去年，赵无极的三连作《1985年10月6日》在香港超5亿成交，打破了亚洲油画拍卖的天花板，一时闹得沸沸扬扬。对于如此高价，有喝彩、有质疑，还有一种声音认为这件作品能拍出这般天价，只因尺寸够大，若要论艺术价值，仍是“甲骨文时期”（1954-1959）和“狂草时期”（1960-1972）两个黄金时代的作品价值更高。

或许市场也在有意回应这种声音，在即将开始的香港春拍中，蘇富比便上拍5件创作于1954至1965年的赵无极大作，其中多数是秘藏近半个世纪从未露面的生货，引发市场关注。在赵无极60余年的艺术生涯中，伴随其艺术理念的发展和生活境遇的变迁，他的艺术始终在不断变化，并独具特色，但为何只有“甲骨文”和“狂草”时期最得博物馆和藏家青睐？为此，我们梳理了十个关键词，试图更清晰地剖析这段赵无极“黄金时代”的来龙去脉。

1、由具象到意象

1954年，赵无极的创作进入了一个决定性的转折。此时的他，已不满足于仅仅用简化的线条勾勒对自然景物的观察。具像的静物画、风景画、充满童趣的诗性空间，那些克利（Paul Klee）曾带给他的启发，已逐渐变成一种束缚；他想挣脱，想去探险，想在绘画上超越过去的自己，并创造一种不受题材限制的语言。

如赵无极所说：“静物、花和动物已经消失，我用符号，那是一些想象的东西掉入了单色的背景中，在尝试探索，然后，慢慢地，画中的符号成了形体，背景则成空间，我的画开始动了起来，活了起来。”

他开始重新回望他出身的中国，在东方丰厚的传统文化、汉朝的拓片、书法、象形、甲骨文字、钟鼎文、水墨画所传承的美学中取得了灵感，企图建立一种极为个人化、特殊的书写与创作表达系统。在1954年，他画下了《风》。这件作品被视为赵无极第一件抽象画，在那苍茫、几近单色的黑灰空间中，过往具象的描写已完全消失，取而代之的是一连串流泄而相连的符号。

2、甲骨文的由来

甲骨文早在三千年前已出现，是中国文字之原型，人类历史上最早的文字纪录。中国古代君王在发动征战或作重大决议之前，必定请示神明，在兽骨或龟甲之上刻划神谕，并在青铜重器铭铸政令。

民国之初，收藏金石甲骨的风气蔚然盛行，赵无极的父亲、银行家赵汉生先生，便是最早的甲骨收藏家之一，赵无极自小受父亲熏陶，对古代文物产生浓厚兴趣。1950年代，赵无极远赴巴黎发展，赵汉生也在法国发表专著《汉拓》，向西方介绍此中国古代遗珍，更将之融入创作，开启步入抽象的“甲骨文时期”（1954至1959年）。

3、“甲骨文”的影响力

在进入“甲骨文时期”的创作后，赵无极一改以往的沉郁和极简，用色变得更加大胆，加入了了许多鲜艳、明亮的色彩，他对于色彩与光线的掌握尽显大师器度，细腻的笔法刻画出漂浮在如梦似幻的意境中的甲骨文符号，彷佛一段可窥见过去与未来的预言。

赵无极的“甲骨文时期”作品在战后抽象艺术巅峰的1950年代，成为东亚高古艺术与欧美战后艺术交融的典范。欧美最重要博物馆收藏赵无极作品，无论是蓬皮度艺术中心、古根海姆美术馆、斯图加特艺术馆、卡耐基艺术博物馆、魁北克国立美术馆、沃克艺术中心、哈佛大学艺术博物馆、芝加哥艺术学院、底特律艺术学院等等，均以“甲骨文时期”为主轴，足见学术界之高度认同。

4、旧爱与新欢

1950年代中后期，赵无极凭藉“甲骨文系列”在国际艺坛上初露光芒，成功走进全球战后抽象热潮的核心。但在1957年初，与第一任妻子谢景兰的婚姻破裂，使她烦闷痛苦，无法创作，于是他离开巴黎，与彼埃．苏拉吉结伴踏上长达一年的旅行，先后游历纽约、日本和香港。

此番行程，不仅使赵无极亲身感受战后艺术新浪潮，更让他于1958年秋在香港邂逅第二任妻子陈美琴，二人闪电结婚，种种崭新经历令他思如泉涌，重新回到欧洲后，这段新感情带来的激荡和澎湃，成为他艺术第二度转变的情感契机。

5、纽约之变

1957年，赵无极首次来到纽约，与推动抽象绘画不遗余力的库兹画廊主人山姆．库兹建立友谊。两年后，库兹画廊为赵无极举行首次纽约个展，使赵无极结交了当时美国最重要的抽象表现主义艺术家与收藏家，这不仅让他在美国的影响力迅速扩展，更培养出他创作大画之激情。

正如赵无极在自传中提到的：“（库兹）习惯美国画家作的大画，买了也卖了不少我这个时期的画，我在食髓知味之余，有一段时期，甚至瞧不起小画。”自1959年库兹画廊开始每年为赵无极在全球举行个展后，艺术家也开始有意识地专注创作120号画布，此种画布长达195公分，是常规画布的最大尺幅，成为“狂草时期”（1960-1972年）巨作之标志。由于巨幅作品创作不易，狂草时期的120号油画亦为数不多，过去30年来，国际拍场出现者不过20余幅，每有释出，必定引起激烈竞争，并强势成交。

