2022-04-06 16:00:00
HauserWirth（豪瑟沃斯画廊）
▲ 以上图片依次为： 拉希德·约翰逊（Rashid Johnson），「瘀痕绘画」系列《怀念》（Sodade）细节，2022年；亨利·摩尔（Henry Moore）与他的三组《直立的动机》（Upright Motives），约1955年；露琪塔·乌尔塔多（Luchita Hurtado），《面具》（Mask）细节，1977年；妮可·艾森曼（Nicole Eisenman），《大猫》（Big Cat）细节，2022年；辛迪·舍曼（Cindy Sherman），《无题》（Untitled）细节，2019年；弗兰克·鲍林（Frank Bowling），《珍珠诗人》（The Pearl Poet）细节，2020年。
2022年春，豪瑟沃斯将于全球三个大洲陆续推出十一场全新画廊展览，带来包括辛迪·舍曼（Cindy Sherman）、亨利·摩尔（Henry Moore）、 拉里·贝尔（Larry Bell）、拉希德·约翰逊（Rashid Johnson）等艺术家的全新个展及精心策划的群展。▲ 拉里·贝尔（Larry Bell），2021年，© 拉里·贝尔，摄影：Jason Collin 作为1960年代洛杉矶艺术界最知名、最具影响力的艺术家之一，拉里·贝尔（Larry Bell）将展出「解构立方体」（Deconstructed Cube）系列的全新作品。 贝尔以精致的手法处理玻璃表面，通过材料对光线、反射和阴影进行了创新性实验，因此闻名于世。他的重要创作从绘画、纸上作品，一直延伸到玻璃雕塑和家具设计等。展览以两组大尺寸的「解构立方体」作品为重点，并展出同系列的多组小尺寸作品，其中结合了艺术家著名的「直立墙」（Standing Walls）和「嵌套立方体」（Nesting Cubes）系列的元素。 ▲ 拉里·贝尔（Larry Bell），《解构立方体SS（柠檬酒/海藻/向日葵）》（Deconstructed Cube SS [Limoncello/Kelp/Sunflower)]），2021年，覆膜非钢化玻璃 铬镍铁合金 石英 钛，2件柠檬酒矩形：30.5 x 40.6 x .6 厘米/12 x 16 x 1/4 英寸，2件海藻三角形：30.5 x 30.5 x .6 厘米/12 x 12 x 1/4 英寸，4件向日葵嵌板：30.5 x 20.3 x .6 厘米/12 x 8 x 1/4 英寸，© 拉里·贝尔，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Desiree Manville 3月12日，拉里·贝尔的个展亦已于纽约迪亚比肯艺术中心（Dia Beacon）开幕，汇集了一系列精选的早期雕塑作品，以及艺术家「解构立方体」系列里的全新双联画作。 贝尔对玻璃和光线媒介的深入理解，使他能够扩展视觉和物理上的感知领域，更使他的雕塑作品超越了媒介的传统边界。 ▲ 滑动查看图片： 「拉里·贝尔」（Larry Bell）展览现场，纽约迪亚比肯艺术中心，2022年3月12日–2024年2月25日，© 拉里·贝尔，图片：艺术家、迪亚艺术基金会，摄影：Thomas Barratt、Don Stahl ▲ 露琪塔·乌尔塔多（Luchita Hurtado），《面具》（Mask），1977年，油彩 画布，58.4 x 55.9 厘米 / 23 x 22 英寸，© 露琪塔·乌尔塔多艺术资产，图片：露琪塔·乌尔塔多艺术资产、豪瑟沃斯，摄影：Jeff McLane 本次展出了露琪塔·乌尔塔多（Luchita Hurtado）以前未公开过的作品，包括重要油画作品《天空的皮肤》（Sky Skin）。 从1970年代中期开始，乌尔塔多颠覆了她早期的《我是》（I Am）绘画系列，目光从早期的俯视转为仰视的视角。在这一绘画系列里，观者从俯视的角度观看自己，胸部、腹部和膝盖变成了连绵起伏的山脉，展现了艺术家围绕具象风景展开的、充满幻想和假象的创作试验。 乌尔塔多画作里的天空经常被崎岖的大地所围绕着，那便是艺术家每年夏日前往的新墨西哥州陶斯山脉，以及其他时间所居住的圣莫尼卡峡谷的山丘。平坦的陆地景观巧妙地向天空敞开，展现出被拉扯的动物皮毛形状，空中点缀着云朵、月亮和羽毛等图案。 ▲ 露琪塔·乌尔塔多（Luchita Hurtado），《一天的遥远引力》（Distant Gravity of a Day），1977年，油彩 画布，101.6 x 51.1 x 3.5 厘米/ 40 x 20 1/8 x 1 3/8 英寸，© 露琪塔·乌尔塔多艺术资产，图片：露琪塔·乌尔塔多艺术资产、豪瑟沃斯，摄影：Jeff McLane 露琪塔·乌尔塔多于1920年出生于委内瑞拉的迈克蒂亚（Maiquetía），八十多年来一直致力于探索普遍性和超越性的问题。通过对抽象、神秘主义、形体与风景的融合，她发展出自己的艺术词汇，以非常规的技巧、材料和风格进行了丰富的实验，并借此塑造了自己的生活和工作。 ▲ 亨利·摩尔（Henry Moore）与他的三组《直立的动机》（Upright Motives），约1955年，经亨利·摩尔基金会惠允，摄影：Barry Warner Durslade Farm, Dropping Lane, Bruton 2022年春，豪瑟沃斯萨默塞特艺术中心将举办一场亨利·摩尔 (Henry Moore) 的大型展览 ，由亨利·摩尔基金会的汉娜·海厄姆 (Hannah Higham) 与艺术家的女儿玛丽·摩尔 (Mary Moore) 共同策划。 本次展览纵观艺术家六十年的艺术创作，覆盖画廊的五个空间，并将于露天空间展示艺术家的开创性作品 ，包括：《拱门》（The Arch，1963/69年）、《大型内部形态》（Large Interior Form，1953–1954年）和《锁片》（Locking Piece，1962–1963年)。除展览外，画廊亦将推出意义深远的教育与活动计划，包括与英国伯恩茅斯艺术大学（The Arts University Bournemouth）合作的全新研究实验室。 ▲ 亨利·摩尔（Henry Moore），《二人形立》（Two Standing Figures），1981年，LH 715a，石灰华大理石，经亨利·摩尔基金会惠允，摄影：Jonty Wilde 展览的起点可追溯至艺术家早年对巨石阵（Stonehenge）这一新石器时代遗址的迷恋，以及他对于直立抽象形态的深入探索。 1921年，年轻的摩尔首次在夜色中观看史前遗迹巨石阵。52年后，他开始创作一系列有关该主题的石版画。摩尔对这些高耸的古代石块之间的关联深深着迷，它们大小不一、错落有致。再度访问时，他更感受到一种神秘的“深度和距离”。对摩尔而言，这种巨大形态里所蕴含的力量和强度、与天地的相互角力，促成了他创作生涯中对比例、材料、体积，以及艺术与自然并置的探索。而这些历程都将在展览中呈现。 除了摩尔最著名的作品以外，观众亦将在展览中心观赏到由玛丽·摩尔挑选展示的艺术品和物品，包含了来自她父亲工作室和家中的近百件物品，使观众深入了解雕塑家的工作与生活，以及这些物品所承载的亲密回忆。这种独特的体验汇集了摩尔创作里的视觉与思想的灵感来源。 ▲ 路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois），《女人的房子》（Femme Maison），1994年，白色大理石，12.1 x 24.4 x 7.6 厘米 / 4 3/4 x 9 5/8 x 3 英寸，© 伊斯顿基金会/2022，ProLitteris，苏黎世 Seventy Years of The Second Sex Curated by Dr Sophie Berrebi Limmatstrasse 270, 8005 Zürich 自1949年面世以来，西蒙·德·波伏娃（Simone de Beauvoir）的著作《第二性》（The Second Sex）如何被艺术家们所解读？而该书的出版又如何影响了我们欣赏艺术的方式？ 豪瑟沃斯苏黎世举办的这场群展，意在通过当代艺术创作，反思这部波伏娃里程碑意义的思想著作。 ▲ 格塔·布拉蒂斯丘（Geta Brătescu）， 《镜中自画像》（Autoportret în oglindă [Selbstbildnis im Spiegel]），2001年，照片 镜子 木头 拼贴，28.5 x 18 x 2 厘米 / 11 1/4 x 7 1/8 x 3/4 英寸，© 格塔·布拉蒂斯丘艺术资产，图片：格塔·布拉蒂斯丘艺术资产、Ivan Gallery，布加勒斯特、豪瑟沃斯，来源：曼努埃拉与伊万·沃斯收藏 在《第二性》首个英文译本出版（1953年）的七十周年之际，由索菲·贝莱比博士策划的群展《第二性的七十年》汇集了路易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）、格塔·布拉蒂斯丘（Geta Brătescu）、李·洛萨诺（Lee Lozano）、罗尼·霍恩（Roni Horn）、佐伊·伦纳德（Zoe Leonard）、劳娜·辛普逊（Lorna Simpson）、辛迪·舍曼（Cindy Sherman）、伊娃·海瑟（Eva Hesse）和安奈克·娄·皮特鲁（Annaik Lou Pitteloud）等艺术家的作品，在她们的创作与波伏娃的精神遗产之间展开一场对话。 ▲ 滑动查看图片： 「第二性的七十年」（Seventy Years of The Second Sex）展览现场，豪瑟沃斯苏黎世，2022年，摄影：Jon Etter ▲ 弗朗索瓦·莫雷利特（François Morellet），《霓虹灯的奥妙》（Néon abscons），1968年，红色霓虹灯管 木头，85 x 165 厘米 / 33 1/2 x 65 英寸，©弗朗索瓦·莫雷利特/ADAGP，巴黎，图片：弗朗索瓦·莫雷利特艺术资产 Limmatstrasse 270, 8005 Zürich 「弗朗索瓦·莫雷利特：霓虹灯」将展示这位20世纪最重要的法国艺术家在灯光和霓虹灯媒介领域上的突破性成就。 作为1960年代首批使用霓虹灯创作的艺术家之一，莫雷利特发展出了一套激进的几何抽象方法，将对精确、形式的追求与俏皮、欢愉的轻盈质感并置在一起。这种幽默机智在他的作品标题中表现得淋漓尽致，因为标题里经常包含戏谑的双关、夸张的演绎以及文字游戏。 ▲ 弗朗索瓦·莫雷利特（François Morellet），1965年，©莫雷利特工作室/ADAGP，巴黎，摄影：弗朗索瓦·莫雷利特 展览由奥利维尔·雷纳德-克莱门特（Olivier Renaud-Clément）策划，将在Limmatstrasse画廊空间的二楼展出，追溯了莫雷利特如何在创作生涯中开创并不断革新霓虹灯这一媒介。展出作品从1960年代初期的形成阶段延伸至随后的革新创作。艺术家以霓虹灯和建筑式装置，探索动能和预建系统的创造潜能，挑战观众在感知和物理层面上对图像平面的认知。莫雷利特主要使用基本的几何形式，并严守着一种客观与超脱的方法论。通过使用霓虹灯，莫雷利特试图在创作中抹去艺术家的痕迹，力图打破传统的等级制度，拥抱随机性和偶然性。艺术家的另一作品展「弗朗索瓦·莫雷利特」亦将于2022年5月5日至9月30日在法国穆利昂梅多克（Moulis-en-Médoc）的忘忧堡酒庄（Château Chasse-Spleen）开幕。 ▲ 「弗朗索瓦·莫雷利特：霓虹灯」（François Morellet. Neons）展览现场，豪瑟沃斯苏黎世，2022年，摄影：Stefan Altenburger Photography Zürich ▲ 约翰·张伯伦（John Chamberlain）在萨拉索塔工作室背后的热带花园里，图片：约翰·张伯伦艺术资产，© 2022 Fairweather & Fairweather LTD /艺术家权利协会，纽约 作为一名典型的美国艺术家，约翰·张伯伦（John Chamberlain）把战后的创新能量引向了自身不懈的创造性艺术实践，持续六十年之久。作为豪瑟沃斯首次在瑞士举办的艺术家展览，《约翰·张伯伦》将展示艺术家2009年后创作的雕塑作品，它们代表着与瑞士的独特联系。 展出的雕塑作品中被扭曲、压碎和锻造过的金属，便是来自瑞士伯尔尼州（Bern）考夫多夫（Kaufdorf）一个荒废的汽车回收站。这个汽车墓地近80年来任由大自然的力量自由地生长，里面老式汽车的空壳被森林、灌木丛所覆盖着，直到张伯伦将它们重新利用起来，制作成令人惊叹的艺术品。 ▲ 约翰·张伯伦（John Chamberlain），《布德主教》（BISHOPBUDD），2009年，涂漆镀铬钢，193 x 224.2 x 102.2 厘米 / 76 x 88 1/4 x 40 1/4 英寸，© 2019 Fairweather & Fairweather LTD /艺术家权利协会，纽约，图片：约翰·张伯伦艺术资产、豪瑟沃斯，摄影：约翰·张伯伦艺术资产 1950年代末至1960年代，张伯伦初露锋芒，用汽车零部件创作了一系列雕塑作品——这些开创性的作品有效地将抽象表现主义绘画的姿态能量转化到了三维空间。 从 1970 年代开始，张伯伦开始探索其他既有媒材的创作潜能，例如泡沫塑料、有机玻璃、铝箔和矿物涂层树脂等。这些实验性探索赋予了汽车金属媒介新的生命力，让艺术家在其漫长的艺术实践中多次回归金属创作。 ▲ 滑动查看图片： 「约翰·张伯伦」（John Chamberlain）展览现场，豪瑟沃斯苏黎世，2022年，摄影：Jon Etter ▲ 弗兰克·鲍林（Frank Bowling），《珍珠诗人》（The Pearl Poet），2020年，丙烯 画布，292.1 x 188 厘米 / 115 x 74 英寸，© 弗兰克·鲍林，, DACS 2022 版权所有，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Sacha Bowling Limmatstrasse 270, 8005 Zürich 在过去六十年的时间里，弗兰克·鲍林（Frank Bowling）坚持不懈的艺术实践，大胆地拓展了颜料的属性及其可能性。怀揣着对作品体量与内容范畴的雄心，鲍林不断发展着其所选媒介的材料性，并在更广泛的艺术史范畴中持续地进化，造就出了极具原创性与力量的绘画作品。恰逢苏黎世艺术周末，作为艺术家在豪瑟沃斯苏黎世空间的首次展出，本展览将展示艺术家最新创作的抽象画作，大部分是在2020年时因疫情封城期间所创作的。在鲍林身体不适的那段时间里，这些作品随着艺术家的康复焕发出一种能量和活力。 ▲ 弗兰克·鲍林（Frank Bowling），《进退两难》（Up a Tree ）细节，2021年，丙烯 丙烯酸凝胶 塑料昆虫添加物 栗色画布，285 x 185.5 x 6 厘米 / 112 1/4 x 73 x 2 3/8 英寸，© 弗兰克·鲍林，, DACS 2022 版权所有，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Sacha Bowling 鲍林于1934年出生于圭亚那，1953年前往伦敦，并于1962 年从英国皇家艺术学院（The Royal College of Art）毕业并获得绘画银奖。如今，鲍林对绘画媒介的掌握以及对光影、颜色和几何的探索更结合了氨的使用和多层洗涤的手法。鲍林在画面上的不断创新也延续到了他于本次展览的展出作品之中，并通过使用厚涂肌理、丙烯酸凝胶、拼贴、缝制帆布以及带有金属光泽与珠光的颜料，继续实现着创作上的突破。如今，87岁高龄的鲍林每天都在伦敦南部的工作室里创作，在他的妻子瑞秋（Rachel）及其他亲人朋友的陪伴下，他对于广阔而绚丽的绘画可能性的探索仍在持续，未曾间断。 ▲ 拉希德·约翰逊（Rashid Johnson），© 拉希德·约翰逊 ，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Axel Dupeux Isla del Rey (Illa del Rei), Mahon, Menorca 拉希德·约翰逊（Rashid Johnson）在西班牙的首次个展将接管豪瑟沃斯梅诺卡的整个展览空间，以展出艺术家的全新作品 ，包括「海景绘画」（Seascape Paintings）、青铜雕塑作品、「瘀痕绘画」（Bruise Paintings）以及「投降绘画」（Surrender Paintings）等系列，后者是艺术家从「焦虑人」（Anxious Men）肖像画系列衍生的新作品。 拉希德·约翰逊的多媒体艺术实践直面我们所谈论的人类状况和生存空间。在展览「怀念」里，艺术家探索了焦虑、逃避现实等反复发生的问题，其中的历史叙述正与我们生活的时代相呼应。 ▲ 拉希德·约翰逊（Rashid Johnson），「瘀痕绘画」系列《怀念》，2022年，油彩 亚麻画布，274.3 x 487.7 x 5.1 厘米 / 108 x 192 x 2 英寸，© 拉希德·约翰逊 ，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Stephanie Powell ▲ 辛迪·舍曼（CIndy Sherman），《无题》（Untitled），1981，C-print彩色打印，60.96 x 121.92 厘米 / 24 x 48 英寸，© 辛迪·舍曼，图片：艺术家、豪瑟沃斯辛迪·舍曼（Cindy Sherman）在其早期作品中，彻底改变了相机在艺术实践中的角色，并为几代艺术家与评论家打开了重新思考摄影这一媒介的契机。 自 4 月 27 日起，豪瑟沃斯纽约将在为舍曼举办首场大型个展中，展出其最具突破性和影响力的过百件早期作品，其中包括「无题电影静帧」（Untitled Film Stills）、「后屏投影」（Rear Screen Projections）、「杂志插页」（Centerfolds）等系列作品。 舍曼喜欢独自工作，因此在工作中她不仅是摄影师，也要承担起化妆师、发型师、造型师和导演的职责，把自己塑造成一位身处大量舞台虚构场景中的明星。受到电视、电影与广告中的女性形象的启发，舍曼利用镜头中的角色探讨了一系列女性的刻板形象——红颜祸水、职业女性、家庭主妇等，以回应媒体对女性身份和形象的塑造，而这些问题在今天仍然与我们息息相关。 这些创作于四十多年前的作品充满了力量与魅力，它们也成了当代艺术的试金石，继续启发并影响着艺术与图像生产的进程。 ▲ 辛迪·舍曼（CIndy Sherman），《无题》（Untitled），1978，明胶银盐冲印，20.32 x 25.4 厘米 / 8 x 10 英寸，© 辛迪·舍曼，图片：艺术家、豪瑟沃斯▲ 李·洛萨诺（Lee Lozano），《无题》（No title），1962–1963年，油彩 画布，75.8 x 116.8 x 2 厘米 / 29 7/8 x 46 x 3/4 英寸，120 x 78.9 x 4.6 厘米/ 47 1/4 x 31 1/8 x 1 3/4 英寸（含框），© 李·洛萨诺艺术资产，图片：豪瑟沃斯，摄影：Barbora Gerny 李·洛萨诺（Lee Lozano）在她相对短暂却高产的艺术生涯中创作出多式多样的作品。她从不局限于单一的特定风格，而是借鉴不同艺术运动的想法，然后去颠覆它们。5月5日，豪瑟沃斯纽约将展出艺术家具象和极简主义时期的一系列绘画，以及相关的习作和纸本作品。 ▲ 李·洛萨诺（Lee Lozano），《塞满》（Cram），1965年，油彩 画布，221 x 197.8 x 3.8 厘米 / 87 x 77 7/8 x 1 1/2 英寸，© 李·洛萨诺艺术资产，图片：豪瑟沃斯，摄影：Barbora Gerny 在所展出的艺术家早期具象作品中，洛萨诺的焦点主要放在人类的肉体，以及人体与权力、性和暴力的关联上。艺术家会从她的画作中消除那些可辨认的元素，如形状或物件，然后使用她刻意去限制的几种颜色和几何图案，来探索能量、光和颜色的现象。而这系列的极简主义作品均以动词作为标题，是她最早于1966年在纽约比安奇尼画廊（Bianchini Gallery）展出的一系列作品。艺术家以三英寸的漆刷作画，在颜料仍发黏时画出重叠、并行的笔触，形成微微起皱和反光的精细表面，这不仅是对绘画基本要素的巨大挑战，更是对物料本身的深入探索。 ▲ 妮可·艾森曼（Nicole Eisenman），《大猫》（Big Cat），2022年，油彩 画布，152.4 x 122.6 x 3.8 厘米 /60 x 48 1/4 x 1 1/2 英寸，© 妮可·艾森曼，图片：艺术家、豪瑟沃斯，摄影：Thomas Barratt 妮可·艾森曼（Nicole Eisenman）与豪瑟沃斯纽约的首个大型个展将于5月5日开幕，展览将横跨切尔西区西22街画廊大楼的两层空间。展览为观众提供了一道窗口，以了解艾森曼在三十年间所建立的独特而震撼的视觉语言。 展览将展出艺术家最近的绘画和雕塑作品，这些作品以开放和坦率的矛盾情绪来谈论当代社会政治问题。
(责任编辑：孟文淇)
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