杨冕的CMYK系列绘画的“元点”始于2009年。CMYK是广泛应用于现代图书、报刊、传播品的色彩系统，四个字母代表四色即青（Cyan）、洋红（Magenta）、黄（Yellow）、黑（blacK）。艺术家将四色作为其色彩分类的基本法，并借助电脑进行图像解构与色彩分层，过程中运用广告制版分层的套色原理实施主观绘制。不同于机器的快速制图术，艺术家通过主观分析和单点个体绘制来强调进入图片生产机制讨论的重要性。杨冕在工作室像苦行僧一般将一幅幅名画解构为数万个四色元点。本次展览展出的画作共计260万个点，耗费了艺术家五年时间。艺术家通过个体的自由选择，将一个一个色点依次排列于画布之中，完成对于“图像的图像”再诠释。

　　当我们远观CMYK作品时，并不粘连的色点通过视网膜的错觉形成了融合，构成不同的色域与图形。该系列延续了修拉（Georges Seurat）等艺术家关于色彩与视网膜错觉的实验探索，但不同于印象派时期的艺术家，杨冕的图像分解并非为图像的审美或纯粹的绘画实验服务。当我们走进它们，将体验到类似于我们将照片无限放大后获得的抽象像素色块。但密集的点与点之间又是真实的空白，它们将图像带离我们的经验，回归图像诞生时的空洞，不禁让我们反问这些经典的图像是否真的在场？

　　CMYK同时也象征着印刷术与数字图像生产所带来的全球化文化传播，它开启了人们对于审美的多样性以及文化启蒙的可能性。杨冕希望将印刷术与数字图像传播的民主性，加入到绘画与观众的关系当中。他认为这样可以建立起一种更为民主的视觉认知经验的体系，将传统绘画的单一主体性消解，融入到当下更为开放，更具对话性的文化语境当中。

　　在CMYK系列的早期实验中，杨冕聚焦于中国传统文人画、古代壁画以及西方经典绘画进行单一图像的分解及图示。如果我们把这个阶段的实验看作是杨冕对于图像生成方式的探索，那么2015年至今的CMYK西方艺术史绘画系列则是指向了对图像创造与传播背后文化脉络的思考。在“260万个点与西方艺术史”系列作品中，杨冕在延续其CMYK基本工作方法--抽离、提取、组合以外，还加入了图层透叠的图像拼接方法，使得图像产生了不同视角与维度的观看体验。该系列可以被看作是一次涉及绘画空间与时间探索、融合历史重影与个体经验的合体。

　　本次展览的13幅画作，涉及了文艺复兴早期、文艺复兴、巴洛克、新古典、浪漫主义、写实主义、印象派、后印象派、表现主义、超现实主义、波普艺术等艺术流派中的45张西方艺术史上的经典作品。以文艺复兴早期的乔托（Giotto di Bondone）作为现代艺术的起点，到波普艺术中具有符号化象征的沃霍尔（Andy Warhol）的作品，这期间是从神像到人像，从人像到精神，从精神再到符号的跨越。我们通过简单的元点串联看到西方艺术史图像演变的脉络，也映射出人类文化趋向人性与个体解放的艺术流变，而同时这也是杨冕这一代中国艺术家，通过图像的传播去学习了解西方艺术史的路径。所以，这些绘画的蓝本既来自公共的历史书写，也来自个体的文化记忆。艺术家希望通过不同于艺术史家的推演，运用主观的图像选择与排列，将原艺术史的脉络重新拼接和重构，使我们看到一个若即若离、难以清晰辨认的艺术史“重影”。不同于很多当代艺术家通过对于艺术史经典图像的挪用、改编或戏耍，杨冕的绘画实验是基于图像的符号、传播以及误读所产生的一种新的文化审视。它也试图让我们警惕：在艺术家不断延续与建构的图像符号系统之下，是否需要建构新的语境与意义？又或者只是一次文化消费与自我消解？

　　我们将展出作品通过博物馆的陈列方法，按照时间与流派分类陈列于美术馆中，为大家营造一个可感知、对话以及溯源的空间。我们可以从杨冕绘画中的“元点”开始，经由图像历史的“重影”，迈入一个属于个体艺术脉络与文化流变的开放场域。