人对新鲜事物总是抱有探索之心，就像4月28日首场“戏游2：无界之宴”上，250余位观众第一次尝试120分钟“不走回头路”的参与式观展方式，他们的脸上既兴奋又迷茫。

我们先来从一些数据了解这个展览：在上海东岸·民生艺术码头10000平方米的空间里，耗时近1年布置场景及装置，演职参与人员近300人，展期仅10天，每天只开设2场，每场人数限制在250人。截止4月28日晚，数据显示所有门票几近售空。

“戏游2：无界之宴”现场

从“戏游1”到“戏游2”，担任两届策展人的费俊来看：“它是由观众来完成的开放剧本，如果没有观众参与，所有剧情都不成立。”

虽然始终将作品、空间叙事以及观众体验有效编织在一起，但今年增强了身体介入主线，强调以表演艺术、新媒体作品和空间场地能量来激发观众参与。而两届展览更清晰的启示：“通过艺术和商业新的合作模式，能够为艺术家提供更广阔的实验空间。与其说是展览是呈现作品，不如说艺术家和策展人共同营造了让观众去参与式的实验现场。”

作为一个售票形制的艺术展，这些数据之下并没有给展览带来更多的效益，为何又如此大费周章呢？MD The Art Lab发起人、展览总策展人崔晓红表示：“目的性很简单，只是想要纯粹地做一些对别人有价值的事情。那就是为生活在当下数字化时代的年轻人，创造一种新的艺术展示形式，让他们能在真实虚拟中自由切换，重新唤醒大家对当下、对现场以及我们自身关系的关注。”

策展团队提出，展览的本质是在探讨“人跟人、人跟技术、技术跟技术之间的关系”，但崔晓红并不介意展览被称为“网红展”，“艺术是精神消费品，不管是晒圈还是默默感受，只要你能从中有收获，这件事情就值。”

另外，酷炫的多媒体装置，多元的艺术种类，连贯的舞蹈设计，演员的无缝对接...展览内容的丰富程度，令观众感叹没有作足功课。但崔晓红建议，“只需要带着身体让自己参与进来就足够，因为今天的展览就是基于观众而去设计，并不是告诉大家我是谁。”

如果以常规装置雕塑展进入现场，或许你会失望。这些作品早已融入在场景中，你甚至不能第一时间察觉它曾经是一件独立作品。

其中参展艺术家包括日本装置艺术家大西康明（Yasuaki Onishi）、特邀合作艺术家冰逸、新媒体艺术家Tobias Gremmler、特邀头饰设计艺术家隋宜达、声音艺术家陈睦琏及“玄音”合作艺术家张建夫、南音传承人蔡雅艺、丹麦跨界艺术家Henrik Vibskov、当代青年艺术家田晓磊、“大脑骇客”Anson Chen（陈廷）、当代装置艺术家David Spriggs等。

展览现场互动

展厅内容结构上则分为四幕：“穹”“道”“闻”“奥”，其中赵梁执导的“道”和Conor Doyle执导的“奥”是展览的主要内容。我们先来剧透下，“戏游2”是如何让观众被“lost in play”。

展览从7楼开始，这一层主要为装置+话剧形式。“穹”作为展览的开场序幕，由融合科学、艺术和技术而著称的创意新媒体机构OUCHHH来操刀，带来的作品是2017年获得德国红点奖的“AVA_Glass Library”。OUCHHH想在作品中传递，当所有事物被信息化，科技是物理世界和虚拟世界之间的桥梁还是边界？

OUCHHH“AVA_Glass Library”

黑暗空间中，几位手捧月球灯光装置的舞者在展厅缓慢漫步，而掀起“穹”空间高潮的是巨型“AVA_Glass Library”极速变化的场景，让人似乎正搭乘飞船，穿梭银河去往另一个平行宇宙。整件作品视觉效果激烈、惊人又神秘，让观众与真实世界隔离，准备进入一场没有边界的宴会。

田晓磊作品中机械变成新的上帝，而这个面具就是一座桥梁。与他的想法类似，赵梁认为，人需要精神崇拜，于是工业化面具又具有宗教感的《机械四面佛》便担任了这一角色，“以仪式感让所有人参与进来，当现实跟虚拟、当下跟未来融合在一起时的状态，就是“戏游”最终想表达的概念。”而《机械四面佛》的头饰是隋宜达以宗教为题材，表现人、神、机器的关系。

所有表演者均在甬道中完成，期间有舞者会以单人舞、双人舞、群舞等多种形式与观众互动。当所有演员在不断转动的“法门”里一一亮相并消失踪影后，观众也可以跟随他们穿过“法门”，然后坐下听一段蔡雅艺演绎现存历史最悠久的汉族古乐“南音”。

