艺术网> 新闻> 珺空间

唔识·行境——当代艺术邀请展开幕

2020-12-09 00:00:00 未知

　　一个值得期待的艺术空间

　　开幕式嘉宾合影

　　2020年12月5日下午，由珺空间主办，“唔识·行境”当代艺术邀请展在深圳珺·空间隆重开幕，本次展览由独立策展人李裕君策划，著名批评家胡斌担任学术主持，展览展出黄佳、康文峰、李迪、廖军伟、李卓五位艺术家的二十五件代表性作品。此次展览根据整体策划理念精心挑选，从不同的角度分别呈现和阐释了艺术家对时间、空间、物质、在个体行动轨迹中的具体理解。

　　开幕现场

　　策展人李裕君致开幕词

　　（左起：康文峰胡斌李裕君李迪廖军伟郭赟李卓）

　　策展人谈到“唔识”在广东话和粤语中意为不会、不认识，即是借用地域方言来表示外界对当代艺术常有的一种陌生感，乃至产生的诸多偏见和态度；而“行境”则为艺术家的行为方式和所探索呈现的一种境界，也是艺术家个体内在对待文化语境中的主观立场和价值选择。倘若对当代艺术有所观察，都不难发现，其立场的主体在视觉语言的转换和绘画语言的表现中，都是以艺术家及身体的外在行动或内在想象在艺术创作中的频繁出场，来贯穿艺术史的传统文本。所以，当代艺术不是对客观现实的照抄和对事物表象的描摹，而是在摒弃了人为的设定与虚假的想象之后，透过个体真实的情感和理性的逻辑，去探究“我思”与“启蒙”的物质实在，从而产生一种新的可能性。

　　学术主持胡斌致开幕词

　　学术主持胡斌在发言中说到：“唔识”这个词其实有时候代表了广东，或者也可以说代表了像坪山这样一种地理位置的某一种姿态或者一种感觉，我觉得有时候我们在这么复杂的一种生态里面，任何一个区域都有很多层次的生长方式和文化形态，实际上我们互相之间并不见得那么的了解，我们有时候对外界或者外界对我们也不一定能够充分的了解，我觉得提出这样的一个词应该是试图发出一种提问。一方面是我们更多的去加强对外面的交流，包括说这一次展览其实融汇了四面八方的艺术家，同时也让外界增强对于这样的一个区域的认识，我也是这几年才比较多的来到坪山。

　　首先深圳对于全国来说是一个万众瞩目的地方，但是它的艺术文化是不是被全国所了解，我觉得也是不尽然的，是一个在发展的过程当中，那么坪山其实也是这几年逐渐的被全国所认知，那么再到珺空间，我觉得也有这样的一个过程，从微观到宏观或者反过来，从宏观到微观，都有一个相互交流当中促进双方认知的一个过程。还有一个关键词就是“行境”，我觉得这个词也特别的有意思，因为策展人也做了一点解释，就是“行”意味着行动，代表着他们的作品当中，或者说他们的艺术行动当中的一种行动感，同时落实在作品上面，还有一种书写性，就是我们看到很多的作品当中都有一种行迹，就是行动的轨迹和一种书写的痕迹，可能跟一种现代绘画的语境有关，同时也跟中国的文化方式有关系。那么“境”就是行动的轨迹可能会带给我们一种认知的意境，可能带来一种境界和语境，我觉得这个是艺术家的作品所带给我们的很重要的感受。

　　最后面我还想说一点，就是大家看到这一次的展览里面20多件作品，有5位艺术家，这个其实是一个不大的展览，但是这些作品都被精心地安排到了这样的一个空间当中，或者说整个空间和作品融为一体，已经成为一个更大的作品。他们作品本身的形式做到了非常的精炼和简化，但极简的形式带来了一个另外的延伸的空间，作品和环境、墙面以及整个建筑乃至这样的一个社区的关系，这个也是我们的当代艺术非常重要的一个特点，它不是让人群仅仅停留在一幅一幅的画面，而是由这个画面延展开来，看到更广阔的这种关系，这个也不是一个单纯的白盒子空间的展览，包括这个墙面，我觉得跟作品都产生了一个很有意思的交融关系，都给我们带来别开生面的面貌。

