2018年12月8日下午，“荣-耀”任惠作品展在22院艺术社区北京德滋画廊开幕，策展人白洪。

　　进入北京德滋画廊，任惠作品中大面积的浅淡微妙的白色承托出红色线条、块面间的相互碰撞、对抗、交融种种的表情。任惠对雅昌艺术网说：“我大部分作品是跟自身生活紧密关联的。那些布全是我妈妈给我的，以前老家用白布做面袋，她把布袋洗干净让我用，那时候老人会用这些布包衣服，做垫子之类的，这些都是那个时代我们共同的记忆，创作的时候我也是用这批布做的。有一批作品是我妈生病期间创作的，当时她病的特别严重，随时有生命危险。我在家照顾她的时候，内心很焦虑，就到工作室用创作来释放。我的精神状态，也随着母亲的精神状态和病情变化，整个过程会就体现在我的画面当中，《无题》系列就是那个时期创作的。画面上的色彩也是情绪的显现，布撕下来再拼贴到画面上，会抚平自己的心情。”

　　对于任惠作品，正像艺术评论家王萌所评述：任惠试图通过使用带有个人与集体记忆的材料——“旧棉布”这种与历史上的“贫困艺术”有关的媒材——去确立经由不可回避的记忆和个人经验去唤起感知的方法。就语法而言，她将最为刺激的红线以手工行动的方式在画布和棉布上“穿行”，形成了在“素质”与“刺激”之间的情感摆动区间，也打通了从“形式”到“观念”的第一步，这就使得她的作品在那种带有破损毛边和细密针脚的叙事中形成了“信息”，块面、线条、色彩的均衡不能仅停留在历史上的“意味论”而是要深入转化为一种打开个体的体验与感知有关的“认知论”，就是要将记忆与思考的通道开启，将带有“时间痕迹”的媒材转换到“观念信息”的人与客观世界关系的体验当中。在这个语境下，那些由冷而暖，冷暖共在的“灰色”(来自拼贴，素质的棉布)与那些激烈的“红色”的穿梭(来自缝合，线的连接作用)形成了这个语义探索系统最为直接的基础，动力得以在这个“画面结构”中开启其认知的实验。由此，任惠的探索在“不以形象为方式”中找到了自己的“抽象性”，也进入了“抽象性非形象”的语境。

　　在展览现场，画廊还组织了艺术家与嘉宾的座谈。“艺术家怎么样找到当下，适合当下，而且不是过时的，甚至可以超前一点的语言，表达的方式，这也是任惠作品里边鲜明的一个亮点。”艺术家夏理斌从任惠创作的学院根基谈起，任惠作品语言的敏锐和纯粹的学术态度中形成了实实在在的内容。“在平实里边有自己的追求、有自己的内涵。”艺术家陈源初从“繁复与单纯”的话题介入任惠创作的特点和创作风格。座谈嘉宾也从各自不同的角度谈及任惠作品的“禅意”、“东方性”等等方面。

　　在时下含混、浮躁最求形式的刺激、新鲜的大环境之下，任惠作品的沉稳、向内探寻的状态，与之产生了一个鲜明的对比，正是纯粹艺术家状态的显现。展览据有的启示意义是——作品真正的力量在于她的精神性和她对个人化的生命体验的明确指向和充分表达。

　　她的作品脱胎于综合材料的实验，意象和具象图像的表现。早期作品与具体的“形”有关，近期越来越明确、越来越清晰的呈现出内在的“精神性”。她的作品中材料的使用是很独特的。这些材料是母亲、妹妹、家人用过的旧衣服、邮包皮，显然是有时间、情感等等象征含义的。但她并没有刻意的在作品中用直白的语言去表现。而在她对参差不齐的布边、线头等的敏锐处理中，如何把握每一块布的颜色“差异”中，呈现出时间的沉淀，和情感的丰富性。

　　任惠以极其单纯的方式和材料对话，就像毛笔与纸之间的“关系”，在材料极其有限的情况下去逼迫出“向内/向里/向精神性”去扩延的一种创作状态。这是任惠极其个人化的，不同于其他抽象的，或者是具象的，或者是表现性绘画的形式和方法，当任惠个人的情感达到和作品的材质、语言等相融合的时候，才会呈现出人们所见到的这样一种状态。

　　另外，任惠作品早期的绘画从意象山水，之后呈现出女红和作品之间的关系。逐渐的引向了她的个人生活。作为女性对生活的感受，对生命的体验，都是任惠个人化语言重要的来源。生命的体验在此次展览中越来越明确的呈现出一种“仪式感”。就像《存在系列4》的“十字交叉”、向上的“竖线”，如同天主教堂、高山一样向上的指向，它并非向下的，沉沦的。包括横向的线条和纵向的线条之间的“交叉”，以及《存在系列5》中红线的翻滚、流淌的多种语言方式。在她作品中自然呈现的女性色彩，是一种潜移默化的存在状态，而不是刻意为之。

　　据悉，展览将持续至2019年1月8日。