【导语】2021年注定是不平凡的一年，在这辞旧迎新之际，我们回望这一年中国艺术家们的创作，整理出了2021年最让人印象深刻的100幅中国艺术家新作，来告别2021，并祝2022年艺术能走得更好。在此，雅昌艺术网和艺术头条也祝福每一位网友与家人过一个平安的春节，幸福安康！

100位艺术家名单(排名按姓氏拼音顺序不分前后)：

蔡国强、蔡磊、曹斐、曹雨、陈淑霞、陈琦、陈可、陈彧君、程大鹏、段建伟&烟囱、范勃、方力钧、费俊、傅中望、葛宇路、顾黎明、高磊、何云昌、胡介鸣、胡项城、黄锐、黄宇兴、何翔宇、黄丹、贾蔼力、焦兴涛、鞠婷、蒋志、李华弌、李季、李津、李怒、李青、梁铨、梁绍基、刘建华、刘商英、刘小东、厉槟源、刘庆和、卢征远、刘韡、林奥劼、孟禄丁、缪晓春、马岩松、马良、欧阳春、彭薇、庞茂琨、丘挺、邱志杰、邱黯雄、沈勤、施勇、史金淞、宋冬、苏新平、隋建国、孙逊、宋琨、谭平、谭勋、汪建伟、王冬龄、王光乐、王怀庆、王璜生、王绍强、王玉平、王拓、邬建安、武艺、肖江、徐冰、徐累、徐震®、许宏翔、闫冰、闫平、杨福东、尹秀珍、袁可如、张恩利、张晓刚、周春芽、张钊瀛、赵半狄、赵刚、赵赵、周力、周文中、曾健勇、郅敏、张伟、钟飙、曾梵志、展望、赵要、郑达

《与未知的相遇》于浦东美术馆展览现场，2021年 顾剑亨摄，蔡工作室提供

作为浦东美术馆的首位委任艺术家，蔡国强根据美术馆中央展厅高30余米、长宽17米的空间，打造了装置作品《与未知的相遇》。这一作品以玛雅文明的自然宇宙观出发，将不同文明里“脱离重力、拥抱宇宙”的故事，通过手工搭建的墨西哥烟花塔这一质朴形式，使用电脑控制的光之绘画，打造联通古今中外的“宇宙树”和时空胶囊，让不同的宇宙观相聚、碰撞。

蔡磊《单元20211021》，243 x 56 x 46cm，（底座）132 x 101 x 18cm，青铜，24K金箔，2021

蔡磊在疫情期间的新作《单元》系列，更是与“登楼去梯”典故中所指涉的“隔离”这一语意暗合，一幢建筑，一个单元，一级楼梯，孤立的单元与横断的楼梯，共同完成了隔离、控制抑或封闭。蔡磊通过其作品《单元》发问，无论在当下疫情肆虐的非常时期，还是疫情所造成的隔离结束以后，面对更加深层和远为复杂的后全球化现实，在隔离和流动，封闭和开放的十字路口，未来人类的境况是向单元化还是多元化转向，似乎也尚未可知。

曹斐，“时代舞台”，2021，展览现场. “红霞”项目，2019-2021. 图片由UCCA尤伦斯当代艺术中心提供

《红霞》（2015-2021）始于2015年曹斐在原工作室拆迁之际，以红霞影剧院作为临时工作室而机缘巧合地对影剧院及周围红霞社区展开的调查。在片中，曹斐通过采访居住在酒仙桥社区前738厂、774厂的退休职工、红霞影剧院前经理、工人后代，以及关注本地区变迁的城市史学家、建筑师、摄影师等，重建这个消失社区的口述。

曹雨《胸中之物》 2021 收藏级打印（躯干拍摄自艺术家本人，8 斤公牛心脏，纹身虎头） 160x179cm

曹雨在拍摄这个作品的时候，胸前抱着的心脏是一颗八斤重的公牛心脏，在它最新鲜的时候，用纹身的方式纹上了一颗老虎头，将这强悍刻进它的血脉里。“纹身”又名“刺青”，这个听上去不那么美好的词语，作为一种亚文化，一度沦为带有暴力色彩的坏文化的标杆。在八九十年代的中国，多数纹身的人更希望用这样的方式增强自己外在的威慑力，人性往往是越缺什么越表现什么。直至长大之后曹雨渐渐发现，表面上的凶悍往往犹如纸老虎般不堪一击，反而有时外表看似斯文的人往往下手真正致命狠毒。有人把强悍纹在身上，有人却将野心铭刻于心里。在这件作品中，曹雨赤裸上身，手捧一颗新鲜的，纹着百兽之王-老虎头的8斤公牛心脏。干净的身体上没有饱满的乳房，没有红艳的嘴唇，只有些许肌肉，甚至一度不易辨别其性别，男性，女性，亦或者跨性别者都能从中这个雌雄同体的身体上看到他们自己的影子。32岁，曹雨将野心与强悍刻进心里，寄心有猛虎，可无畏前路。

陈淑霞 《好牌--大王》 63×153cm 布面油画 2021

《好牌》是陈淑霞在2020年这个特殊的时间节点，对世界和生活的思考。随着疫情对世界的重新“洗牌”，对每个人生活方式的改变，2020年的陈淑霞开始探索转变日常生活中谨言慎行、患得患失的状态，开始更多地尝试凭“直觉”做事。

陈琦 《梁园》 456x112cm（76x56cmx12） 纸本水墨 2021

“夫画者，从于心者也”，石涛的这句话说的是绘画的核心并不在手而在心，对于陈琦来说也是如此，绘画不是东拼西凑对形象的组合，也不是支离破碎的山河拼接，而是艺术家自己独特的“心性”表达。因此，在陈琦的水墨作品中，可以看到版画思维的影子——丰富、缜密、独立，这也成为陈琦个人水墨语言的标识。

陈可，《包豪斯女孩No.12》，2021，布面油画，200 × 250 cm

该项目创作动机来源于一本名为《包豪斯女孩》的影集，书的封面印有一行小字“致敬女性先锋艺术家”，扉页上写着“女孩子有求知欲”。这本书记录了曾经就读于包豪斯学院的部分女性学生，包含她们的肖像照和简单的生平经历。在此之前，我没有想到有如此多的女性曾经在包豪斯就读过。书中一个又一个年轻女孩的面孔像初生的朝阳，新鲜、自信，对未来充满期待。

女性第一次以独立的姿态集体出现，她们的面容与神情超越了那个时代，与当代女性的气质并无二致。在她们身上我似乎看到自己二十多岁时的影子，也看到女性与周遭环境磨合的艰难历程。我想要转译这些面孔，诠释生命的短与长，时间的快与慢。

陈彧君 ，《生长 世界地图 No.1》，2018–21, 麻布上综合材料 ，800 x 770 cm (由28部分组成) 图片由陈彧君工作室提供

70年代到80年代受改革开放的影响；90年代初到进入网络时代，你会发现生活在不同的断层里比较错乱。在这个阶段看到这个东西，那个阶段又看到那个东西，慢慢到一定程度，又觉得其实所有东西都是你经历的，它没有最好，最后都会放在那里变成一个马赛克，可以不停的拼接下去，这就是你的人生拼图。如今因疫情，你会看到全世界文化都变得扁平，所有的价值被全部改变了，每个文化变成一种类似的符号，都有自己的生长性，可以往外延展，没有高低之分。这可能也是我想创造《世界地图》的某种概念。