策展人现场导览

胡斌接受记者采访

　　记者：什么是当代艺术能给我们简单介绍一下么？

　　胡斌：当代艺术现在当然是一个很热门的词语，但是我们说它都在一个不断的变化当中，很难有一个准确的定义来定位它，但是我觉得至少有两个很重要的方面是来界定当代艺术的。一个就是它具有一种前沿性，就是一定是展现当下的最前沿的问题和现实以及当中的观念。还有一个，其实它不是一个最主流的、时髦的状态，它具有一种异样的超越当下的情形的状态，所以它经常可能不一定能够被那么多人所认识到或者所了解到。

　　记者：您觉得在深圳开这样的当代艺术展怎么样？它跟深圳怎么样结合？

　　胡斌：其实深圳是特别适合来扶持和支持这种新的文化和前沿艺术的一个城市。因为它是一个全新的城市，你在别的城市可能还有一些文化历史的这种包袱，而在深圳一切感觉都是最新的、迅速发展的过程当中，而且尤其这里集聚了大批的这种高新知识的人群，青年人才。所以我觉得在这里应该说新锐文化跟这种前沿状态的文化，以及当代艺术是最容易被人认识到，最容易被人所理解到的。那么反过来说，这种前沿状态的艺术文化又可以助推深圳的这种发展，给深圳的人们带来一种艺术和观念上的创新思维，所以我觉得这个应该是最适合当代艺术发展的城市，或者说当代艺术发展的一个最新的增长点。

　　记者：也很符合深圳的气质。

　　胡斌：对，很前沿新锐的这样一个姿态。

　　记者：对。然后这次展览据您所知，大概的作品有多少幅呢？

　　胡斌：这次虽然是一个小型的展览，就是5位艺术家，大概20多幅作品，但是这个作品面貌非常的整齐，也有内在的一种关联性，都反映了对于绘画以及绘画与空间的一种前沿的、有机联系的认知，不只是一个平面的绘画，而是把绘画和整体的空间跟整体的环境结合起来。而且5位艺术家应该说在某种思考的线索上面以及气质上有某种暗合的关系，那么集聚在深圳坪山这样一个区域，这样一个空间；它也不是一个典型的美术馆空间，这个区域也不是一个我们惯常意义上的文化中心地带，但是恰好是在这样的一种非主流的，似乎是一种边缘的状态里面，有可能迸发出新的一种活力。所以我觉得这样一个小型的展览，这样一个小型的空间，可能会给我们提供异样的一种感受或者新鲜的体验。

　　李迪作品现场导览

　　李裕君：李迪老师是我们中国抽象艺术的代表性艺术家，而且它也是早年留德，走过从表现到抽象的这样一个绘画过程，特别要说的是李老师这次参展的五件作品，都是今年最新创作，而且是这次展览上第一次向公众展示，名称叫行云2020。为什么说是行云我个人的一个理解，似乎里面有不同层面的绘画空间感，比如说最底下的包括上面看似比较薄的笔触的行动的感觉，我觉得它就像这个名称一样，似乎是在探讨或者说在表达他个人对一种放松的或者一种自由性的追求。他的价值所在就是运动。

　　胡斌：这个型有点像一个人字型，看上去是一个静止的画面，但是这个型接连在一起以后，它既构成一个结构，同时我觉得又似乎有某种运动感，造成了一个视觉幻变的感觉，所以我理解就是行的幻变。因为所谓的绘画，我们叫做视错觉，视错觉是什么呢？看上去有一个深度空间，有一个真实的形象，但是我觉得运动感带来的是一个平面的视觉运动感，就是一个平面的型带来的一种视觉的幻变。还有，李老师在画这个的时候，他有一种书写感，就是有一个笔的这种痕迹和韵律在里面，有一种身体的这种运动感在里面，而且我们可以看到它的运动感是在底下有一个底图，呈现出一个双层关系，好像壁画做了一个底的那种感觉，然后视觉的幻变和行走的轨迹是在底上面来进行，就是给这个画面增添了一种多维的层面。

　　李迪：如果我们把我的作品和黄佳老师的作品做一个比较的话，大家会发现黄佳老师的作品在我们绘画里面可以称之为冷抽或者硬边绘画，但是尽管它是用笔画，但笔触都含起来，我的作品可能正好有一点不同，或者跟她相反。我原来是表现性绘画的，有形象和大笔触，这种绘画的痕迹对我来说是很重要的特点，我也非常注重这种笔触流动的感觉。笔触的这种动感，有很强的身体绘画特点，大家能从我的笔触里面能感觉到我身体的运动感或者说书写性，这是我目前比较关注的几点，我觉得它里面有很多情绪化的东西，而且也有很多思考。

