网：谢谢王林老师！

雅昌艺术网：首届重庆实验影像双年展以“时间之镜”作为主题，作为策展人之一，麻烦谈下您对于这个主题的理解？

雅昌艺术网：刚才王老师也谈到了展览的构成，三大部分之一中川美新媒体艺术系师生的作品占了一部分比重。现场我们不仅看到了就跟川美关系密切的传统题材《收租院》的再创造，也看到了您作为系主任带着一起完成的沉浸式影像装置《数字圆觉》，还有一些更互动性的作品。作品的选择上是如何考虑的？

李川：作品的选择上更多是由王林老师在负责，我也推荐了一些艺术家的作品，包括新媒体艺术系的师生以及其他院校的老师，还有不少外地优秀艺术家的作品。有一些作品不太适合这次的展览主题，王老师也是毫不留情的砍掉了，这也体现了策展人对展览学术品质负责人的态度。此外，由于经费的缘故，我们也不得不舍弃掉一些优质的作品，像张锰老师的作品就非常棒，与展览主题也很契合，但呈现作品的设备需要花费上百万，很难承担。当然，对于《收租院》、《数字圆觉》这些作品的展示其实是有一定的思考性的，在全球化背景之下，我们反而想通过作品的区域性和在地性，从传统文脉中寻找某种独特性。

李微微、史蒂芬.马森、张敏互动影像装置《魔瓶》通过摄像头对人像进行捕捉，并随机呈现在画面当中。

李川：在我看来，“实验性”的态度主要有两个方面：一个是创作思想上的实验性，另一个是形式语言的实验性。因为智能手机的普及，今天摄影的门槛变得非常低，图像和影像的获取触手可及。但并不是这些图像、影像都具备创造性或实验性，并且形式语言上的实验性也是与影像语言不可分割的。展览现场我们可以看到有些作品是通过捕捉影像并搭载装置等即时混合形态来进行表达的，这与传统影像的概念还是有很大区别的。

李川：这个展览的参展艺术家代际、年龄差异很大，从50年代到90后的艺术家都有，我觉得这也是一个现实社会的缩影。何谓同时代？一个历史的切片包含了不同年龄艺术家各种不同的思考。艺术作品肯定不会是一个标准，而是各美其美，相互观看与参照，也是沟通的前提。让90后、00后看到50后、60后们对历史的记录与反思，让大叔们了解年轻人对新的数字技术与科技的运用，也是感受时代、感受社会飞速发展的最直观的方法。

李川：现在刚进校的学生已经是00后了，在教学中我们发现他们的一些优点，譬如吸收力强，好奇心重，不排斥新的媒介，勇于实践。但另一方面又有知识系统单薄，标准单一，基础能力大多只是考前所学的一些应试的造型方法，对美术史不了解，也缺乏多层次的审美标准和多媒介创作的技能训练，对新媒体艺术系的专业方向缺乏基本了解。因此像这次的展览就成为了比较好的案例，能够帮助他们了解专业背景、学科方向和创作方向。

雅昌艺术网：谢谢李川老师！