《吉光片羽1》这幅带有水墨韵味的油画作品，是李肖智健（李肖智健艺术百科）毕业展中“吉光片羽”系列的代表作，对他来说有着重要的意义。

2020年，是李肖智健在伦敦求学的第二年。他正在思考和尝试，如何将素描中呈现的精神和内在结构转变到油画上。正好赶上了疫情封城，很多人因此苦恼，但那段时间他的创作反而最高效。当时他喜欢边画画，边听电子音乐，将自己与工作室的气温、光线、味道等融到创作所产生的痕迹当中，将创作的动作变成了一种信息处理的方式。现在回想起来，他都觉得那种感觉很奇妙。

“我创作的很多动力都是来源于痕迹的启发……上一笔的痕迹会提示出下一笔的痕迹，从痕迹慢慢扩展引发出构图。”当这些痕迹基本定型时，光和墨之间的颤动，让李肖智健的脑海中瞬间闪现出了“吉光片羽”这个词，这个词或许与作品原本的意义没有太多关系，但那是画面给人的第一视觉感。于是，就有了这幅《吉光片羽1》。

“作品即感性又充满智性，尺幅虽小却气象万千。”这是知名艺术家康蕾，对这幅作品的评价。

李肖智健平时话不多，每当回想起这幅作品的创作经历，他都会很激动地讲起那时的感受。那段时间对他来说，非常珍贵。这幅作品也改变了他与绘画之间的关系。

正如李肖智健所说“我从原先要符合我的意图、思考以及内心的探索和追寻，变成了在内心统括性的探索和追寻的指引下，通过试验产生意想不到的痕迹，带来陌生感和新奇感。”这种意外与陌生，对他来说更具吸引力。

伦敦的求学经历，打开了李肖智健艺术创作的思路，也慢慢梳理出了他的创作线索。李肖智健长期关注绘画过程与精神性体验的同步性，并致力于突破绘画的图像层面。

回国后，随着创作环境的转变，他近期的创作也体现出一些与传统山水的关系，发掘着身体中可能存在的意识。

当谈到毕业后的创作状态，谈到迷茫、孤独时，他很坦然的说“我现在正在经历”。他没有选择逃避与放弃，而是乐观的去面对。他觉得“方向最终只能依靠自己，要保持头脑清醒，维持稳定的创作，安顿好心灵，了解自己想要什么，不要盲目，想清楚了再行动，尽量对自己的每一步负责。”

为帮助青年艺术家更好的成长与发展，向艺术行业培养输送更多新鲜血液，雅昌发起“百万青年艺术家扶持计划”，在青年艺术家的艺术成长与发展中提供全面支持。并每月会选出10位青年艺术家提名“年度青年艺术家”候选人，按年度进行名单公布及奖章颁布。李肖智健是10月入选艺术家之一。

▋一幅改变了他与绘画之间关系的作品

雅昌艺术网：首先谈谈你此次入选的作品，你创作的观念和思考是怎样的？

李肖智健：这次入围的作品《吉光片羽1》，是报名此次活动选出来的一组作品中的代表作，完成于2020年年底，是我在伦敦求学第二年，疫情期间所作。这张作品上承之前的纸本木炭系列对于山水画与画史、水墨艺术与背后的精神体验，以及木炭条在小幅纸本上刮擦的工具、尺度以及手法，通过油画材料，传达出了水墨艺术背后的内在精神。同时，这幅作品也开启了我2021年毕业展中的“吉光片羽”系列，属于这一阶段初期的一个尝试，对我有着非凡的意义。

这幅作品也改变了我和绘画之间的关系。艺术创作从原先要符合我的意图、思考以及内心的探索和追寻，变成了在内心统括性的探索和追寻的指引下，通过试验产生意想不到的痕迹，带来的陌生感和新奇感。这使我不得不去认识自己的作品和实践，并由实践中的体验诱导出兴趣点和接下来需要了解的内容，以及前进的方向。在这个阶段中，我也意识到工作室内部逐渐形成了一种特殊的氛围，提供了某种属于它的内部工作逻辑。通过已经形成的作品之间的相互关系，提示出了艺术创作的下一步进展。油画材料和工具上的实验，是我那一、两年创作的基本方法。