段建伟 《吃饭》 2021 布面油画 40 × 30 cm

烟囱 《煮面之二》 2021 布面油画，铅笔  40 × 30 cm（上下两件作品共同展出）

两件作品共同展出，在段建伟 的画中，我们所能看到的，只有在抻面、吃面的瞬间，静止与动态平衡的力感；在犹犹豫豫、欲动又止间的平静和愉悦。同样在烟囱的画中，似乎流露出表现主义的意味——形式本身成为了情绪表达的手段，简单的形象浸透着内敛的诙谐。无论是哪一位，他们都在画中表现着对生活的热爱与忠诚。这种简单、纯净而又朴素的情感是如此自然地表达，以至于我们身体中的这种情感被唤醒后，才发觉它们早已昏沉太久。

程大鹏作品《野兽城市》

建筑设计师程大鹏的《野兽城市》从“动物收藏”史和动物园空间规划、人与动物的双向凝视三个角度同时思考空间设计的可能性，尝试以城市动物园之名为人和动物在其中的“各有所养”做一个复合空间规划。

范勃 《背影》系列6幅  布面油画 80x60cm /每幅  2021

范勃说，“神像”背后涉及神话、传说、信仰、崇拜等诸多问题，是他一直以来对身体、生命、精神问题，以及与之相关的符号系统的思考的延续。精神常常被认为是无形而不可捉摸的，但对于俗众而言，需要有一个精神的凝聚物，以寄托他们的信仰和崇拜。在人类长久的历史中，神像就是这样一个凝聚物，它们将无形的神转化为有形的实体，这就好像把理念世界的力量引入到现实世界之中。当然，旧有的符号体系正在瓦解，在本次展览中，神像是范勃思虑、忖量和处理现今世界复杂性、多样性和不可预见性的一个切入口——事实上，它们是被解构、再重构的对象。

方力钧 2021，20.5x14.5 cm，纸本水墨，2021年

在题材选择上，方力钧依然用过去那种偏向扁平、嘲讽的风格来绘制人像，手法略为倾向夸张、卡通化的演绎，有如从西方历史中发展出来用于针砭时事的讽刺画( Caricature,或称夸饰画，或许用在方力钧的作品上称“夸饰画”更为切合).让我想到19世纪法国的杜米埃( Honore Daumier ; 1808- -1879年)，也让我想到日本浮世绘中以描绘人物表情特徵为主常见的役者绘。这些都是如此强烈、入世、触击人心之作。然而般在社会上流通或成为作 品的讽刺画，大多具有某一种公共性，其被创作的出发点可能是为了达到某种政治评论的效果 ，或者提供商业娱乐的趣味性。然而方力钧的水墨人物夸饰画，并非一如他既往的油画与版画的作品那样，隐含著某些不明言的批判性格，也告别了以往的犬儒距离，而显得可爱、亲切了许多。

费俊 《水曰》新媒体装置 尺寸可变 水泵、电控柜、控制主机、喷泉设备、管道、交互柱等2021

艺术家费俊的《水曰》是一件结合AI人工智能技术的互动装置作品，参与者可以通过私密性的语音输入方式来与水“交谈”，而水则会以其原生的语言来回应。作品通过呈现水的灵性来表达万物有灵的自然观。

傅中望 《遗存墨迹 2＃》 现成品、 塑袋、宣纸、墨汁尺寸可变 2021年

作品《遗存墨迹》的呈现源于个人的恋物情节，在生活中凡是自己用过的东西，即便是没用了、过时了、废旧了都会归类存放，不舍丢弃。也喜好收集一些有意思的物件， 久而久之，工作室、家里摆满了老旧物品，有人笑称我是捡破烂的。这些所谓的破烂随着时间流逝和物质生活的变化，越来越觉得有意思，如同古人言及鸡肋:食之无味、弃之可惜。换言之:这些老旧物品用之无能，弃之不舍。

葛宇路 一把鲜花  布面丙烯、木框、黄铜片上刻字  50 x 50 cm 2021

作为一位代表的年轻影像艺术家，绘画作品是葛宇路展览中鲜少见到的。它们被呈现在展览中搭建起来的一个方盒子的建筑里。这些绘画作品也是最为日常的事物：西瓜、垃圾桶、可乐······展览现场，葛宇路还用文字的方式阐释了关于他这些绘画的小思考。葛宇路巧妙地将这些物品组合在一起。比如西瓜和骷髅头组合在一起，是因为人们总说“西瓜开瓢”这个词。在这批绘画作品中，充满了许多类似有趣的小故事。调侃意味尽显。

顾黎明 《持剑门神之三》（二联画）116x80cmx2布面油彩，2021年

我从 1993 年至今创作“门神”系列作品已有 20 余年了。之所以乐此不疲，是因为不断地创造“门神”可以让我的精神驻足于此。如今的世界物欲横流，人对物质的贪婪胜过对精神的寄托。所以，我也效仿前人把自己在现实生活中遭遇的问题，通过“神”的意见表达出来。

高磊 《起源》 木板丙烯，镍 Ø165 cm 2021

作品《起源》中的单细胞生物群落与海洋波浪共同组成了一颗蓝色星球，蓝色星球中的弧线就像是层层海浪，却也如相机镜头的光圈叶片结构，整件作品仿佛是对 “神说要有光”的一次世界初始形态的定格。点缀在作品中1 至 7 的红色数字是对启示录中末日七封印的指涉，起始却也预示着终结——这些数字也反复出现在展览的多件作品中。

何云昌 三年之后 翡翠 645x240x240cm 2021

整件作品占据了山中天艺术中心一楼一号展厅的空间，当巨型装置上悬挂无数翡翠石片的铁环开始转动时，约4000片翡翠玉石（从原石上切出近6000片）宛若风铃且寓情于声，相互撞击发出清脆迷幻音声。若以男女情爱为叙事，所有承载着誓言与希望的支柱，已经折断并悬置在一旁，显得脆弱不堪。

胡介鸣 《格物》单频录像作品，时长9分29秒，2021

《格物》系列的主体对象是“物”。作品中所拍摄的物是被凝视的物，也是一种作为主体形式的存在。从在房间内的游走、环视，转变为了驻足、凝视，胡介鸣尝试用镜头拍下这一微妙时刻的感知——一种来自于日常的异常。

胡介鸣在处理方法上选择了一种“提纯”的减法，原有画面中的“干扰”与“杂音”被去除。它使最终作品尽可能地呈现出物质主体形式本身的特质，色彩和图像的形式化表达使日常的画面极具暴力感。它所带来的视觉感受不是我们既定认知中代表着日常的轻盈，相反恰恰是那些在日常中常常被遮蔽、未被发觉的情感涌动和生命力。

胡项城 痕迹的声音一 2021年

在胡项城个展《痕迹的声音》中，艺术家把很多逐渐被遗忘的生活用品和工具组装为一体，旋转把手时传输的动力，让悬挂、绞合、镶嵌其中的各种器具发出曾经熟悉的声响。此起彼伏的节奏交鸣着亲切又复杂的意味。

