近日，阿拉里奥画廊上海新空间落地上海西岸，新空间由艺术家名和晃平(Kohei Nawa)和其SANDWICH（三明治）团队操刀设计。新空间一层为画廊空间，二层为阿拉里奥旗下新生活方式品牌集合店“阿而普”（ART LOVERS PARTNERS），致力于打造一个融合画廊和实验性多品牌集合空间的艺术商业综合体。在一层的画廊空间中，阿拉里奥画廊上海在新空间开幕之际展出了名和晃平个展“解码”及群展“复调”。

名和晃平：解码

10月26日至12月31日，“名和晃平：解码”在阿拉里奥画廊上海新空间展出，展览展出了艺术家的近期创作，涉及绘画作品、纸本素描和混合媒介作品。这是名和晃平自2017年以来在中国的第二次个展。

在Dune沙丘系列中，艺术家将油画颜料及其它不同粒度的颜料与水相混合，以达到一定的粘度，然后将其倾倒铺展在画布上进行创作，最终在画面上形成此起彼伏的地表纹理和缓慢流动的大气，以此探究颜料的流体性，给观者带来感知的错觉。

而在White Code白码绘画系列作品中，则是由亚麻布和点缀其上的白色颜料构成画面整体的视觉效果。在创作该系列时，艺术家在瓶子上开了一个小口，让颜料以一定的量缓慢滴落，同时以随机的方式移动画布，以达到理想的效果。该系列呈现的视觉表达不仅让人联想到早期电报中所使用的摩斯密码，还有如今这个科技时代显示器屏幕上运行着的那一行行程序代码和电子乐谱——在此，这些由模拟设备生成的虚拟数字信号则具备了物质性，它们将视觉与触觉相连，在信息流和意义之间寻找着一席之地。

名和晃平的最新作品系列-Plotter绘制-也将在“Decode解码”中展出，该系列由编程设备自动运行一个简单的程序，在画布上用圆珠笔刷与细毛笔刷绘制一条条直线。纸张、墨水以及纸与不锈钢底板之间间隔的细微差异，导致机器绘制的线条产生丰富的变化，从而反映机器创作的不可预测性。

展览还囊括了名和晃平的-Direction方向-系列——竖立画布，使之与地面形成15度的夹角，再将颜料从上方缓慢滴落至画布边缘，并在重力的作用下沿着画布表面缓慢下移，从一点到另一点，流动的颜料产生了线条。而当这些线条重叠时，则会形成一个面。这些平行的线条在画布上形成一道道条纹，最终所有的线和面都会指向同一个方向。点与线的关系不仅生成了视觉刺激，还增强了画面的动态效果。

Dot-Array-Black点阵-黑色以及Line-Array-Black线阵-黑色系列占据了阿拉里奥画廊其中一个纯白色空间。这两组作品系列采用喷墨印刷技术，分别呈现了重叠的点阵与交错的线阵。随着自然光线与观看视角的转变，画面中的图像会产生微妙而丰富的变化。从远处看，图像呈现一致的黑色，随着观者走近画面，就会发现计算机生成的点与线。稠密的线条让人联想到电子显微镜下的图像；而画面中的点以运动和旋转的形式层叠在其他略微交错的点状图案之上。

“POLYPHONY 复调”

与名和晃平个展同期开幕的还有日本艺术家群展“POLYPHONY 复调”，本次展览由名和晃平（Kohei NAWA）和鬼头健吾（Kengo KITO）共同策划，他们均来自策展团体ONIDAIMYO。展览将展出九位艺术家油野爱子、鬼头健吾、三浦光雅、山田康平、家田実香 、池田光弘、井上七海、神谷徹和三枝由季的近期创作。

‘Polyphony’（复调音乐）来源于希腊语，原意为“许多声音”（many sounds），后来逐渐发展为一种与主调音乐相对的音乐结构。不同于主调音乐只有单一的旋律线，复调音乐通常由若干条互相关联又相对独立的旋律线结合构成。群展以“POLYPHONY 复调”为展览标题，邀请来自日本的知名艺术家与青年艺术家共同参展，作品涵盖绘画与雕塑等媒介，分别呈现九位艺术家各自从不同的角度展开的艺术实践。策展人名和晃平和鬼头健吾就如同交响乐团的指挥一般，而艺术家则成为演奏者，运用音色各异的乐器演奏斑斓多彩的旋律，让观众得以一窥日本当代艺术群像。

参展艺术家中有些已在国内外颇具建树。神谷彻（Toru KAMIYA）受战后美国抽象表现主义影响，始终在“色域”绘画领域深耕，这一流派将色彩作为绘画的主要对象和首要目标。神谷在画布上以渐变的形式施以层次丰富而纯粹的色彩，在如今概念泛滥的艺术世界，探寻绘画之于当代的意义。鬼头健吾（Kengo KITO）的作品常常给人以色彩明亮、轻松愉悦的印象，然而他的创作却暗含着批判社会现实的严肃立场，他从大规模生产的商品包装中提取色彩，并将其融入无限流动的宇宙星河之中。池田光弘（Mitsuhiro IKEDA）善于在画布上精巧地布局，将记忆中的场景在画布上层层铺开，他笔下所描绘的风景并非是对现实场景的简单复刻，而是对于那个时刻的主观记忆以及对当下情感捕捉与回溯。他始终相信，绘画的意义悬浮在物质和图像之间。

鬼头健吾，“车轮银河”，2021，闪光粉，玻璃，喷漆，布面丙烯，100 x 100 x 4 (d) cm. 图片由艺术家提供

家田実香，“后窗21122”，2021，棉布丙烯，162 x 112 x 6 (d) cm. 图片由艺术家提供

本次展览还将展出一系列新锐艺术家的作品，从不同的视角呈现他们对现实的反思。三枝由季（Yuki SAEGUSA）的创作基于叙事展开，并加入她的个人经验和想象，在她细腻的画笔下，荒野、森林和沼泽都被笼罩上了一层奇幻的氛围。家田実香（Mika IEDA）在创作时，任颜料在画布上游走，自由地融合、变化，尽管这些颜料留下的痕迹并不受艺术家的控制，但是它们却遵循着自然之法——受无处不在的重力与时间的作用，在画面上产生不均匀却自然的纹理，就如同龟裂的大地和变幻莫测的自然。在油野爱子（Aiko YUNO）的系列作品中，艺术家试图通过绘画、青铜雕塑等形式，将成长过程中她所体验到的各种复杂情绪视觉化，诸如悲伤、喜悦甚至愤怒，以表达在人生不同阶段所感知到的现实差异。

池田光弘，“无题（人影No.1)”，2022，布面油画，130.3 x 94 x 3 (d) cm. 图片由艺术家提供

山田康平，“无题”，2021，布面油画，53 x 45.5 x 3 (d) cm. 图片由艺术家提供

此外，参展的艺术家中还包括刚刚踏上艺术之路的日本年轻艺术家代表。井上七海（Nanami INOUE）通过在画布上重复绘制线条，试图将绘画从刻板的观念，即绘画必须包含一个具体的对象中解放出来。她的绘画方式犹如一台被编程的机器，然而，她越是追求精准，就越能证明她不是一台机器。无独有偶，三浦光雅（Koga MIURA）同样以线条作为基本的创作元素，探讨随机性、以及机械劳动与人类劳动之间的差异，然而，与井上亲手绘画不同，三浦将随机指令预先编入电脑，然后由电脑不间断地执行指令进行创作，以此展现机械绘制的无意识与纯粹。山田康平（Kohei YAMADA）专注于抽象绘画，通过颜色和形状的并置，在画布上构建对比强烈却和谐的图像景观。