　　廖军伟作品现场导览

　　李裕君：廖老师有她个人的独特性在里面，她里面的材料非常综合。比如说砂，颜色经过行为性的涂抹，最后形成了一种个人符号性，或者说个人的独特性。尤其是他每件作品中间都会形成一个线，这是她在近两年的作品中都会贯穿的，我认为是她个人创造的一个符号的东西，材料的堆积形成了很有意思的机理，在视觉上就会给我们更多的想象空间。他的作品有一个统一的名称叫“栉‘’，‘’栉‘’的原意是梳头的篦子的意思，当你拿”栉“去梳理的时候，我脑子里面凸显出的是那个概念，似乎在他的作品里面又有了一个很具象的形象在我脑海里面呈现，但并不是我们现在眼前看到的作品面貌，那么这个形象是我们想象的空间所产生的。所以这里面有她创作作品的过程，这种一遍一遍地涂抹和堆积形成的时间概念。最后当我作为一个观者在欣赏作品的时候，我脑海中形成的似乎是一种很具体的感觉，构成了一种多重维度的思考，我觉得这是廖老师在创作中很值得我去感触或者说感动的一点。

　　胡斌：廖老师的作品，首先有一个白色或是其它一个什么样的底，假如说这个底是一层的话，上面黑色的或者其他颜色，似乎构成了第二层在一个白底上拓展的一个面积，但是这两层肯定都还是一个平面关系；在平面关系里面，它又有一个凸起来的浮雕痕迹，这是用堆积的方式形成的一种痕迹。就好像沙堆上的那种，在平面上面构建了一个浮雕，又是一个带有运动痕迹的效果。我想到一个很有名的艺术家封塔纳，他就是在平面上用刀割开一道或者几道口子，就像打开了一扇窗户，构成了平面和其背后的深度空间的关系。廖军伟这个感觉是反过来的，它突出来，构成一个面对观众的深度，一个立体空间。我还有一个非常本能或者直观的感受，这个痕迹似乎像一个脊椎，像一条生命线的味道。这个是廖老师作品一个非常突出的特征，我觉得可能跟廖老师某种身体的体验有关系，好像为一个理性的画面增添了一种感性的身体感受，化解了画面的一种简单的或者简洁的形式感。

　　廖军伟：“栉”系列作品已经创作了几年，我主要是对物质生命性的一种关注。比如砂粒，现在每天与他们打交道，成了亲密伙伴；通过有意控制在画面上形成自然痕迹，去体味、寻找物质生命的更多鲜活，和观者一起去发现更多物质生命的不可见。

　　黄佳作品现场导览

　　李裕君：黄佳老师的作品我个人觉得首先她是在一个极简的抽象的概念里面去探讨个人的一种情感的抒发。看画面好像是一种拼贴的感觉，一块一块的，其实它这些全部都是通过绘画的这样一个行动的语言去展现在我们面前的，这种块面或者是线条的边缘在创作的过程中采用了一些比如说贴的东西，最后把它撕掉，我们看到的画面里面，它这种线条和画面形成这种结构的关系，有一种时间和空间的视觉感官体验，

　　郭赟：他的作品每一张画他都画无数遍，然后不断调整，我们看到底下这个颜色它其实是画了好多遍，然后在上面再刷颜色，然后透出底下颜色，每一个形式其实都是蕴含着他自己情感的变化，跟他个人对周围环境或者是对于个人的一些体会都是都是息息相关的。他的作品既有中国的一些传统意识在里面，又有很当代的一些图式表达，我觉得这两方面都结合得非常好，很多人都以为她这个是拼贴或者是用布拼贴在画布上，然后做的一些机理，实际上它都是用颜料画出来的机理。这种画出来的机理，有很多元素，既有中国的也有她个人的一些情感，情感跟她个人的生活史、情感史或者个人经历都是有密切关系的，所以我觉得黄老师的作品不管从图示上还是内容上都是非常棒的一个艺术家。

　　胡斌：我的理解是，这种结构是在调整平面里的形和结构之间的关系，包括这个小的机理跟这种大的结构它到底构成什么关系，可能是艺术家在思考的问题。我们知道，到现代艺术以后我们不断地在讲绘画的平面性。这种像拼贴一样的感觉，一方面确认它的平面感，同时又造成了某种浮雕的感觉，是否有一个浮雕加深画面的层次感，可能是艺术家在研究的结构关系。她可能不会像一个数学家那样去做作品，她的这种结构调整，肯定是跟个人的意趣或者体会有关，不断地、像音符一样地去调整结构关系。