黄锐《天》125×64.5cm 油彩及其他媒介 2021

黄锐在“空间结构”的抽象探索同时，受到禅宗思想、与周易的影响，黄锐开始脱离依附于具体形状的空间表达方式，将他对于阴阳逻辑的理解转化成了视觉上的尝试。他在尤伦斯个展中展出的两幅《八卦》组画，便呈现了黄锐对于东方哲学的思考，这一精神性上的探索也一直贯穿于他的创作中。展厅里与《八卦》作品相呼应的，是黄锐最新的作品《天》、《地》、《人》。黄锐将中国文化中对于“天圆地方”的认识和理解转换到作品中。完成了从“形”到“意”的转化。

黄宇兴，《蓬莱》，120 x 90cm，2021

我们的时代，用一些亮色和荧光色，还有化学颜色，可以让颜料以我们这个时代的特征保留在画面里。

何翔宇，《大象研究》，2021，不锈钢，36.5 × 11.5 × 30.5(h) cm，35 × 17 × 3(h) cm © 艺术家及空白空间

黄丹 不见身相  2021 纸本设色 97 x 133

在《不见身相》镜头感十足的作品中，青年演员的下半身在一瞬间的体态，在丰富变化的墨韵背景中产生由内而外的光感。这种光感并不是西方绘画中自然、人造光线产生的照射，而是无可名状的生命状态在倏忽、瞬息之间的呼吸。

“我很着迷这些青春的形体，太美了!”黄丹没有把某人、某动态作为着力点，而是一段时空中形体产生的力量。

贾蔼力，《奏鸣曲》，2019-2021 布面油画， 540 x 1000厘米 © Jia Aili Studio.  Photo: Yang Chao Studio

巨大的尺幅，画面中的运动感，是欣赏此次贾蔼力个展作品的关键点。《奏鸣曲》中所呈现出来的力度与浓度让人惊叹。从左到右，画面中的色彩、造型结构渐次发展开来，不断变化、层次丰富，恰如一支奏鸣曲的弹奏。从平静低沉中生出复杂的旋律，最终产生汪洋恣意的效果。这幅作品也浓缩了艺术家个人的成长经历，从童年到学习艺术，到作为个体艺术家的综合体验。其各个阶段对于艺术的探索与思考都尽收其中。

焦兴涛《天街与广场》（局部） 玻璃钢、海洋球、霓虹灯、机械装置、音频 300x300x300cm & 400x300x300cm 2020-2021年

《天街与广场》，呈现了两件巨型的“城堡”，两座城堡就是由一具具玻璃钢模具随意组合而成，各种形象相互组合、拼接、挤压，组成巨大的立方体，彩色的霓虹灯则沿着不同形象之间组合形成的走势随意布置，在昏暗的空间里，像勾勒的简笔画一样有节奏，有节奏地交错亮起。透过城堡的缝隙中，看到内部空间填充了彩色海洋球不断起起伏伏涌动着。

鞠婷 《凛冬将至》416×1620×17cm 木板丙烯 2021

《凛冬将至》这件作品由16幅架上作品组成，每一件尺幅都不小，它们组合在一起，占据了一整面墙的位置。这件作品完全由艺术家现场制作完成。据了解，鞠婷在完成这件作品的现场布置时，耗费了大量的精力。首先，她需要准备几百张特制的颜料层，再将它们分别一层一层地粘贴在画布上。这个过程必须非常小心，并且需要保持温度和外部环境的极度稳定，以确保在过程中颜料布面不会损坏。而在完成粘贴之后，最终的画面敲击，便是此次作品的点睛之处。据鞠婷介绍：小时候，她一直是大家心目中的乖乖女，是“别人家的小孩”，但她内心其实一直有着“叛逆”的一面。而在完成此次的作品《凛冬将至》时，在敲打画面的过程中，让她仿佛找回了自己内心深处那个“叛逆的女孩儿”。

蒋志 世界是你们的也是我们的之B-2021-11 2021 油画 200X150cm

2014年，蒋志第一次决定把一系列的绘画作品命名为《世界是你们的，也是我们的》，一直沿用到现在，并且还在发展中。对于蒋志而言，这些“风景”画的就是“世界”，而且所有的“风景”绘画都用这个作品名，就像没有作品名一样。他觉得“这样挺好”。

李华弌 《吟月》 水墨银箔绢本 88 x 163 cm 2021

“绘画的格局,也是人格的问题。见其画如见其人，是怎样的人就画怎样的画。”李华弌已过古稀之年，他借胸中山水意象，还水墨精神气象之魂。李华弌水墨作品直追北宋山水，用笔精微而取势豪迈，以极其繁细的用笔表达丰富的线条变化，呈现宏大雄阔的浩然气象。

李季 昼-箭毒树，相纸打印 2021年

作品《昼-箭毒树》，更是以一种时空穿越般的视角把我们带到了人类文明的早期，通过这棵高大浑厚的巨树，我们似乎可以联想到拉祜族人在雨林中狩猎和采集的生动画面。如今这些树木都已经处于濒危状态，李季的作品给我们提出了一个警示，即对生物多样性的保护已经迫在眉睫。

李津 罗汉No.3 180×98cm 纸本水墨 2021 Being 180×98cm ink on paper 2021

绘画对我来说是一种寄托，在这里除了乐趣，还有一种消磨感。就如同一个人在编故事哄自己玩。所以，故事编得越逼真，达到的效果就越好。画画的时候可以忘掉很多烦事。生活的选择决定了艺术家的创作道路，我的生活选择一直是随遇而安，由于不善于思考，故乐趣来得容易些。比如，吃喝拉撒睡，虽然每日都在重复这些事情，但我总觉得了解的还是太少。表层的快乐使我接受起来容易些，我认为浮的东西虽短暂但鲜活，加上天生定力不够，易被表层事物所惑。因此，非常不定神，情绪波动也较大，这些问题，体现在绘画上也许不算是坏事。因为不可能知道明天会怎样，拿起肉来就吃，脱了裤子就拉，拿起笔就画，倒在床上就睡，这种求近不求远的生活态度，可能是在回避什么，但我感觉还算充实也就够了。

李怒  《G弦上的咏叹调》，2021

长十米高四米的巨型室内装置《G弦上的咏叹调》如一道进入庭院的影壁墙，在钢板形成夹壁墙内注满数吨的羊脂肪，这些铁板是2019年创作《铁幕》的模板，只是这次把里外反转了。冰冷坚硬的钢铁与散发着浓烈气味的动物脂肪，形成了一种潜在的张力。这种张力令你紧张，暗藏危机。　　“我们每个个体和时代，都在不断地面临一个‘怎么办’。”李怒在作品中置入我们在今天的大环境下又如何去作为个体去推进社会向前的疑问。

李青 《从包豪斯或卡巴科夫的摇篮中飞向太空的人类婴儿》，布面油彩、丙烯、印刷品，480 × 180 cm，2021

在这件作品中，李青分别借鉴了包豪斯与苏联的美学样式。画中画了一个摇篮，这来自于另外一件包豪斯经典的作品，一件非常具有工业设计感的婴儿摇篮。但这件作品作为摇篮，并没有考虑到使用上婴儿所需要的舒适性，与婴儿柔软、脆弱的身体是非常不协调的，因此这件摇篮的作品强烈地反映了工业时代与人类之间的关系。

