在安静的环境下工作，几乎是所有人的习惯，特别是艺术创作这类从业者。对他们来说，可以在创作过程中疯狂、自嗨，但从训练开始到最后形成自己的创作手法，他们永远是在封闭的环境下独自完成。

丁力也不例外，创作时喜欢一个人呆着，“有人在我身边几乎没法工作。”

但近日，丁力却将工作室搬至没顶画廊里，如果时间恰好，也许还能碰上他正在画画。

起初，丁力以为是个难度大的挑战，创作几天后他发现，在单调的空间里反倒让创作过程更集中。“在画室可以将事情交叉推进，但在这里完全纯粹地面对场地进行工作，除了画画，没有别的任何想法。”

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可不可以做展览？

在4月中旬，画廊们陆续举办今年的首个实体展，大部分展览是因疫情打破原计划，而在短时间内策划的新项目，因此能明显看到各家的风格特点。

疫情期间，没顶画廊找到丁力，询问其可不可以合作展览，在空间中边展边创作，再现艺术家工作室与工作状态。

当时丁力一口答应了，因为首次将自己的工作方式展现给观众看，“是一个突破，很真实，意义还蛮大。”

4月12日，展览“4月12日，龙腾大道2879号106”对外开放，就像直白的题目，展览强调此次时空性与在地性，关注在应对危机的凌乱与对未知现实的不安中，艺术家的当下生活与工作状态。

在一个半月的展期里，丁力将在这里创作5件新作，其中2件作品正处于未完成状态。

在展览开幕当天，丁力回答最多的问题是关于技法。此前，在艺博会或者其他展览上，为了满足大家的好奇，丁力也解释了很多关于技法和创作的问题。

因此我们知道最多的是：他的肖像系列是来自网上的人物肖像，经过电脑数据处理以写生的方式再现。作品中单个体积的笔触通过丰富渐变的色彩变化达到立体效果，用线条建构起带有内在情绪和力量的具象画面。

这样的解说靠观众脑补画面自然效果不佳，因此没顶画廊现场将其2019年作品与待完成新作同台展现，无需过多解释，通过对比能窥知一二。

丁力解答观众问题

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一直存在的“屏幕视觉”

观察丁力的创作历程可以发现，他的作品或多或少总是围绕着“屏幕视觉”。

2008年，从法国巴黎国立美术学院硕士毕业后，丁力回国开始执教并绘画。丁力在早期尝试了很多创作形式，例如装置、观念作品等，这段历程对他帮助很大，当时作品画面风格透露出其摄影与造型艺术的背景。

《不够冲动是魔鬼》三人群展中丁力《无题》

在2015年举办的《不够冲动是魔鬼》三人群展中，丁力在作品中并置重组多幅绘画，打破了原本精心构建的画面结构与视觉平衡。当时丁力的想法很简单，只是想在画面更多呈现技法、媒介等东西，因此他在作品中用了“加法”。

2016年，他开始对摄影与电脑制图的创作媒介感兴趣，在架上与装置的模糊界限中，实现多种媒介的拼贴。直到2017年，丁力回归到最熟悉的油画，以不同涂层的堆叠、不同式样的笔触，喷漆制造出的涂鸦感展现出其对绘画语言的革新。

丁力《女青年》 2018 布上油画 100x80cm

2019年，丁力在没顶画廊的首个个展“罗伯特·宋”中，亮相了我们现在熟知的肖像系列。

在整个创作变化中，丁力从对绘画载体、媒介材料到绘画语⾔的探索逐步清晰，画面也渐渐“减”至对绘画的纯粹表达。这些变化，在丁力看来离不开一群朋友。“在我创作的学习过程中，他们会经常讨论，而我经常听他们说。甚至有一段时间针对艺术史经验，我被问得哑口无言。后面反而越来越干脆提炼出绘画的笔触，胆子也越来越大。”

丁力的另一重身份是上海视觉学院的摄影老师，作为社交媒体中的“屏幕一代”，他深知视觉传播的重要性，“屏幕视觉对我们这代人来说很重要。屏幕相当于一个知识系统，它有自己的线条和色彩处理，我用绘画来呈现其中碎片重新捡回来后的再思考。”

【对话】

Q：在举办展览之前，疫情期间您的工作状态是什么样的？

A：工作状态因疫情还是有所影响。我今年大年初一就到工作室，一直一个人呆到现在，除了因疫情安全考虑，其实也是我一贯的生活习惯。

疫情刚爆发初期，大家被庞大的讯息量包围，当时我的创作状态也是画了两笔就停下来，开始看手机。另外可能因为老师身份的原因，聊天对象是朋友、学生，也使得≈我聊天的内容架构有些丰富。