　　康文峰作品现场导览

　　李裕君: 康老师不仅仅是艺术家，同时也是一个美术馆的执行馆长和策展人。所以我们看他的作品的时候，里面有一个似乎是个人符号性的东西，就是NMNM的这样一个概念，他在不断地寻找一种自己的情感路径。他的作品都是经过无数遍，可能每一遍用的材料不同，然后在这上面不断地去涂抹，形成这种轨迹的构成，然后等到这一层干了之后，再进行第二层。他的作品呈现在我们面前的时候，从情感角度来说，有一种非常高雅的寂寞感在里面，我每次看他的作品，会让我的心逐渐地平静下来，进入到他作品语境里面，当然也因为这次展览主题叫“行境”。作品给我的那种心境表达，是我比较喜欢他作品的一点。

　　胡斌：我们面对这个作品看到最突出的特征就是重复，说是拱门型的弧形也好，说 M或者这样的一个字母也好，这个不重要，他突出的特征就是具有某种重复性的勾画笔迹。从声音的角度说有点像我们念经的时候，就是那种好像模糊不清的一种字母一直在延续。从形态看它就是重复的这种一样的一个痕迹，有点像一个日常的痕迹，日复一日年复一年这样的不断的重复，通过一个看上去很枯燥的这种重复，带给我们一个心灵沉静过程，我们在一种钟摆式的这种循环反复的过程当中，逐渐地趋于某种平静，处于一种静观状态，这个是我对像康老师或者还有像这一类型的这种作品，带给我们的一个很重要的感受。

　　康文峰：其实我画这个画的过程当中，没有想画一张画，更像我的一次内观自愈过程，也像一次念珠过程，但我不想把它归纳于佛教，而是一个认识自我和自然的过程。整个过程就是在重复中让人能自省地平静下来。我希望看画的时候，它是一个体验过程；创作的时候也是一个体验的过程，我更看重过程。可能大家现在看到最后呈现出来是一张画，但是我更注重的是这个过程，或者大家面对面看到整个画面的时候心能够平静一下，我觉得这个时候它的意义就诞生了。我们的生活已经很复杂了，所以我想通过这样的可能，让复杂的东西变得单纯，让单纯的东西变得丰富，然后让丰富的东西变得不要那么生涩，让它轻松一点，让它美好一些。

　　李卓作品现场导览

　　李裕君：李卓老师这次拿了几件他的小作品，跟这个空间产生一种新的关系，，我觉得他更多可能有一种想要表达的意境或者说一种状态在里面。他运用了很多综合的材料，不断的在画布上进行涂抹，然后形成了这种侧面的堆积，以及这种层层叠加的关系，构成一种视觉感官的可能性，那么特别要说，它的背后还存在一个艺术家在创作这个作品中行动的可能性。所以这个概念也是这个展览里面每一个艺术家所呈现的作品背后的一个关系。

　　胡斌：我是一直很关注这种画面和周围环境的关系，实际上抽象绘画在西方来说，也是由具象到抽象的过程，也是一个抽象又同时和空间的关系的一种产生。为什么这么说？如果大家想象一下，这个是一一张具象的绘画，就是画的人物，我们都很清楚地看到的话，大家就会聚焦于画面本身，而且这个画是可以把他搬到不同的地方，当这个画面的形式去除具像以后，它就成了一个空间当中的物，那么这个物就会跟环境产生一个关联，就是说这个空间当中的物跟周围环境构成了一个关系，打开了一个新的世界。我特别注意到，我们说传统的绘画，它会局限在一个画幅的范围里，这个画是开放式的，这个画框也成为作品的一部分，他全部用这种综合材料把整个都做成像一个物件一样，然后这个画在这个里面，所以它就成为空间当中的一个物，那么我们就可以特别注意到这个空间当中的物和空间的关系，所以我今天一来我就看到这个板，我觉得很有意思。

　　李卓：我实际上就是要把时间、空间，包括记忆具体化，让我们能够看得到感受得到，。然后用人为的方式去造了一个物，让我们在很多年之后，在看到这个物件的时候，是在那个时代产生下的这样一个东西，又没有什么实用性，莫名其妙，这里边就会产生很多的可能性。

　　展览现场