梁铨 无题 2020-2021 色、墨、宣纸拼贴 161.8×122.3cm

绘画对于已经退休在家的梁铨，是一种生活的方式，如果不画画就像没有事情可以做。每天都在碎片化的时间中，集中一两个小时的时间创作。而这样的碎片时间却可以始种保持对作品的陌生感。看作品时，始终保持一种清醒状态。

梁绍基 《沉链：生命中不能承受之轻》在展览现场，2018-2021，金属铁环、蚕丝、蚕茧，每件200x110x18.5cm，上海当代艺术博物馆藏

我从蚕的顽强的生命意志、不断的修复能力中读到西西弗斯的精神，读到尼采的生命意志，但我感知到的最多的是老子所说的“道法自然，自然而然”——它在变，从未停止运动，停止演变。这很像中国的历史、中国人的生命，以及我们每天都在感知着的生活，所以蚕很吸引我。

《渠道一之形》 刘建华

刘建华这件作品创作于“艺术在浮梁”，大小各异的雨滴造型与水渠相结合，曾经仰赖灌溉的水渠如今废弃，联想其滋生、养育。将历史的痕迹和思考融入到作品的概念当中，产生过去、今天、未来的时空感。

刘商英,《荒原计划》，高清视频，46分钟56秒，16:9，彩色立体声，新疆罗布泊，2019-2021

当刘商英将他的艺术走向自然的时候，把荒野视为有价值的时候，理想的创作也将不再是一成不变和能完全预测。选择进入荒野去创作，刘商英找寻的也正是一个与他相异的世界，在对自然的沉思、凝视和行动中，他没有选择去真实表现风景，而是将自己深陷景致中，通过画布展现他与自然的摩擦，更多地反映出他的状态与感觉。这也使得他行动中的自然之地变成了经验之地，给我们能够看到的也不是景观外在的真实性，而是让我们在画面上感受一种“不可见”和“无法表达”时的心理处境。

刘小东，《喻红》，2021，布面油画，260 × 220 cm。图片由艺术家工作室提供。

刘小东在画自己的亲人时，则是另外一种感觉。画妻子喻红时，是轻松的。这个人，这张脸，他已经画了四十年。他经历了她生命中每一个重要的节点：附中时期以毕业创作为由画过这位少女的胳膊，大学恋爱时期画过青春的侧颜，毕业后画过并肩的迷茫，婚后画过她生产后的裸体，中年画过她沉静地坐着发呆，也画过她躺在沙发上护着女儿的母性······，这次，他画的是一起走过快半辈子的“老伴儿”，她站在盛开的玉兰树下，手拿一把修理树枝的剪刀，这一场景既有些浪漫，又似乎代表了这两位画家相伴度过的曲折人生。

厉槟源，阻断，15′59″，行为纪录 单频录像，2019-2021 ©厉槟源

《阻断》包括了厉槟源在一天时间内完成的数次尝试。在巨流冲击下，湿滑的岩壁上，轰鸣的水声中， 他努力移动身体，去短暂地阻拦瀑布的水流。这样的动作和意志，也许会让人想起愚公移山，精卫填海这样的古代传说，后者在讲求效率、精于计算、以物质产出和效用最大化为上的今天，似乎只能在艺术的世界中找到延续和回响。厉槟源以一种有意袒露脆弱的方式同水流对抗，他没有使用任何保护性的措施，相反，他赤裸着身体，将自己完全暴露在强大的外部力量之下，像是要找回人类同山川、林木、渊流的原初联结一般，在自然的背景中短暂地显现为一道充满张力的弧线，一座肉身之桥。

刘庆和 《漫天》纸本水墨 50×115cm 2021

透过刘庆和的个体表达不难发觉，在全球文化多元与多样的当下，不同的大众媒介体系所形成的现实诱惑使群体在具备视觉自由感的同时，亦具备着一种对于符号景观的“自然拜物”心态。科学技术的不断升级不仅使人们对于信息处理的速率增快，也让人们在愉悦与美感的背后被附加了厚重的都市孤独感。在仿若闹市般的都市社会里，这种“恰如其分”却又有些“不合时宜”的焦虑、以及对于现代性的隐忧，均被刘庆和透过不同的人物姿态、物质不同的流动形态展现。他这种对于现实的深刻共鸣，消解了艺术与信息拥挤、文化繁盛当下形成的世俗体系彼此间的边界。

卢征远《即时的洞穴》 装置 尺寸可变 快递纸箱，声音播放器，霓虹灯，木 2021-2022

在准备展览期间，卢征远寄出一份从北京的工作室到达重庆展厅的快递，快递箱子里的录音记录着一路漂泊的“声音”，展览现场，卢征远用快递箱子建造了一个“洞穴”，观众穿梭其中，靠近箱子可听到快递中的声音。漂泊也构成了今日之景观并指向某种隐秘性。这便是作品《即时的洞穴》。

刘韡 Nudity No.7《裸体 No.7》, 2021 Oil on canvas 布面油画 125 x 150 cm | 49 3/16 x 59 1/16 in. © Liu Wei. Photo © White Cube (Ollie Hammick)

在这次展出的“裸体”（Nudity）系列画作中，刘韡除了将具有先锋性的装置空间结构，在绘画性的平面上进行扭曲与重构之外，也将一种更加具有思辨性的、更宽维度的时间概念引入到作品中——充盈在当下的“过去”，看似是一些凝固的时间片段，实则却一个无法被明晰切割的、具有整体性的、复杂且多元的维度交叉，它们与历史、空间、记忆和城市等人类生存中不同的物质或精神层面交织在一起，同构出“从遥远的古代到一个‘业已存在的未来’”的动态发展过程。在这个过程中，过去、现在和未来是可以并行发展的，也可以是彼此穿越或互换定位的非线性存在状态。

林奥劼 《我有一个梦想》 2021 Edition of 1

作品讨论的是艺术家想在什么地方做展览的话题。林奥劼向他身边的艺术家提出了两个问题：一个是“你最想在那个美术馆做展览？”另外一个是“你最想在哪个画廊做展览？”下面的回答：UCCA、Tate、MOMA，Gagosian、David Zwiner、Hauser & Wirth、ShanghART，某种程度上展示了艺术家想要过的生活。

孟禄丁 雄黄 282x282cm（2幅一组） 布面矿物质颜色 2021年

“雄黄”系列中的符号是一个倒三角加我名字中的“丁”字。这个形能给人一种非常稳定、镇定的印象。孟禄丁说朱砂和雄黄的颜色都很漂亮，具有相同的内涵。但其中确实也夹杂了生活中的一些认识，比如赋予这种材料驱邪避鬼的东西。我并没有去真正的追究，或者不同的人有不同的体验。但我相信，有另一个维度的空间会产生影响。对于传统而言，反而是起到了隔山打牛的效果。