所以，虽然我物理空间上是呆在工作室，其实疫情还是打乱了我的生活，与其说打乱，不如说参与感特别强。

Q：这次将工作室搬至画廊空间，在整个展览进程中，您如何规划现场创作状态、时间、环境和最终结果等等问题？

A：这个展览过程，对我来说就是工作。平时并没有太多人来画廊，相对来说很安静，而且这里只有墙，因素也变得更纯粹了。

在画室里可以有很多事情做，例如休息也好，做点别的事情也好。但在这里完全纯粹地面对一个场地进行工作，到了这里只有画，没别的东西，这就是最终结果。比在画室工作更集中，更能表现一个人的创作状态。

这些新作都是我最近想画的，早在计划当中，现在无非是换了场地。

肖像系列作品是我从去年真正开始，大家对我的画面和形式感也有一些了解，因此现场也就解答观众对新作技法的好奇，虽然技法上确实有一点不一样，但内容大同小异。

Q：可以介绍下这批待完成或未完成的新作吗？

A：这批新作早在我的计划之内，还是以肖像为主，延续之前的整体架构，几乎没什么变化。

疫情事件确实让我在对人像选择上有一定想法，不由自主倾向事件当中的人物，这是我工作受影响最大一块，也是对疫情本能的反应。

我把这本能反应通过作品展现出来，只是想在大众对疫情的反应中，选择一些因素放入画面里。比如说通过颜色、形象、线条的方式，即使选择疫情有关的人像，从一张画的表面也看不到特定的受害者。

疫情是真实存在的事件，我希望自己是深思熟虑后创作，并不是去滥用一个因素，所以这个过程会变得很有意思。

Q：关于对疫情的创作变化，为什么是体现在作品的色彩上？

A：通过一个表情或者某个姿态就展现对事件的反映，我觉得太简单了，只是演绎或者戏剧化了的过程。我坚持掌控作品的整体方向，大体因素并不会又太多改变，从哪里着手，或者说是哪里是突破点，一直是自我判断和自我认识的过程。

我们画的就是当下的一些东西，通过对艺术史的了解，以及架上绘画的了解，其实我们并没有逃脱传统技术的表现，这是共通的认识。

从我个人角度来说，通常会选择自己比较擅长或特别能感受到的因素出发，所以才会找到色彩和线条两个方向，其中有很多东西都可以进行处理。例如从画的颜色上增加一些因素或者色彩关系，就直接导致我们对这个人物的认识和感知，如多增加红色，它对一个人物的描写会更柔软。

我对社会现实带来的一些色彩关系、颜色很关注，这方面对于我来说，也更擅长去操作。

Q：您“肖像”系列作品的识别度很高，不过看2015年《不够冲动是魔鬼》展览中的“无题”系列后，还是会疑问，当时怎么想到专注于肖像创作？

A：实际上画画的人，要能从自己的绘画经验中抽离出来，慢慢形成自己的方法和视觉观，是非常困难的。因为你要非常理性分析之前的审美，才能去纠正它。我们用纠正这个词也不对，其实是慢慢在变化。

Q：为什么想到将“屏幕视觉”中的色彩、线条转换到架上绘画？

A：我一直生活在城市，所以“屏幕视觉”对我来说太重要了，我觉得网上传照片比说话还有意思。

在后期或图形软件上会看到技术带来的线条，我把线条取下来后变成笔触，我个人认为它是完全不一样。但回到架上，它又形成了个体的认识，是我们慢慢在工作中摸索出来的。

大多数时候，线条对于现在的视觉观来说，并不是耀眼、新奇的东西。但很奇怪，当我们把它从屏幕拿到绘画上时，变的好像挺有意思的。

丁力《霓虹灯下的女青年》2019 布上油画 40x30cm

Q：从多媒材并置，到现在越来越纯粹的线条，为什么会不断“更新”自己？

A：我毕业之后的一段时间变化很大，对我当时的学习很有帮助。每年大量去看展览，甚至到国外看展览，都会对我有一定的影响和认识。

笔触其实大学时候就已经运用了，只是一直没有把它单拎出来。当时很多因素影响自己，非常混乱，一直到在某个时候才突然确认下来。现在来看好像没有那么单纯，但实际上这段时期对自己的帮助非常大。

2015年后，我的状态非常好，因为作品一直在不停尝试，不断有新东西出现，现在还有很多没有拿出来。现在也不能说是越来越纯粹，而是这个因素自己能理解，又用得比较得心应手了。之前所谓的不稳定，实际上是在认知自己画的到底是什么，现在可能稍微又清楚了一些。

丁力《女青年10》2019 布上油画 50x50cm

Q：在“更新”过程中，您是如何计划的？

A：这就得看你的创作欲望，如能有欲望去改变或创作新的东西，我觉得是很幸运的事情。

现有阶段我愿意去变，愿意继续探索。反正目前为止我不怕改变，不怕对现有阶段总结，然后再往前推。积极参与在其中，挺好的。

Q：好的，谢谢您的解答。

（部分图片鸣谢：没顶画廊）