陈睦琏负责编导的“闻”，是希望唤醒观众的“听觉”部分，能在聆听中找回失落的声音碎片，并体会到时间与空间的交错变幻。四个圆筒空间中，观众从旋转楼梯的“冰川回响”进入，听演员们的人声表演，接着在“空谷足音”和“胶离声落”中自由穿行。你可以脚踩麦穗，听通过收音而扩大的沙沙声；或是进入放着黑胶唱机的房间，却只能听见胶片摩擦的颗粒声；还有上百个上着发条的时钟悬挂在空中，参差不齐发出的滴答声。观众可以随意拧动，制造自己的“时间”。

陈睦琏希望，“闻”中探讨的不只是声音与空间的关系，还有声音与声音之间的关系。

下至一楼，David Springgs的作品悬挂在空间中，观众凝视深渊并坠入黑洞，从而进入另一时空，暗示下一段“奥”旅程的开始。Conor执导的“奥”不再有指向的引领观展，而是与丹麦跨界艺术家Henrik Vibskov、当代青年艺术家田晓磊、“大脑骇客”Anson Chen（陈廷）、当代装置艺术家David Spriggs、特邀头饰设计艺术家隋宜达一起，在昏暗环境下营造一场“不眠之夜”。而全程通过耳机，将会有一位“声音伴侣”陪伴接下来的40分钟旅程。

仅两人宽的走道、四面镜子、蓝色昏暗的光线，在“镜子迷宫”中找到台阶以为是出口，但它只是一个眺高台，一窥正迷失在镜子里的人。那么从我看别人到别人看我。我们现在的生活，到底是我控？还是被控？

“奥”空间

在一楼最大空间中，每个正上演灯光秀的粮仓漏斗下，均摆放了一张大型圆桌，你可以随便坐下与他们互动。有些是水池桌面上，女孩正拿着陶罐不时捣水，让人想到了安格尔《泉》；或者进入了大型催眠现场；还有提供食物的“餐厅”；又或者隐藏在暗处的稻草人，突然伸手求抱抱。

在这里观众可以自由学习一系列全新的规则，在一个极度开放的空间中充分被音乐、文字、光影暗示，与作品发生关系。这就是Conor希望的，“在‘奥’中创造一个世界，通向生活中少有的安静。”

与稻草人互动

最后，穿过大量织物的“树林”，走上木板桥廊来到河边，有位风姿绰约的小姐姐为你拉开珠链。沿着水上木板桥继续，找到整个展览的出口一个5米高的滑滑梯，来唤醒身体本能，像孩子一样生活和体验。至此，一场“无界之宴”才彻底结束。

开幕式现场，主创团队、参与艺术家及嘉宾

策展团队（从左至右）：特邀国内知名设计师、独立策展人姜剑；MD The Art Lab发起人、总策展人崔晓红；中央美术学院设计学院艺术与科技专业教授、第58届威尼斯双年展参展艺术家费俊；中国青年剧作家尚垒

崔晓红介绍，展览融合多元艺术形式，而不选择“守旧”是因为无“旧”可守，没有框架包袱的从0起步，而“每次筹备新展，都是考虑当下年轻人正在面临什么问题，而当下社会又有哪些现象和热点。”

9年前，崔晓红以静态的架上绘画展介入艺术圈，后来逐渐发展为定期的“玛丽黛佳越域精神艺术展”。2016年以后，崔晓红开始强调美学与艺术的纯粹性，并设立The Art Lab平台。“因为独特性而被大家关注”，这是她坚持下去的动力。

Q&A

雅昌艺术网：这次展览为什么会选择民生艺术码头？

崔晓红：我第一次看到民生艺术码头时，就觉得这地方太好了。它原本是大型粮仓，其原始功能充满了生活感，然而它的气场又接近教堂，令人产生敬畏感和肃穆感。

其实每年做展览最重要的事就是选址，我们在思考什么样的场域才能给观众带来独特的体验感。比如，我曾想过在沙漠、海边、树林等地举办活动。因为人们离开所熟知的场景时，会打开新的感知和思维产生“熟悉的陌生感”。在日常体验中，这种感觉很重要，而它的成立需要我们创造一个“界面”。

展厅现场

雅昌艺术网：展览融合多重艺术形式，并提出让观众成为主角。为什么选择这种方式？

崔晓红：我一直在做彩妆行业，它的本质是创造美和传递美，艺术展也是如此。每个行业都需要拥抱新事物，无论是做品牌，还是做展览，我都希望做与别人不同的事，这就是所谓的“差异性”，能确保独特性。

现在人人都提“网红”打卡，在我看来，这是人们审美逐步提升，需要彰显个性、表现存在感的结果。在这样的环境下，我们推出的展览更要从最根本的问题出发，即什么才是当下“美的本质”。但这个问题需要我们将其解构，比如大家普遍都用手机，隔着屏幕让我们感觉更踏实；再如，几乎所有人都说这是digital marketing的时代，传统marketing已无效了。

但我却认为，正是这样的时代，线下的体验感才更为重要。因此，“关系”才成为这场展览最终探讨的核心。

雅昌艺术网：在选择和统筹艺术家方面，有哪些考量标准？

崔晓红：从策展思维方面，我们既希望大家能感受到中国传统文化一脉相承的美感与意境，也想探讨这个时代和语境下，技术与人类个体以及两者所在的生活存在何种关系，而两者的内在和外部是如何互相映射与影响的。