缪晓春，《盲目》，2021，图像，图片致谢艺术家

《盲目》创作灵感来源于1568年，布鲁盖尔根据一则寓言，寓言描绘了一群盲人，一个牵着一个往前走，手上的拐杖没起探路的作用，而只用于了他们之间的相互连结，最前头的掉进了水沟，后面的人也紧随其后摔跟头，看着让人觉得好笑，布鲁盖尔想以此警醒世人，不要盲从，作为明眼人的观众，肯定与此绝缘。

马岩松，《大地之灯》，2021 类型：装置 尺寸：12.3 x 9.8 x 9 米 材料：钢架、网格膜、灯光系统 摄影：田方方，图片致谢 马岩松及 MAD 建筑事务所

今年，马岩松带领他的事务所参与了江西景德镇浮梁县的公共艺术项目“艺术在浮梁”，和其他的数十位海内外艺术家一道，为寒溪村创作了一系列大地艺术作品。马岩松的装置作品是其中最显眼的一个，它位于村子的制高点茶山山顶上，名为《大地之灯》。白天如白云一样嵌入空中，夜晚又好似陆地上的灯塔，变换着色彩点缀夜空。

马良 《刹那》Ksana 2019-2021

按照佛经里的时间计算方式，一刹那约等于0.018秒钟，所以每张照片里都存下了九万九千个刹那，而佛说一刹那又含九百生灭，即世间九百个生命的诞生和毁灭。我用这个方式来描述这个作品，因为我觉得这也是摄影创作的终极阐释：用按下快门的一瞬致敬无垠的时间，用存在献祭所有的消逝，用怀疑交换觉悟，用“我”去映射人世间的一切。

欧阳春 蚁冢 Anthill 2021 布面油彩、油画棒、实物拼贴 oil paint, oil pastel, found objects on canvas 不规则双联画 diptych with different dimensions（上top 105×160 cm、下 bottom 180×180 cm）

欧阳春的不规则双联绘画《蚁冢》创造了一个仿若蚂蚁巢穴般潜藏于地下的异世界——艺术家的个人经历、意识、情感、物理变化、化学反应混杂其中。在这里，充满了爱与恨、理智与癫狂、融合与分裂、矛盾与戏剧化的故事不断上演。生命的冲动与死亡的气息难以分辨，或者说它们本就不可分离。蚂蚁、飞禽、走兽、人类、精灵、天使、恶魔、泥土、隧道、河流、屋宇等等，这些难以尽数、各不相同的生命个体与元素于此难以抑制地狂欢。整个世界在画家“粘稠”的笔触下仿佛呈现出不断流动的质感，映射出一个看似混沌却极大丰富、四通八达的社会模型。与此同时，这个世界似乎只能在不断沉潜中进行自我循环，而穿越顶层泥土、通往外部世界的道路却模糊不清。

彭薇 我们都需要故事–塔6，138x70 cm，平面绘画，纸本设色，2021

《塔》的绘画则是借用敦煌壁画彩绘的建筑图式，探求纵向和横向空间叠加的叙事方式。我对塔的概念迷恋很久。舍利塔、巴别塔、伦敦塔、象牙塔......在我看来，塔是空间的叠加，故事的叠加，也像是欲望的叠加，精神向度的叠加。在逐层向上的塔的空间中，我好像可以任意重构、拼合现实、梦境、神话、宗教故事、人对生死的想象。

庞茂琨，《延伸No.2》，布面油画，72x72cm，2021年

“延伸系列”艺术家庞茂琨借用西方已有数百年历史的经典油画作为基底，再局部嫁接了关于未来、科技、人工智能等细微元素。一方面，画面本身就包含了数百年的时间线，它是一部被不断改写的图像史、也是人类发展历程的真实写照；作品本身就是过去和未来的冲突、交汇。

丘挺，与谁同坐，绢本水墨，56x88cm，2021年

“与谁同坐”，灵感来自拙政园的 “与谁同坐轩”和苏轼那句：“与谁同坐，明月清风我。”这也是丘挺内心的一个写照，回望千年，茫茫中愿与谁对酒欢谈。“与谁同坐”是丘挺抛给自己的问题，是一个自我追问，但从他的答案中，我们也可窥见他内心的艺术追求和理想。

邱志杰 《大闸蟹：艺术生态地图2021》，纸上水墨，245cm x 500cm, 2021

邱志杰曾这样评价自己的地图创作：“地图不是为了生产理解，而是生产知道。明白前后左右是什么，明白道路在哪里，路该怎么走，画地图是为了找出路。” 他将这种信息的选取方式，称为“无漏”（没有遗漏）——将一切可知的，都展现在眼前。

邱岸雄，旭烈兀的金色城堡，布面丙烯，240 x 200 cm，2021 © 邱岸雄 © SPURS Gallery

在《旭烈兀的金色城堡》等作品中，近似中国传统山水画的清远背景前，却突兀矗立着源于现实或幻想中的、城市化的片段图景，而那些与周围环境格格不入的动物、大型机械的局部和似乎来自外太空的飞行器等等，却又将视野拉入到一种遥想未来的冷漠梦魇之中；在这里，邱岸雄也用自己所熟知的、中国古典文化中离奇或离经叛道那的一面，将自我对于城市的复杂情感——其中既有深深的舒适与眷恋，也有间歇性的厌恶与无助——转换成一种既“混乱”又多元的、开放式的时间线索。

沈勤，《片石山房》 176.5x585cm（176.5x97.5cmx6） 纸本水墨，2021（横屏查看）

沈勤的水墨画总是带给人一种极“空”的感觉。他往往画极少的物象，用极少的色彩，以淡漠晕染出模糊氤氲的空间，往往再结合适当比例的留白。因此沈勤笔墨之下的这个“空”的世界，不像是浮华多彩的城市生活，而更多指向一种自我放逐的精神领土。

施勇“遗忘比记忆更久远——《尤利西斯(上卷)》”，纸、铅笔、LED显示屏、红橡木、低反玻璃和热轧钢板，40.7×59×7.4cm，2021年，摄影：©王闻龙

《遗忘比记忆更久远》产生于疫情期间。因为无法外出，我决定抄书，用同一张纸，写满之后就擦除，再把擦下来的碎末保存下来。它们看上去像是知识的头皮屑。一开始抄写与擦除都很顺畅，但到了一个时间段后，纸突然变得很脆弱，这让我很紧张，也是我始料未及的。但其实这才是真正有意思的地方。我小心翼翼地继续下去，直到完成整本书的抄写与擦除为止，无论这张纸是否最终会变成碎片。

史金淞《淞撰·桃花源流考》 碳化的树木残骸、动物的骨骼、日常用品 尺寸可变  2021

对一个从小立志要当画家的人来说， 所谓画画就是手提毛笔纵情挥毫泼墨......这是我对艺术最初的理解和想象，也是我心目中艺术和艺术家的元形。那么水墨的元形又该是什么样子呢？很久以来我一直希望从自身出发，以纯物质的角度，把个人的相关臆想托名桃花源的语境，来度量和揣摩水墨元形的样式，讨论前水墨的形成状态，也就是在水墨成之为水墨之前，在水墨成之为方法论乃至世界观之前的水墨源流考据。