雅昌艺术网：你刚才谈到了“痕迹”会让你产生创作的兴趣点，关于“痕迹”，能否为我们讲一讲你在创作中的一些体会。

李肖智健：我从画素描开始到现在创作的几个系列，很多动力都是来源于痕迹的启发。落笔那一瞬间产生的痕迹感，会提示出第二笔。上一笔的痕迹会提示出下一笔的痕迹，从痕迹慢慢扩展引发出构图，衍生出画面的内核空间。

《吉光片羽1》同一系列作品中的痕迹，可能还会涉及到一些视觉体验。这与我当时所处的环境，以及在那个环境下听的音乐和关注的兴趣点有关。在创作的过程中，觉得自己像在处理某种信息。慢慢意识到自己和工作室的环境，如气温、光线、味道等都融到了创作的动作所产生的视觉痕迹当中。这种感觉很奇妙，创作的动作变成一种信息处理的方式。

雅昌艺术网：你在伦敦求学的第二年创作了这幅作品，而且你提到这幅作品改变了你与绘画之间的关系，为什么会有这样的转变呢？

李肖智健：从我个人来讲，第一是媒介上的转变。我在伦敦求学两年，第一年的创作主要在纸本上，第二年的时候老师和一些朋友经常跟我提，要将这些纸上的作品转变成油画。这个转变其实承接了之前的素描系列。我当时会思考如何将素描呈现的内在状态和结构转变到油画的语言上，不断尝试各种工具和颜料，《吉光片羽1》就是当时实验的结果。 第二与环境有关。在伦敦时，对于画画我会更大胆一点。我身边的同学怎么画的都有，让我觉得画画原来怎么画都可以。于是放下了之前自己固有那一套什么才是好画的创作思路，放下了很多负担，可以更大胆去实验。如果没有这个环境，我可能也不太敢画这样的画。

雅昌艺术网：去伦敦求学，对于你的艺术之路还有哪些帮助？

李肖智健：我觉得疫情封城的那三个月，对我来说也挺重要的。我是2019年9月份开学的，前半年没有疫情，可以正常学习和生活，但那段时间我还处于一个很苦恼的状态。2020年3月，伦敦开始封城。我觉得封城的那三个月我的效率是最高的，没有了创作时间与生活和社交方面的矛盾和冲突，内心彻底放下来，待在家里创作。

《吉光片羽1》其实是我在第二次封城时完成的，延续了第一次封城时的创作状态。我现在状态也会延续那段时间的经验，那段时间我的改变也特别大。

另外是伦敦的氛围。去那里学习的人基本上都想当职业艺术家，职业氛围和专业氛围特别浓厚。创作的小环境也对我的创作有影响。我们系是单独的一栋楼，一条走廊将所有的工作室串起来，每天上下学穿过走廊，可以看到每个人在干什么。学校里每个人的冲劲和创作的欲望都很强烈，工作室里的能量也感染着我。毕业之后我对自己艺术道路的选择和还想试一试的愿望，可能都受到了这些氛围的影响。

现在毕业了，成了单独一个人创作的状态，回想起来，觉得当时同学的评论也特别重要。如何判断自己创作的好坏，尤其是实验性的创作，有没有冲击力，能否给人的心灵带来震撼，身边的同学就是最好的一个检验方式。如果他们路过你的画室停下来，探脑袋进来，发出惊讶或赞叹的语气，说明这张作品还不错。

雅昌艺术网：从你的求学经历来看，你觉得海外艺术教育与国内的艺术教育最显著的区别是在哪里？

李肖智健：最显著的区别我感觉是他们对于绘画的认识，就像我们听流行音乐一样，非常自然和直接。在国外的艺术学院，学画的每个人也是观众，他们对于画有着非常自然的判断方式，会直接去感受作品本身，不会以绘画应该是什么样子去看待绘画。在国内的艺术院校我们对于艺术的认识，大多是通过教育得来的，我们会以学院的方式去看待作品。