6、抽象表现主义的影响

1950年代末，正是美国抽象表现主义声势到达巅峰的时期，不仅纽约取代巴黎成为全球艺术的中心，其艺术风格也对在欧洲的艺术家造成重要的影响，其中也包括赵无极。他在1958年返回巴黎后便立即展开艺术风格上的巨大的转变。自1959年开始，赵无极不再为画作命名，更致力于纯粹的抽象表现——明确的主题会以先入为主的想法限制创作与观者对作品的思考。此时他酝酿出新的能量，融入豪迈奔放的笔触与大量的厚涂画法，并且表现出强劲有力的锐利动势。

通过“狂草时期”之初作品，不难发现这种影响。例如赵无极1960年的作品《17.12.60》，其基本结构便与罗斯科的作品遥相呼应，两者都运用相似的画面分割，却塑造出截然不同的抽象空间，此外赵无极的作品还显示出巴尼特·纽曼以及克里福特·斯蒂尔等艺术家的影响。不过不同于战后纽约艺术家在创作观念与话语权两方面的野心，赵无极真正关注的仍是绘画语言本身。藉中国文化底蕴的奥援，赵以兼具速度、能量与时间性的书写线条在抽象平面上开创深度，并挪用中国水墨的虚实疏密，融入西方绘画的光影明暗。

7、超越符号

在新的动机、方法和外部条件的激励下，赵无极的创作在1960年代初逐渐不再依赖符号形体，从客观的物象走向主观的心象，将自然的本质及能量转化为充满无限可能组合的色彩关系，进入真正意义上的“狂草时期”。

赵无极说：“这是我绘画一个阶段的结束，或更正确的说，是一个不可逆转的新阶段的开始：我要画看不见的东西：生命之气、风、动力、形体的生命、色彩的开展与融合。”

在自传中他还提到，他发现“符号和色彩间不必有界限”，因色彩是有生命的，关键在于如何藉由色彩之间的结合来表达“空间深度”及“动感”，引发视觉与心灵感受；这不仅让他得以摆脱具象法则的限制，更使他笔下的抽象色彩表现蕴含想象与深度，散发出超越物质的生命力与有机氛围。

此时期，他舍弃了50年代初期常用的圆笔，改以扁笔、宽版的排笔、画刀为工具，笔法更加奔放、自信，色彩趋向厚实。而在色光的开展与融合、线条的挥舞与奔腾间，其自小耳濡目染、熟习的老庄哲学、中国的书法美学、画家独钟宋元山水画里的景致与空间构成一一被招唤出来，自然地融入于西方浓稠厚实的油画媒材与表达之上。“狂草”每每直入人心予人壮美的感受。画作不仅是艺术的创造，更是他精神与心的灿亮结晶。

8、与画面搏斗

赵无极认为：“绘画是画布与我之间的一场斗争，一场体能角力。面对大幅作品时尤甚，它们容纳更多全身运动，需要名副其实的奋勇向前。画家必须全身投入。”

“狂草时期”作品普遍尺幅宏大、构图紧凑而力量贲张，其标志性的中轴式结构贯彻了整整十多年的创作岁月，然而在色彩运用方面，则当数1963至1966年初的三、四年间最为鲜明大胆，尤其是对于蓝色以及明黄色调的运用，更显艺术家对于抽象语言的完美掌握，发挥狂草抽象的最大能量。

而在这段时期，赵无极始终在苦心经营一种将狂草结构的感染力发挥得淋漓尽致构图，即是以横向的画幅结合破空而出的书法线条，形成广阔无垠的宇宙风景的模式。从1963年起，赵无极便有多件该类型作品，一直到1966年他才觉得有足够把握，并把这种构图画在了“狂草时期”唯一的三联屏《01.04.66》上。

画面以迅疾膨湃的狂草墨线从左右两边进入画面、并交击于中央，引发强大的力量冲突；此种磊落分明的下笔与用色，彰显了赵无极此时的强大意志与清晰思路，身心与技法融通无碍；1966年之后，赵无极的狂草作品少有如此完美结合的横幅作品。

9、中西结合

赵无极非凡成就的关键在于他将中西经典绘画元素智能的结合。美国纽约大学中国艺术史学家乔迅（Jonathan Hay）曾说赵无极的画中有着“西方油画传统对于色彩的表现，但通常会因为唤起水墨意象的黑色更显复杂丰富，原生的笔触透过中国毛笔笔尖的美学痕迹的调和而显柔和。”如此的创作方式使原属西方艺术的鲜艳色彩及戏剧性的动势与中国特有的传统水墨中的意境相结合，经由强烈且细腻的表现融入层层堆栈的构图与二元相对的黑与白之中。

10、全球追捧

在60余年的创作生涯中，赵无极的艺术历经多次转变，但从学术和市场角度来看，“甲骨文时期”和“狂草时期”作品仍然占据着不可动摇的地位。目前赵无极作品成交价前十的作品中，9件创作于1955至1965年间。而在全球超过20个国家的150多个公立机构对赵无极作品的收藏序列中，这两个时期的作品也占据着绝对的比重。