宋冬 《方圆济》 装置，2021

《方圆济》是一个空间参与性的装置，把“方圆兼济”的理念用镜面的反射的方式呈现，是为西海美术馆展厅量身定制的作品。艺术家最大限度地使用这个方中有圆的空间，利用曲面镜的反射，将内部空间不断地延伸和变形，将外部的空间纳入镜面的虚像之中形成幻觉。“船”是有着丰富寓意的象征物。青岛是个多岛之城，船是这座城市个性的表达。渔船，烙印在这片土地上最原始的记忆，传递着千百年一脉相承的生产生活气息。而今，这座国际化的港口城市也通过各种大型邮轮、货轮走向深海，走向世界。在这些日常化的使用价值之外，艺术家希望船可以成为精神和认识的载体，成为思想的场所。

苏新平，行走的人，青铜，500×585×158cm×3，2021

在2021成都双年展中，《行走的人》绝对是“网红”，这件作品沿袭了艺术家90年代以来社会关照的现实角度，这个奔走的形象出自2010年的油画《奔波的人》。艺术家以自身为原型，用仪式化的形式语言在现实逻辑里抽象出这个关于“行走”的肢体动作和面部表情，凝结出某种具有稳定意义的视觉符号。

隋建国《云中花园/40个瞬间》 装置，600 x600 x1200cm，2021年 TAG·西海美术馆开馆展“超越”现场

这件巨大的作品就是艺术家隋建国为TAG·西海美术馆5号展厅量身定做的最新作品——《云中花园/40个瞬间》，是其自2015年开始的《云中花园》系列的延续。“云中花园是我的一个梦。”隋建国说：“因为我的作品是储存在云盘，我梦到自己进到云盘之中，仿佛看到了王母娘娘的花园，一个个雕塑作品就悬浮在云端。”

SUN XUN 孙逊 鸱吻之泪 2017 单屏动画 9 minutes Edition of 6 + 2AP SX_3121

鸱吻，东方文化中古代建筑屋脊两端神兽，龙之子，善喷浪降雨。设鸱吻之像于屋脊，以压火灾，喻避灾防火吉祥之意。鸱吻之泪是一种暗喻，东亚诸国近代历史开端以来，分别于东方学习西方文明，时至今日发展出不同的西化面貌。泪，既是泪也是水，亦喜亦悲，鸱吻之泪是在全球化语境下对于东亚文化之现代性的反思。

宋琨《海上珍珠贝与雾霾都市》MV影像作品《海洋》静帧截图 2021

宋琨个展“泛灵净界·鲛人泣珠”中，作品以及动画MTV结合了鲛人元素。艺术家与“东方赛博歌姬”朱婧汐、音乐制作人虎子，动画师谢林佑及舞者沃王的团队合作完成的音乐及影像作品也是围绕这一展览主题创作，沉浸式的现场立体呈现了画面作品中的留白和潜意识线索。

谭平 《无题》 布面丙烯  160×200cm 2021

谭平说：很多抽象画家都是从具象绘画一点点发展到抽象绘画的，都是摆脱了对具体物象的描述，寻求更为自由的表达方式，我也不例外。我的艺术都是随着个人生活经历的变化而变化。作品中的颜色、线条的描绘都是与我的经历有着密切的关系。敏感是一个艺术家最重要的东西，生命中的任何一次触动都会影响到艺术家脆弱的神经。而小作品更能直接的通过瞬間的表达，呈现生命的永恒。只有这样，“你”永远活在你的每一件不同的作品之中。自然长出来的东西，才是最生动和真实的。

谭勋 《自然》 桂海晴岚公共艺术节 不锈钢、耐候钢 高度 3.7m 2021

该作品造型来自于日常中的“屋漏痕、狗尿渍”所形成的自然痕迹，结合我对当代雕塑、书法与绘画经验，在解构与重构过程中，作品呈现出宛如泼墨山水画一般，浓淡叠压，层层递进的视觉效果。作品的尺度变化也会产生新的意 义，刻意追求某种东方力量与当代性的关系。其镂空、镜面的多元形式语言，与周边环境相互融合、依托，在多重关系中充分强调其在地性与互动性。

汪建伟《总是，不是全部No.2》，不饱和聚酯树脂、丙烯酸喷漆，144 × 105 × 255 cm，2021

汪建伟一直在探索知识综合与跨学科对当代艺术的影响，尝试使用不同学科的方法去创造新的艺术语言。在知识综合的背景下，以哲学式的质询，实践一种交叉学科的观看世界的方式,并赋予这些实践以形式。为此，其艺术作品呈现多元样式，跨越电影、戏剧、多媒体、装置、绘画和文本等领域。

王冬龄 让世界充满爱  iPad书写  2021

书•非书的iPad书法代表着王冬龄书法触须的当代性、未来性，是王冬龄60年万花筒的书法艺术相册，从传统书法的不同书体交互，到巨书、乱书、银盐书法、竹书等的层层嬗递，再抵VR书法虚拟空间形而上的“咄咄书空”，带来更多艺术与科学孕育的个性化的感官刺激、视觉效果和多模式的新鲜体验。

王光乐 无题210105 画布、石膏综合材料 180 × 140cm 2021

王光乐没有把自己归入抽象艺术家的行列，因为相对于理念的抽象，艺术的抽象并不纯粹。画布上的点、线、面都只是“点、线、面”这个人性建构出的纯粹理念的投影。理念抽取的过程正好是要清洗掉艺术需要保留的感性质素，这包括声、色、味、触的所有的经验。

《芝麻，芝麻》  王怀庆   2020-2021年 铝合金   H100×L145×D10cm

王怀庆从上世纪80年代中期以后，就在传统的木结构建筑和木结构家具中获得启示与灵感，并从中找到确立自身艺术的基本方式。在此后的三十多年中，他一直在对这些具有传统文化基因的形式因素进行试验，他的作品从空间到平面，又再度延伸到空间，更加证明了他在自觉地经历了现代性历练之后的当代性选择。因此，在中国当代艺术家中，王怀庆无疑是一位思路清晰、指向明确、成就很高的艺术家。他通过自己的艺术努力，把中国传统文脉成功地“切换”到当代语境中来，使上千年的中国文脉顺畅地延伸到当代。

王璜生《远方与河》系列 胶片摄影绘制 112×498cm 2021年

在新作中，王璜生重返珠江源进行在地艺术考察，使用了中国古老的水墨与拓印、以及生态艺术在内的多种艺术创作手法，形成了关于珠江源流历史与当代、理想与现实、生命与记忆的并置与对话。这不仅是一次具有历史构建意义的新艺术实践，更是艺术家寻觅自我价值之路途的再次启程。

王绍强想通过作品尝试构建一种新的当代水墨山水景观图式，打破过去我们对山水绘画的单一认知，提供一种穿越古今，拓展历史维度的视觉观看方式，进而传递出一种深刻而玄奥的形上之思。

《我在马路边》，230 x 3400 cm，布面丙烯、油画棒，2017 - 2021

这张画不知不觉画了几年，最后这样的场景也是我当初没有料到的。从一个局部开始，我像小孩在沙堆_上掏洞，总想知道看不见的前面还有什么。这条街是我和老伴儿遛弯儿常去的，是那儿吗?好像又不全是。画面中的109路电车和红色的 (斯柯达) 5路公共汽车是我小时候去美术馆看展览、去景山后街的北京市少年宫必坐的。车里面是有我的，你看不见，但我知道我是在里面的....