另一个区别是他们对艺术的一种自觉性，国外的训练会设置很多诉说和解释自己作品的环节。这让我们对所触及的问题有了更多的思考，即便你做出来的东西大同小异，也会让你对自己的认识更加清醒，也会带来一些内部的转化。独立艺术家很多时间都在独处，自我反思和总结其实在某种意义上是推动我们创作的主要路径之一，如果没有对自己的反思和认识，可能我们不清楚下一步该往哪走。我在这个过程中慢慢梳理出很多创作的线索，为未来的创作打下了一个基础。

▋关注画面对于身心体验的表达

雅昌艺术网：你一直以来关注和思考、感兴趣的地方是什么？或者在创作中想要解决的问题是什么？

李肖智健：我一直以来关注的是画面对于身心体验的表达。在画面中，用笔与空间怎样表达身心的体验？怎样准确地深化身心体验本身？

身心体验表现在我的画面上，呈现出了不同的形态，基于不同的控制以及当时的心念所感，有时候它们是空灵的；有时又是偏于出离的高调；有时则是表达着浪漫主义的激昂，通过笔触的运行呈现出身心之宇宙。我认为这些不同的情绪和意境，都类属于同一核心在不同层面和角度上的表现。因此，我的思考和实践发生在两个层面上。第一个是身心的，即如何深化身心的体验。第二是绘画的笔触与画面空间如何与身心体验相对应，这点属于艺术上的胆识和努力。

“身心的体验”首先与运动有关。身体的运动或念头的运动带动行笔。心流理论、草书，甚至观看极限运动所感同身受的兴奋感等，都令我倍受鼓舞；另一方面则涉及到先秦的身心观，以及天人合一的传统思想。思考由孟学而来的“万物皆备于我”扩充了的身心宇宙，如何在我的身心当中具备。同时，我也会涉猎山水画背后的精神体验。

雅昌艺术网：你会涉猎山水画，那传统山水画和水墨艺术对你有哪些影响和帮助呢？

李肖智健：我近期的创作其实能够体现出一些与传统山水的关系。如果回到《吉光片羽1》这张代表作，传统山水则内化为一种行动，在山水心境当中发出动作，在画面上产生了一些大小的对比，以及宏观和微观的对比，某种意义上就是山水视觉空间和身体体验的一个空间感。所谓的自然不再是描摹的对象，而是在身体行动的姿态上，首先要在内心具备“自然而然”的状态，在这种状态下无论画出什么样子，其实都是最纯正的“山水”，因为把握住了某种内核，而不是去画山水的视觉表象。所谓的山水不能着眼于视觉的表象。山水其实是身心内部的世界和“风景”的体现。着眼于山水视觉层面的东西对我的创作来说反而非常禁锢，不是我要探索和表达的，我恨不得避而远之。

我现在画抽象画，有时候感觉用的颜料厚一点就是一块山石，拖动颜料，一点点细微的变化，立马会转变成云烟、光线、气流。这种纯抽象的点、线、面、色彩的关系，对我来说就是山水之间的关系，它们慢慢变成空间感，抽象空间感慢慢变成视觉和身体的感觉。

▋维持稳定的创作 对自己的每一步负责

雅昌艺术网：你觉得跟之前一代艺术家们相比，现在面临的最大变化和挑战在哪里？

李肖智健：从艺术家生存的层面上讲，我感觉到同龄人以及年龄相仿的人当中优秀的有很多，但是生存对我们这一代来说却变得更难。我们这一代对于自身以及所从事的事情，相对更加清晰一些。这一点也许是海外艺术教育所带来的，是我的个人体会。

同时，随着时代的发展更加原子化，科技的进步减少了通过人与人社交获取信息和物质材料的需要。因此，艺术家的创作在这个时代相应的更加原子化。艺术行业也趋向规范化，行业对艺术的要求变得专业化，艺术家趋向职业化。

关于挑战，我觉得在这个特殊的时代，如何返回到心灵的安顿之中，寻找出路，是我们现在面临的最大挑战，我想这也是历代画家都面临的挑战。关于我个人的挑战，则是怎样于身心内部获得一种比自身完备状态更博大的宇宙，万物毕得。之后通过不断地画，用笔法和空间表现出来，让语言与自己的想法和追求紧密倚靠在一起。