雅昌艺术网：“戏游”给您带来哪些经验？

崔晓红：从“戏游1”到“戏游2”，我们坚信要有更多的交互参与以及一条叙事线来引领大家。同时，“戏游2”的“升级”之处在于环境空间上。我想这是它与我们所熟知的浸没式戏剧以及平日在剧场、影院中的演出的不同之处。在展览中我们为观众“留白”，观众可以选择“进入”也可以随时抽离。这种主动的选择和互动不仅是肢体上的，也是思想上的，我希望用这种态度来尊重每一位观众。

雅昌艺术网：我们知道本次展览是由The Art Lab主办，对您来说为什么要设立这样的机构？

崔晓红：The Art Lab更倾向于一个“民间松散型组织”，一群热爱艺术的人在平台上做一些和艺术相关的事。

做艺术展或艺术项目需要一个纯粹的身份，The Art Lab的作用对我就是如此。我是玛丽黛佳的品牌创始人，自带商业身份，但我做艺术项目时希望与品牌分开，而是“干干净净”地做这些。The Art Lab 使我能够以相对客观的、第三方的身份去介入艺术。

雅昌艺术网：很多品牌介入艺术，选择的路径是与艺术家进行产品类的商业合作，您为何想专设一个艺术平台？

崔晓红：大家对彩妆品牌的认知普遍停留在色彩、妆容、个性，这其实是很浅层的、偏重外在和风格层面的认知。事实上，彩妆的核心是创造美和传播美。我希望它能够真正地从逻辑里、从核心内部开始推动，而这正是艺术能够推动的。因此，我们聚集艺术家、设计师和其他领域的创造者，一同实现对于美的推动，而它需要一个平台来保持展览、项目和研究的纯粹性。这便是我们成立The Art Lab的初衷。

雅昌艺术网：是什么让您坚持下来，并且越做越纯粹？

崔晓红：以彩妆为例，我们发现它其实可以带来不同的情绪，反映不同的内心需求，如今更多人更看重彩妆和自己的关系，它需要实质性的体验和互动，这是大家对于彩妆、对于美的认知进阶。对我而言，做彩妆已经不是为了寻求生意的发展和企业的利润，而是为了让更多人生活得更好，让美和艺术得以传递。

我们对艺术展的理解也是如此，对艺术的投入是循序渐进、自然而然的。其实无论是做品牌还是艺术项目，传递美是最重要也最难的事之一。国内一线城市居民即便收入普遍不低，但依然缺乏对美的认知，也缺乏美的引领者。如今，中国有很多机会和条件去发展这些，但依然缺少平台让更多人“发声”。而The Art Lab让我们看到了一些“幼苗”，也逐渐成为其中一员。

雅昌艺术网：谢谢！

为扩充内容中，展览以“无界”为主题也面向观众举办了3场论坛，分别以“无界的展览”来谈论现场对于展览的意义、展览空间和公共空间的边界问题。“无界的身体”探讨后人类话题下，人与机的边界以及身体与科技的关系处理。而“无界的舞台”中，几位参展艺术家聊到身体作为媒介，表演艺术的场域会延伸到哪及未来舞台的拓展趋势。

此外，4月30日至5月6日也将举办行为介入艺术工作坊“戏坊”公共系列活动。由“戏游2”的主创人员主持，在展览的场地空间与参与者现场即兴互动。各个不同领域的艺术家，以不同的艺术语言激发身体的介入。在艺术事件发生的现场与艺术家一起在情景中生发行为的演化，赋予艺术展览的“现场”更多的层次，更立体化、多感官的真实即兴体验。

「戏谈:边界的边界」主题一：“无界的展览”

主持人：沈奇岚

主创嘉宾：崔晓红(戏游二出品人，总策展人)、赵梁(戏游二导演)

外场嘉宾：

孙文倩(上海当代艺术馆执行馆长、上海当代艺术馆基金会执行长)

江梅(上海油画雕塑院理论研究室主任，上海资深策展人、评论家、艺术家)

卜冰(集合设计主持设计师，艺术家、戏剧深度爱好者、剧场设计师)

「戏谈:边界的边界」主题二：无界的身体

主持人：费俊

主创嘉宾：Damien Dufresne、田晓磊、Anson Chen

外场嘉宾：

汪民安(哲学家)

谢慕(雅昌艺术网执行总编)

姜俊(独立立策展人、批评家)

「戏谈:边界的边界」主题三：无界的舞台

主持人：尚垒

主创嘉宾：Henrik Vibskov、Conor Doyle、陈睦琏、蔡雅艺

外场嘉宾：

Jonas Stampe(丹麦行为艺术节策展人)

胡赳赳(诗人、知名作家、原新周刊主笔)

马晨骋(浸入式戏剧《不眠之夜》上海版制作人、上海文广演艺集团副总裁)

(本文由雅昌艺术网、艺术头条原创，图片由MD The Art Lab官方提供，未经授权请勿转载！）