王拓，《通古斯》，2021，彩色有声单频 4K 影像，66分。

王拓思考：如果身体是材料、动作是行为的核心，那么会不会其他非物质的东西也可以作为材料？或者说，怎么去操控那么非物质的东西？我们有很多这种类似行为的动作，比如采访、沟通、做研究时对历史文献的使用……这些材料都可以作为行为的对象，只不过这个过程可能是一个行为化的过程。操控的这个过程才是行为。行为其实是一个基础，但是最终呈现出来的，未必是一个艺术家在对身体做什么。

邬建安 《独角兽的崛起之二》305×410cm 背绢宣纸、彩墨、丙烯、剪纸、刻纸拼贴 2020-2021

在邬建安最近的新作中，观众可以看到那种近似民间艺术的、艳丽且夸张的色彩表现，而在激烈且紧张的色彩张力之下，那些来自古代传说或想象中的神奇异兽，又隐现在密度极高且具有很强节奏感的形式动态之间。正如我们所熟知的那样，邬建安十分善于从中国民间艺术传统中吸取营养，他在自己的创作援引了大量出自古代神话、历史传奇和现代文明的形象和典故，并将传统的剪纸等民间技艺融入到自我的艺术语言表达系统中。

武艺《三个女人》，60 × 50cm，布面油画，2021

武艺在布拉格小住一个月，创作之余，每天拜访艺术好友，参加文化活动，并以游记式小画配以日记体文字的形式记录下每天的所见所闻。武艺的绘画，无论是布拉格城市的人物还是街景，都在表现某个特定的时刻，甚至连阳光也是凝固的。可见他的创作是克制的，因为克制才有情感的细节，才有温柔旖旎之处。他用创作的敏锐，促成了感性与理性的互为。

肖江，《休息》，2021，布面油画，50 x 60 cm.

我的画没有什么观念在里面，画就是画，是有情绪的美感。它可能会有一些文学性的东西在里面，但没有更多哲学的意义。就像作家写作一样，是一种表达。

《“徐冰天书号”：回落地表的一子级箭体》 徐冰 2021 红砖美术馆展览现场

“徐冰：艺术卡门线”希望通过对这枚“艺术火箭”命运的讨论，引发当代艺术与太空领域、地球文明的误区、谁有权使用太空资源，以及在新的思维尺度里艺术如何被拉伸等问题的思考。

徐累 鹊华异色图 纸本水墨 50.5cm×169.6cm 2021年

《鹊华异色图》，改写自元代画家赵孟頫的《鹊华秋色图》，原画中的鹊山与华不注山，被替换为文艺复兴时期尼德兰画派大师博斯《人间乐园》中的伊甸园山峰。对于徐累而言，源于美术史图像的改写、挪用与并置，不只是为了体现一种“文化比较”的全球化特征，更重要的是，如何在文化特殊性中寻找与确立自身的普遍性。

徐震®《基地》，iPhone、iPad、MacBook、特定环境装置，2021年，徐震®个展“3两可爱，一斤伟大”展览现场

这件作品是关于今天自媒体时代的，跟我们生活相关，比如说我们如何面对手机带来的各种生活方面的信息，包含一种对自我的审视。而我们团队成员的年龄跨度非常大，可能不同年龄段的人对这种自我审视的要求、标准和经验都不一样，所以大家面对这个问题的反应以及年龄代际影响下的呈现区别还是蛮有趣的。

一条命｜One Single Life，铝板、马克笔、油彩、丙烯｜Aluminum Plate, Marker Pen, Oil, Acrylic，300cm x 2000cm，2019-2021

“一条命”的作品灵感来自于许宏翔的一篇文章《一篇流水账》。在文中艺术家描述出了从工作室到回家路上的所见所闻。这些事物在环境激烈变化中居然显示出一种明信片式甚至是永恒式的漂亮。在此，特将这篇文章作为作品的一部分呈现给广大观众。

闫冰《风声No.1》66×91cm 布面油画 2021  ©️艺术家闫冰，图片来源：香格纳画廊

闫冰新系列的画视域更为开阔，作品中有了沙的味道、有了风的速度，没有了从前作品中一贯的古典主义的氛围，现在画面中的光更加轻薄了。我们无法找到光的过渡，而是感受到它正消隐在流沙的世界中。路上野草最为有趣，闫冰这次采用了俯视的视角去触及它们真实的生命力，那种隐蔽的、秘密的并且鲜活的生命力。

生活一天一天的过，我觉得这是我艺术中最可靠、最本质的一部分;画一天天的画，也是我作为一个画家的内在成长。生活是艺术的本质，艺术和生活又是相互的流动和生成。

杨福东_我痛恨这如此漫长的夜_2021 七屏幕彩色电影装置_音乐：汪文伟_20'50''_拍摄现场

新作品意在突破过去“绘画式影像”对于视觉构图的严谨玩味，更多地加入了即兴纪录和叙事性的文本元素，以更为松弛的方式，容纳泰国与中国在文化上的相通之处，同时也更为客观地呈现两地在视域质感上的迥然相异。将泰国少女呈现出的朴素、迷茫和灵动，囿于都市化的丛林，成为当代影像中罕见的表演素材。虽然有不少新的尝试，但主题依然与过去一脉相承，即借古喻今地探讨当下人们心灵普遍缺失的关于永恒价值的追问。

尹秀珍 《圆缺》 装置，2021

《圆缺》是由 5件既各自独立又相互联系的作品组成的运动装置。作品灵感来源于青岛的“青” 字。青，不仅仅是颜色，也是生命力的象征，这与她一直以来试图探索的构建与自然的共生关系相关。

袁可如，《明天太阳会升起吗?》，2021，收藏级喷墨打印、金色丙烯 图片：由艺术家和SPURS Gallery提供

《明天太阳会升起吗？》：在如今这个科学至上，强调可控制性的时代，我们对那些似乎不可控制的东西奇特地显示出一种非科学的态度。一方面是竭力清除歧义的科学性思维，试图创造一个只有事实的世界；一方面是竭力寻找意义的隐喻性思维，试图以一个意义世界（宗教、道德、文学等）来取代这个事实世界。而在展览的两层空间中，袁可如用叙述性的影像方式弥合虚构与真实，呈现不同历史切片中个体的困境。

张恩利 《戴围巾的男子》 300×250cm 布上油画 2021，图片由艺术家工作室提供

张恩利的绘画经历了从人物到静物、从情绪的表达到隐藏、从热烈到宁静的转变。他对日常物品的描绘注重细节以及外观上的破损，他的绘画技巧很接近传统的中国水墨画，对于整体而言画布上的每一笔都是独特的。

张晓刚 《角色12号》 200x100cm  布面油画拼贴  2021

《角色》系列是张晓刚《舞台》系列的一部分。自2016年起，张晓刚开始创作站立在凳子上的人。为了突出角色的状态，他为形态各异的人们装扮了一个角色，将他们置于凳子上。这里的12号角色，身体被黄色光源所覆盖，单手举过头顶，似乎在宣誓。