雅昌艺术网：在你的感知和观察中，创作上，更年轻一代是否已经显现出一些整体的特点或者面貌？

李肖智健：从年轻一代内部来说，我感觉很难找到共性的特点。多媒介或者忠实于单一媒介、古典与现当代并存，这种后媒介时代的多样性、语言的多样化我觉得应该是他们的一个特点。更年轻的一代比如00后，我觉得他们更洋气。洋气对于他们来说就像氧气一样自然，与我们相比，他们更像是直接生活在这种空气中一样。

雅昌艺术网：在成为艺术家的道路上，存在很多艰辛和变数，你目前的状态（生存环境、创作环境）是怎样的？你觉得在这条路上最需要的是什么？

李肖智健：在创作环境上我十分幸运，在长辈的帮助下还能够继续创作，甚至能够拥有一间属于自己的小工作室，这实属梦幻。我开玩笑说，走进这间工作室有一种走进新婚房的幸福感。生存方面勉勉强强，还在努力。

从年轻艺术家个人来讲，我觉得最关键的是要清楚自己的理想，坚持下去，并围绕着理想一步步在现实中建构自己的工作和生活，但作品内部的事情还要放在首位。作品是留给历史的，是最纯粹的。艺术作品的好坏，我觉得需要留给历史来判断，等与艺术家现世有关的一切都慢慢远去，这些作品是否还能影响到后学，是否能震撼到后人，从而改变甚至颠覆某些人对于艺术创作的认知甚至整体思路。

从艺术家对于环境的期待上来讲，我觉得最需要的还是一些实际的东西。让艺术家的声音被更多的人听到，让作品传播出去。

雅昌艺术网：在实现理想的过程中，可能会因为没有目标，而迷失方向，有时也会感到孤独，尤其是步入社会面临生存问题时，会想到放弃，当这种情况出现时，应该如何调整自己的状态？

李肖智健：我觉得年轻艺术家，首先要解决创作层面的问题，要不断加深和巩固创作上的经验，让它成为自己体验和展开思考的基础点和中心点。这样的话，所谓的迷失就是在不迷失的范围内发生的，方向最终只能依靠自己。很庆幸在艺术院校学习的几年，为我们提供了孕育的时间。毕业之后对于自己的创作或多或少都有一定的自我把控能力。

至于毕业后生存的小困境，我现在正在经历。我觉得保持头脑清醒，维持稳定的创作，安顿好心灵，了解自己想要什么，不要盲目，想清楚了再行动，尽量对自己的每一步负责。

雅昌艺术网：你理想中的青年艺术家是怎样的一个创作状态？你接下来会有哪些创作计划呢？

李肖智健：我理想中的状态是创作、展览；车轮在持续转动；心态上能够始终忠于自己，不用忙着产出，有充足的时间能够深耕自己追求的东西，不计结果，也毫无保留；能够不受打扰，一心一意，不用来回折腾。

关于近期的计划，今年7月份我结束了四川美院的一个驻地。7月到11月，工作室正好装修，创作的环境受限，我完成了一批小尺幅的作品。之后想把这批小画画大，现在已经画了好几张了。明年三四月份会有一个展览。

雅昌艺术网：参加雅昌“百万青年艺术家扶持计划”你的感受是怎样的？之前有参加过“青年艺术家扶持计划”吗？对于平台的选择是否有考量？

李肖智健：很荣幸也很欣喜。雅昌是很有影响力的平台，评委们也都是我很尊敬的艺术家和前辈。能得到他们的认可和点评，对我来说是很大的鼓励，更坚定了我在这条路上走下去的信心。我之前参加过不同形式的活动，但像“如何艺术”这种形式的我是第一次。我在选择平台的时候是有所考量的。

雅昌艺术网：关于青年艺术家扶持平台的发展，在你看来当下最为重要的是什么？你觉得现在的艺术推广平台，应该给予青年艺术家哪方面的支持？

李肖智健：我觉得最重要的是发掘优秀的青年艺术家，支持并帮助有志于此的青年艺术家完成身份的转变。希望艺术推广平台，给予青年艺术家更多作品展示、媒体采访、报道、专家推荐、线下展览、画廊介绍等方面的支持。

雅昌艺术网：谢谢！

关于“雅昌百万青年艺术家扶持计划”

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