文 | 李家丽

尽管表现形式有所不同，但在塩田千春和徐道获的作品中，我们依旧可以看到一些相通之处——发掘日常之物的艺术空间与心理能量，表达诸如生命、记忆、家园和文化集体性等存在问题。

8月26日至10月17日，上海chi K11美术馆推出塩田千春与徐道获的K11藏品展——《Lightness and Being轻盈与存在》。在此次展览中，塩田千春首次在中国展出其2021年最新作品《I hope…》 ，该作品是其在第56届威尼斯艺术双年展上展出的作品《The Key in the Hand 》（2015）的迭代作品。与此同时，徐道获的《中转站，伦敦工作室》（2015）也首次在中国内地展出。展览以单一色调展现诗意冥想，并通过织物和棉线交织创作的沉浸式装置作品，邀请观众直面回忆、恐惧、不安，同时在这梦幻般的旅程中想象充满希望的未来，享受世间依旧存在的美好瞬间。

塩田千春《I hope…》

塩田千春艺术创作的规则非常清晰：重复的、具有强烈色彩暗喻的纤维形成一个能量巨大的场域，再在其中填入一个寻常到几乎会被忽视的日常之物，而后静待这一寻常之物在其中不断发酵，最终爆发。

事实上，对于纤维丝线的使用，在塩田去德国以前就开始进行了。只是那时，丝线仅仅作为作品中的构成元素，一种绘画的表现方式，让作品更加视觉化。而如今在其作品中，丝线不仅牵连起生与死，更是艺术家自我情感空间的搭建与延续。

当面对恐惧时，塩田千春采用的是黑线；当表现记忆或是忧愁、不安的情感时，塩田千春采用的是红线。在红线的两头，塩田千春的创作更多反映了人类普世精神——生与死、记忆、时间、秘密、家、缺席与在场，等等，这些作品邀请观众从自身的角度去思考和体验。也正因如此，塩田千春的作品尽管大多是装置，却总能呈现出沉浸式的观感。

2015年，塩田千春代表日本参加威尼斯双年展，作品《手中的钥匙（The key in the hand）》，让她在中国名声大噪。在这件作品中，塩田千春延续红色丝线的一贯思路，从世界各地成千上万的人们手中收集而来的钥匙。每一把钥匙都握着每一个之前他们日常使用时的记忆。她认为，钥匙是非常重要而又让人熟知的，它们激发了我们要去探索另一个未知世界的灵感。

《I hope…》延续了《手中的钥匙（The key in the hand）》的创作思路。只不过，这次她把钥匙换成了信件，信件下方静卧两只金属骨架制成的小船。

塩田千春作品《I hope…》中爱好者写下的心愿

于普通观众而言，这是一件极具沉浸感的作品，它很容易让人想起生命体验，想起生活。塩田千春照例用红线编织出一个能量场域，宛如血管般细密的精美红线构成类森林的装置，像极了这惊喜与错愕交织纵横的世界。仅用金属骨架制成的小船如同一艘航行在大海中的生命帆船，在波涛汹涌的苦难的浪花拍打下，纵然血肉零落模糊，生命依旧能留下坚硬的极具韧性的骨架，船头向上翘起，仿佛正在起航，即将开启一段史诗般的航程，驶入一个未知的所在。在这艘灵性的帆船上方，悬垂着的是各地爱好者在疫情后的心中的愿望，那是生命满载着一个又一个的点滴信念。

作品中，几何线条结构折射出的光芒，看似冷酷，又充满温情；看似平静，又波涛汹涌；看似意味单薄，又宽厚广阔；作品中无人，又处处充满人的痕迹；它是塩田千春的《I hope…》，又是你的，也是我的《I hope…》——谁的生命不是充满着汹涌磨难，谁又不是这在生活的海中艰难地挣扎着，靠着或世俗或崇高的信念与希望支撑着，在这无边无际的命运的掌握下沉浮呢？

 徐道获《中转站，伦敦工作室》

在此次展览中，徐道获的作品 《中转站，伦敦工作室》（2015）首次在中国内地展出。

徐道获 《中转站，伦敦工作室》作品现场图

在这件作品中，徐道获延续了其一贯的艺术风格，他等比例还原了其在伦敦的工作室。艺术家围绕“家”的概念、身份界限，以及个人与群体在全球文化的联系中展开。半透明的聚酯纤维和连接空间是该作品的重要标志，隐喻通往时间、不同文化还有艺术家自身的生活和经历的通道，吸引观众走进作品中，沉浸式地去感受他的生活痕迹。