周春芽，丹臺春曉，布面油画，300×180cm ，2021

今年春天，艺术家周春芽和朋友们一同游览江西三清山。他发现三清山的山形很像黄山，但比黄山小巧秀丽，岩壑更显奇峻，景点也比黄山集中，移步换景、放眼如画。艺术家和一同旅行的朋友们分享各自思想和感受之余，也很想要送他们些什么，但这林泉青山里只有清淡缥缈的白云。南朝陶弘景认为这山中白云“只可自怡悦，不堪持赠君。” 于是他想：送给他们这满谷云朵、满心欢喜，也是深深的情谊。而这次展出的几件作品就是在这样的背景下创作出来的。

张钊瀛《终身学习-世界乐园-当梵高看见梵高》 190×143cm 布面油画与喷枪亚克力 2020-2021

“戏谑”是张钊瀛一贯的艺术特色，如今也不例外，因此可将其作品中虚拟的场景看作是“乐园”，或许此词还隐隐地致敬着15世纪荷兰画家博斯的《人间乐园》。加上“世界”这一定语，“世界乐园”体现出艺术家希望在作品中呈现出更广博的视野和更宏观的角度。

赵半狄的小窝 后疫情时代的诺亚方舟 现场 / 绘画作品 《初》2021

2020年，新冠病毒全球爆发，面对肆虐的疫情和人类的艰难处境，赵半狄在上海呈现了作品《 赵半狄的小窝》，作品由口罩吊床、竹子小窝、小窝中的油画、滲入式派对、观众互动、视频媒体互动等构成。这是一个展中展，在昊美术馆“博伊斯”展厅中，他打造了一个人类精神的庇护所，铸造了一叶逃离疫情的心灵方舟。前来小窝的观众除了海外留学生、外国人、藏家、批评家，还有一些有着特殊经历的观众。小窝既是心灵慰藉的避难所又是一个可以暂时忘记现实烦恼的“乐园”。当然，不同的故事里有忧伤也有欢乐，均为小窝增添了几分治愈的色彩。而这些来来往往的观众既是参与者和表演者，又成为了艺术作品的对象和媒介。

赵刚，《兄弟连》，2021 布面油画，360 × 400 cm

赵刚特意把静物放大，放大到数十倍，而且在命名中还挪用了中国革命风景画的名字。简言之，这些被放大的酒肉、果蔬既是欲望的象征，也是革命的风景。

赵赵《星空》1200×300cm 布面油画 2021

《星空》来自赵赵起源于2014年并一直续写的“碎片”系列，2007 年一次车祸中赵赵头部撞碎汽车挡风玻璃的经历，他以那块玻璃的裂纹为参照，创作了第一件不锈钢碎片。架上作品却孜孜不倦地用超写实的手法，用成千上万的笔触精心塑造了玻璃在收到撞击后的爆裂瞬间，那是即将全部坍塌为碎片前的状态。

周力 《彩虹》

周力的《彩虹》是OCT-LOFT公共艺术展中的作品，是她为邻里们带来的全新景观。

周文中 《劣质炸药》  250×400cm 布面油画 2021

新作比较多地涉及到我个人的生活和情感，因为比较熟悉，所以在画的时候特别有代入感，感到很兴奋，而且因为是凭想象作画，所以在创作的过程中会有各种感觉不断地补充在画面中。

曾健勇这些年来，不断地在创作上探索、创新、突破对于“造型观”的研究，对于手工性的重视，对于中西方艺术的技法、媒介、形式的深入思考，赋予他作品更深的含义与内容。这让曾健勇慢慢地成为了这样的一位画家：看起来极其看重技术，但这样的技术却最终在他的画面里升华成为艺术。完成了从手工性到精神性的转化。

郅敏 《温度》无机物、有机物 尺寸可变 2021 摄影：盛开

在艺术家新作中可以看到艺术家郅敏所关注的“温度、物质和状态；陶瓷的生发和可能性”等等问题，也可以看到艺术家由上述问题而研究出他独特的艺术创作方法，最终形成一套完整的作品体系。策展人吴洪亮先生也希望这个展览是回溯万物的起点，在源头汲取能量，在中华传统文明中汲取养分，也让科技为艺术寻根，创造出更多的可能性和未来。

张伟个展现场创作作品

张伟个展“人生的形式”是一场有关于摩托车的展览。熟悉张伟的人都知道，他是一位哈雷的迷恋者。在他的人生中，除了绘画，最热爱的就是哈雷。即便如今，他仍然还在骑着他的哈雷风驰电掣，甚至还发展出了独属于他的摩托车绘画。

钟飙 《芜境之地》2021年

我致力于透过纷呈的世相，探寻现实深处浩瀚的普遍联系和潜行动能，并创造相应的艺术语言，把现实世界的人生观与能量世界的宇宙观结合起来，在多维时空中建构现世的理想国。

曾梵志© 2021 Zeng Fanzhi，无题，布面油画，400×400cm，2021

中国传统绘画其实常常使用线条。是线条使得画面看起来有了立体感，但图像仍是二维的。线条并不是描绘的主题，而是构建绘画作品时的工具及意念。

展望，《镶长城》，2021 影像装置、金砖若干 10'02'' © 艺术家

2001年夏，一群工人模样的人，背着金灿灿的砖头，爬上八达岭以西的残长城，将“金砖”逐个“砌”在残缺了两个箭垛的城墙上。金砖并不是真的金，是由不锈钢镀钛金而来，远望过去表面金光闪闪，就像是长城上的“大金牙”。

二十年后再回首这件作品，展望说道：“那时的中国，正处于一个新旧交替的时代，我把现场作为我的材料，试图将艺术带入公共领域。”

赵要，风景 调色机色浆、塑料膜、纸袋、木头、石膏底料、油墨、文字，2021

赵要个展《呼吸宇宙》中呈现了新作《风景》，《风景》这件作品直接对应了此次展览的名称《呼吸宇宙》。这一展览名源于1626年李光宸在“泰山之巅”大观峰书写的“呼吸宇宙”四字。“我希望能将当下的自身文化与古时候的人文精神产生一种创作上的联想。”悠悠天地之间，无论是“泰山之巅”的“呼吸宇宙”，还是那一张张被压缩成卡片的风景，都是生命个体与自然和历史中的记忆所展开的独白式的对话与精神体验。

郑达 未知时空的光泽 作品类型：数据化动态装置 单模块尺寸：40 x 40 x 40 cm  主要材料：电镀调光膜、机械动力模块、电源、定制结构、定制控制系统 创作年份：2021

《未知时空的光泽》是一件数据化动态装置，向观者提供了一种全新的“观看视角”，尝试突破参与者活动范围的限制，使处于人造空间的参与者的感知系统延伸至室外的自然场域之中，直观的感受来自“自然界原始力量的美”。 作品将人类社会与自然空间整合到同一维度下，脱离传统电子屏幕对自然信息的可视方式，攫取实时更迭的自然数据来驱动作品的形态变化，从而释放出绵延的张力，在人造空间中真实的再现“流动的自然奇观”，构建一种体验自然生态的新途径。