徐道获作品《中转站，伦敦工作室》中，许多面向的门敞开着

同一空间内，许多面向的门敞开着，逼仄狭小的空间，仿佛刚刚推门而入，立马就又要推门而出。这是一个中转站，更像是一个任意门。人们刚刚从一个空间，通过一道门进入其中，推门而出又是另外一个体验完全不同的空间。没有什么是恒定的，人们总在不同的空间内来回穿梭。半透明的聚酯纤维弱化了中转站的私密性，使这种空间内的来回穿梭变得些许透明。

固然，这件作品是在徐道获离开故土的土壤中生长起来的。但这其中蕴藏着的，又何尝不是你我共有的生存体验？

在中国，大城与大城之间处在空中和陆地交通网的覆盖中，占据着庞大的资源，自然也拥有海量的发展机会。人潮从小城市涌向大城市，又从大城市的一个枢纽到另一个枢纽。年轻力壮之时，人们在这枢纽间奔波忙碌，最终，有人留下，有人离开。故乡在留下的人心中逐渐模糊，变成一缕乡愁；繁花簇锦的城市也在离开的人心中日渐远去或清晰，成为一个虚幻又真实的梦。记忆总是不可靠的。

有人在A地成长，B地求学，C地工作，最后回到A地；而有人在A地成长，B地求学，最终留在B地。不管如何，人们总在流离。看似稳定、坚固、安全的家，在这样的生活体验中，变得越来越像一个中转站——人们在其中短暂停留，旋即再次踏上旅程。与此同时，这一人生进程又使得“家”这个概念相较于七八十年代更具复杂意味，也更加含混不清——家的内涵、特点到底是什么？

更深一层的意味是，即便在物理空间内，你从未离开故土。但在这个快节奏、碎片化的信息时代，当一波又一波讯息充斥思想，当高雅和深度被冲击得七零八落之时，我们的心安所在——这一精神中的“家”，又何尝不是处在半透明的中转站，时刻流转呢？

对话

塩田千春和徐道获有着相似的背景——都是远离故国、来到异国他乡追求艺术事业。两人的作品中反复出现一个共同的主题，即质疑记忆、家园和身份的构建方式，突出对日常物品的强烈依恋以及对大量重复、几近冥想的创作过程的深深迷恋。

两位艺术家从过往岁月挖掘出被掩埋的碎片，将其编织成观者情感和心理上的沉浸式体验，带领观者经历时间、空间的压缩聚合，感受艺术家对于人生、过往、生命的顾盼。他们选用看似平凡、微不足道的物品，将其纳入半透明、实物大小的所在重新构建，而这些地方只存在于艺术家的记忆和想象之中。

这使得两人的作品呈现出某种相通的气质——一种冷静而敏锐的对存在的观察与表达，从而通达一种理性境遇。而就是这一点，使得当两人的作品处在同一场域内，会不自觉进行对话。

就这次展览来看，塩田千春和徐道获的作品，虽然都在存在主义的命题上反复探索，但Ta们，一个将他者纳入创作范围，在平凡普通的小人物的参与中，将视角延伸至每个个体都面临着的人生命题；一个将关注点放在自我记忆上，通过对自我过往情感体验的深入挖掘，在艺术语言的转换中，观者得以凭借相同情绪的体验，在作品中得到共鸣。

开幕现场，小珂和她的朋友们的演出

简言之，他们两个，一个从广阔的存在命题出发，将他人的记忆汇入作品，从而达到类史诗的体验效果；而另外一个则是从自身记忆出发，通过记忆的纵向深入探索，表达一种既私密又具普遍性的情绪。

开幕现场，小珂和她的朋友们的演出

尽管作品看起来是朝着不同的面向出发，但在观众的观看中，又共同地使其抽取以往的情感碎片，得到一张完整的拼图，并在这拼图中，再次反复咀嚼那些已然逐渐消逝的情感，及以往被忽视的人生经历——比如人生的信念，比如家是什么。

注：部分文字来自《塩田千春：抽出艺术的线，缠绕生死的苦》，作者：刘龙。